美声唱法的历史延伸和基本特征
当时罗马帝国的教会唱赞美诗，背诵圣经，成为最早的合唱形式。在教堂用拉丁语演唱宗教相关内容是一种音乐形式，叫做诵经。公元590年，教皇格列高利一世编辑修订了《诵经经经》，著名的格列高利圣咏，实际上相当于在教会中规定了歌唱教义的曲调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严肃穆的唱腔来配合教堂的气氛。
13世纪以前的欧洲音乐都是单音音乐，其中古希腊的声乐以单音音乐为主，以严格的诗性节奏为主，以独唱、合唱、领唱、说唱、演唱为主要演唱形式。这一时期产生了《荷马史诗》《伊利亚特》《奥德赛》等优秀作品，这些作品由盲人诗人荷马创作，用说唱的方式传唱。可以说这是一种比较早期的声乐形式。随着罗马帝国的不断扩张，欧洲进入了一个长期教会统治的时期，历史上称之为“中世纪”。教会教义垄断了几乎所有的意识形态领域，唱歌也成为各种宗教的附属品。
赞美诗音乐流行的时期，从11世纪开始，出现了一些音乐形式，促进了音乐艺术的发展，丰富了声乐艺术的内容，此后，吟游诗人、诗人、民谣歌手等职业歌手相继出现。虽然不能完全摆脱浓厚的宗教色彩，但可以称得上是对宗教音乐的大胆突破。
发展
13世纪中期，欧洲音乐逐渐突破单一声部，开始进入复调音乐时期。声乐演唱也是多声部合唱的形式，由女高音和女低音担任角色，男高音作为圣咏旋律，男低音作为角色。因为古老的圣经格言“女人在教堂里应该保持沉默”，唱歌中的女声被男声取代。这些男孩是被阉割的男孩声乐家，在声乐发展史上被称为“太监歌手”。它们的出现为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大贡献，奠定了美声唱法的基础，在一定程度上促进了歌剧的产生和发展。他们的全盛时期也带来了美声的黄金时代。宦官歌手的衰落，部分原因是大歌剧的兴起。
18世纪后期，大歌剧的题材大多离不开个性解放的要求和爱情题材的叙述，提倡写实的创作方法。因此，在歌剧舞台上，宦官作为女性角色的演唱方式逐渐发生了变化，建立了一种新的男性角色和女性角色的演唱形式，这是欧洲歌剧的一大转折。为了实现男高音唱功的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过200多年的教学和几代人长期的实践探索，随着19世纪“蒙面”唱法的出现，男声获得了稳定的男高音，这标志着男高音唱功有了质的飞跃，逐渐形成了歌剧舞台上男性角色唱主角的局面。以贝里尼、多尼采蒂、罗西尼为代表的意大利歌剧以及法国歌剧都体现了这一时期的演唱水平，被称为声乐史上美声唱法的“全盛时期”。公元19世纪意大利伟大的歌剧作家威尔第的爱国热情歌剧的出现，标志着歌剧创作的新发展。因为他对咏叹调的成功创作，对声音的要求进一步提高，不仅要求唱功扎实、情感表达强烈、戏剧震撼，还要求表现力、流畅性、灵活性、女人味。以马斯卡尼为代表的现实主义歌剧的唱功达到了一个新的高度。瓦格纳的歌剧注重乐队的配置，增加了乐队在歌剧中表演的分量。因此，为了获得更清晰的演唱效果，演员必须努力提高自己的发声技巧，以增加音量。
19世纪初，欧洲文艺出现了一种新的潮流或风格，称为“浪漫主义”或“浪漫主义文学思潮”。浪漫主义形成于法国资产阶级革命之后，拿破仑独裁时期。浪漫主义文艺反映了当时欧洲资产阶级和小资产阶级知识分子的思想感情和对社会生活的态度。浪漫主义文艺不仅仅是创作方法和作品风格的问题，更是一个复杂的世界观和艺术观的问题。在音乐创作方面，浪漫主义形成于19世纪初的1920年代。它是由奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯创立的。(摘自张宏道《欧洲音乐史》)舒伯特的创作有艺术歌曲、交响乐、室内乐等。韦伯主要创作歌剧。浪漫主义作曲家在音乐创作技法上做了许多创新，例如，他们在主题音调中加强了抒情因素，在器乐作品中渗透了音乐音调。至于歌曲的创作，歌词多由名家的诗词组成，充满诗意，注重诗词与音乐的“诗性精神”，要求在音乐中充分表达诗词的内涵。同时强化伴奏尤其是钢琴伴奏的表演功能和作用，与演唱形成新的关系，塑造艺术形象，推动高潮，揭示歌词意境，表达歌词未完之意。随着以舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家为代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起。出现了不同于歌剧咏叹调的艺术歌曲演唱风格。
20世纪的声乐舞台可谓百花齐放，各领风骚，各种演唱风格和流派并存。他们的比赛带来了多种多样的唱法，也是美声唱法日益科学完善的一种体现。