意大利文艺复兴全盛时期(65438+6世纪上半叶)的美术是如何发展的？
达芬奇(1452-1519)是整个文艺复兴时期最杰出的代表之一。他的天才并不局限于艺术，而是体现在数学、机械工程、医学和地质学上。他出生在佛罗伦萨附近一个叫芬奇的小镇，早年去了佛罗伦萨，在罗基奥的作坊里学习。列奥纳多·达·芬奇不仅在这里学到了绘画和雕刻的技巧，还热衷于科学研究。早期作品有与老师合作的《基督的洗礼》，自己完成的《天使的使者》。1482年，达芬奇来到米兰，为米兰大公服务。他不仅在这里完成了一些重要的艺术作品，还在建筑、水利工程、军事技术和机械制造等方面做出了杰出的贡献。在米兰期间，他的重要作品包括《岩石的圣母》(1483—1493)和《圣玛利亚修道院食堂不朽的最后晚餐》。在《岩石圣母》这幅画中，达芬奇用清晰的几何结构来排列人物，即把人物框成一个等腰三角形，这个三角形的顶点就是玛利亚的头，这为当时流行的金字塔形构图奠定了基础。同时，他在右下角使用天使和婴儿来增加重量，并通过左上角的光源来平衡整个画面。这种在复杂动力学中平衡的方法被后来的艺术家广泛使用。此外，由于重叠的岩石而产生的柔和光线不仅加深了形状的塑造，还赋予了整个形象独特的诗意光环。《最后的晚餐》占据了修道院食堂大厅的整面墙，达芬奇选择了一个关键时刻来描述。以耶稣为中心，左右两组人物，所有人的性格都在他们的动作和手势中表现的淋漓尽致。耶稣在中心，让每一个人物都充分表现出来，同时又不至于让画面凌乱散乱。在这幅画中，达芬奇通过真理的象征耶稣和邪恶的象征犹大之间的戏剧性对比来表达他对生活的看法。达芬奇于1503年回到佛罗伦萨，在此期间完成了著名的《蒙娜丽莎》(1503-1506)。这幅肖像画的意义在于通过一个普通市民女性的形象来表达人们对自己的肯定和对美好事物的向往。1506年，达芬奇再次回到米兰，在晚年，他画了《丽塔》、《圣安娜》等作品。1516达芬奇因为内乱来到法国当宫廷画家，最后死在法国。达芬奇是伟大的现实主义画家，他的艺术实践和理论是人类文化史上最宝贵的遗产。
作为雕塑家和画家，米开朗基罗·博纳罗蒂(1475-1564)走了一条与达芬奇不同的道路。他没有像达芬奇那样充满科学精神和哲学思考，而是在艺术作品中倾注了自己的悲剧激情。
米开朗基罗少年时就进入著名的“美第奇花园”，在那里接受艺术训练，接触到那里收藏的大量古代艺术珍品，在他早期的作品中就表现出非凡的气质。1501—1504年，米开朗基罗为家乡佛罗伦萨创作了著名的大卫雕像，展现了成就之前的大卫，一个充满愤怒和力量的年轻人。这种力量也是人文主义者所向往的自由人的巨大潜力。也正因为如此，这部作品成为了文艺复兴时期英雄们的象征。1508-1512年间，米开朗基罗受教皇朱诺二世的委托，创作了西斯廷教堂天顶画《创世纪》，显示了他在绘画上的独创性。在《天顶画》中，他也通过上帝的主题来表现人类的力量。在《创世纪》中，米开朗基罗将人类生命的获得表现为两只有力的手的接触。在《偷禁果》中，他还强调了人物的独立情感，这让夏娃的表达充满了挑战。在《洪水》中，它充满了戏剧性，一系列个体悲剧情节透露着人们的自信。朱诺二世去世后，新教皇利奥十世命令米开朗基罗设计朱诺二世的陵墓，耗时十余年。祖国的灾难，民族的痛苦，艺术家个人思想感情的矛盾，都在他的作品中留下了深刻的印记，其中以摩西最为震撼。这个形象和大卫一样，是艺术家心目中拯救民族、摆脱苦难的英雄。人物意志的高度集中，不仅体现在令人望而生畏的眼神上，还体现在对摩西粗壮体格的极度夸张上，体现在肌肉的紧张上，甚至体现在完全皱巴巴的衣褶上。如果说大卫体现了一种自信，那么摩西则体现了做人的威严。在他后来为美第奇教堂设计的雕像中，一组清晨、黄昏、白天、黑夜等意象深刻地揭示了艺术家内心的痛苦和彷徨。祭坛画《最后的审判》是米开朗基罗晚年的重要作品。从1534-1541他花了六年时间才把它画在西斯廷教堂里。这部宏伟的作品是米开朗基罗对生活的总结，也是对当代历史的评判。壁画构图的处理和构思是一致的，构图并不突出明确的顺序和结构，而是强调一种自然的排列。这幅作品的成功和伟大之处在于从人与人的关系中统一了人的集体形象，色彩的巧妙运用使壁画富有戏剧性。米开朗基罗艺术中的悲剧以壮丽的形式出现，他塑造的主人公既是理想的象征，也是现实的反映。正是在他的艺术中，文艺复兴时期的人文主义理想得到了充分而生动的表达。由于米开朗基罗有意无意地揭示了人文主义思想的核心，即人的能动性和积极作用及其作出贡献的能力，米开朗基罗的艺术几乎成为西方艺术史上不可逾越的高峰。
拉斐尔·桑齐奥(1483—1520)出生于翁布里亚，他的画在画家佩鲁吉诺早期的学习展中总是洋溢着明亮的色彩、柔和的光线和安静优雅的节奏，这一切都得益于他早期的教育。
65438年至0508年，拉斐尔应他的朋友、雕塑家和建筑师布拉曼特的邀请来到罗马，他后来的许多著名作品都是在这里完成的。他为梵蒂冈宫、雅典学院、巴纳斯山和圣经辩论所画的三幅壁画，表现了一个人文主义者对真理和幸福的追求。但总的来说，《雅典学院》是三部作品中最好的，也是拉斐尔最辉煌的作品。他把古代思想家和科学家的聚会安排在一个有拱门的大厅里，两边是阿波罗和雅典娜的雕像。画面中央是柏拉图和亚里士多德，他们分别指向天空和大地，手势代表了各自的理论。身边有各种姿态的学者和科学家，也用具体的姿态表明各自的身份和理论。所以雅典学院的人物比其他两个有更强的纪念倾向。无论从内容还是形式上，这部作品都标志着人文主义在文艺复兴艺术中的最终胜利，也标志着人文主义与古希腊罗马文化的紧密联系。显然，拉斐尔已经开始享受文艺复兴思想的成果了。这些作品也奠定了拉斐尔在罗马的声誉。拉斐尔是刻画女性形象的大师。在他来到罗马之前，作品中的圣母是一个普通女性的美好形象，在她身上体现了爱、善良、温顺的高贵品质，激起了人们对生活的向往。到了罗马后，拉斐尔的圣母像依然是世俗的，但多少有点贵族的味道。最著名的是西斯廷圣母像，这是一首美丽的颂歌，融合了圣母的谦逊和世俗的爱。拉斐尔与达芬奇、米开朗基罗的不同之处在于，他用优美而富有诗意的绘画语言体现了人文主义的理想。他对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大的影响，他所确立的美的风格成为后世学院派古典主义的标准之一。