为什么《蒙娜丽莎》和《西斯廷圣母》被称为文艺复兴时期的作品？
文艺复兴的意思是“再生”，文艺复兴的标题旨在恢复古希腊和古罗马的文化和艺术。但其实质是资产阶级要建立新的上层建筑，借前人文艺的武器来扫清前进道路上的障碍。在艺术上，当时的“复兴”指的是两个方面。第一，人性的复活，以前的艺术家无法表达自己的艺术追求，只能用同样的方式表达上帝——基督和他的门徒。世界上的人都是爬行在上帝脚下的芸芸众生，在艺术中得不到应有的地位，文艺复兴时期的艺术家意识到了人的尊严，敢于面对活跃的现实社会，敢于描绘生活中的人和事，使得艺术的内容发生了巨大的变化。二是古典艺术的复兴，意大利的故乡是古罗马，那里充满了古希腊罗马的艺术遗迹。经过几千年的沉睡，许多遗迹被发现了。在艺术家面前焕发出新的光彩。由此，艺术造型有了模型，就要回归“复兴”古典艺术的风格。
《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄美丽的西方女性肖像。她的脸很美，形象栩栩如生，仿佛是一个真人的存在。从容自信的神态透露出一种不可捉摸的神秘微笑，表现出一种高贵不可侵犯的尊严，看着它的人似乎都是自尊自重，是对人的致敬。《蒙娜丽莎》是文艺复兴时期的作品，之前是中世纪宗教统治时代和压迫人类的时代。它的作品都是关于神的。列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅现实人物的反传统绘画，以现实人物为内容，使我们了解其思想意义的内涵。这是一场代表新兴资产阶级打破教会精神枷锁的革命。西斯廷圣母像是拉斐尔最杰出的圣母像之一。它原本是一幅祭坛画，是教皇朱利叶斯二世送给西斯廷教堂一所女子修道院的礼物。今天，这件作品被放在德国的一个博物馆里。虽然它已经失去了昔日的环境，但它神圣的魅力是不可抗拒的。博物馆的工作人员把它放在一个单独的大厅里，每个进入这里的人都会保持沉默。这些真人大小的人物一定让他们感受到某种来自天堂的气息。
画面就像一个舞台。当幕布拉开时，圣母抱着婴儿，脚踩祥云，缓缓走来。红色的礼服象征着她是“圣家族”的一员，深蓝色的斗篷意味着她是世界上最神圣的女人。这两种颜色是圣母院的代表色。在幕布的左侧，身穿金色长袍的男性长者是西斯廷教堂的创始人圣·西斯图。他摘下教皇的王冠，虔诚地向圣母子的到来鞠躬。右边的年轻女子是芭芭拉，圣母玛利亚的信徒。她恭敬地转过身，把手放在胸前。他们的姿势会给人一种视觉上的感觉，好像圣母是从天堂进入教堂空间的。拉斐尔恰当地使用了那个时代最有效的缩短视角。你看，教皇的指尖和圣母玛利亚的衣裙之间有很深的空隙。画面下方有一个深色的栏杆，是教堂的入口，是虚与实的界限，教皇把他的王冠放在上面。栏杆上的两个小天使正睁大眼睛仰望着圣母玛利亚的到来。他们正在听圣诞节教堂里演奏的管风琴音乐吗？一片童心绘得惟妙惟肖，他们的形象多次被单独印成畅销明信片。
画面恰到好处地把握了美与神圣，赞叹与钦佩，展现了拉斐尔和谐、和谐、优雅、活泼的独特风格，但也包含了挥之不去的忧伤。依偎在妈妈的怀里，宝宝还不知道自己未来的命运，但已经流露出一丝恐慌。圣母的表情也是矛盾的。她知道这个孩子不仅仅属于自己，而是被上帝选中，将通过上十字架的牺牲来拯救苦难的世界。她虽然抑制不住内心的悲伤，还是来送她唯一心爱的儿子到人间。诗人但丁曾对来自天堂的女王唱过下面这首赞美诗，放在这里还是很恰当的:她走着，听着溢满四周的赞美，散发着温柔的幸福之光，像天堂里的精灵，化身在人间。
拉斐尔的西斯廷教堂圣母院(02):
在拉斐尔的无数杰作中，最著名的是《西斯廷圣母像》，这幅画是在梵蒂冈著名的西斯廷教堂里画的。几乎可以算是圣母画中的杰作。画中的圣母一扫中世纪以来圣母冷酷、僵硬、难以接近的外表，将圣母刻画成一个美丽、温柔、母性的意大利平民女性。她的脸上充满了平静的自豪。对于怀里的基督，她的脸上充满了深沉的母爱和牺牲精神，因为她要把她心爱的儿子献给这个世界。这种伟大的母爱在这个穿着朴素的赤脚年轻女子身上得到了体现。她从云端缓缓走来，双手紧抱胸前的圣婴基督。微风吹起了玛利亚的头巾和裙子，她与前去向世人报告这一消息的大天使圣巴巴拉并肩而立。照片的左端站着教皇西斯托斯，他去欢迎圣母的到来。
画面中，幕布缓缓向两边拉开，圣母马利亚抱着婴儿基督从冉冉的云端跌落。在她的脚下，跪着的是老教皇西斯廷二世和年轻貌美的圣瓦拉。前者穿着厚重的法衣，指着圣母应该去的土地。后者虔诚地耷拉着，略显羞涩，仿佛在为母子祈福。圣母的脸很美，很安静，眉宇间似乎有隐忧。为了拯救全人类，她将不得不牺牲她心爱的儿子。小基督依偎在妈妈的怀里，他睁大眼睛看着我们，眼神中有一种不寻常的严肃感，好像已经明白了这里发生的一切。
在拉斐尔过去创作的圣母中，西斯廷教堂的圣母总是追求美丽、幸福、完整和更多的母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母像》则从更高的起点上塑造了一个人类救世主的形象:她决心以牺牲自己的孩子来拯救苦难的世界。13世纪伟大的意大利诗人但丁，为这位生而为神的女王唱了一首至高无上、充满敬意的赞美诗:她边走边听赞美，散发着温柔的幸福之光；像天空中的精灵，化身尘埃。这幅画没有艺术上的虚伪或矫饰，但在简单中却有着惊人的简单和深刻。画面就像一个舞台。当帷幕拉开，圣母踏上云端，神风缓缓送她。代表世界权威的统治者——教皇西斯廷二世(Pope Sistine II)，身着奢华的教皇袍，摘下王冠，真诚地欢迎圣母玛利亚来到这个世界。圣母院的另一边是圣沃瓦拉，他代表老百姓欢迎司机。她的形象妩媚动人，陷入深思。她转过头，带着母性的善良俯视着小天使，仿佛在和他们分享自己思想的秘密，这是拉斐尔画作中最美的部分。人们会情不自禁地顺着小天使向上的目光，最终遇见圣母，这是眼睛和心灵的交汇。圣母雕塑是整幅画的中心。来自天空的圣母出现在我们面前。乍一看，我们根本没有注意到，但当我们深入观察时，似乎她正朝你走来。她年轻美丽的脸庞庄严而平静。仔细看她颤抖的嘴唇，我们仿佛听到了圣母的祝福。
拉斐尔的西斯廷教堂圣母院(03):
《西斯廷圣母像》是拉斐尔的《圣母像》的代表作，以其甜美畅快的抒情风格著称。这幅画是教皇朱莉娅二世送给皮亚琴察西斯廷教堂的黑人修士的。拉斐尔受托画这座教堂的祭坛，因此得名“西斯廷教堂的圣母”。这幅画描绘的是圣母抱着儿子从云中降临。一个男人和一个女人被画在两边的窗帘上。穿着金色长袍的男性长者是教皇西斯科，他向圣母子做了一个欢迎的手势。
微微跪着的年轻女子是圣母玛利亚的弟子沃瓦拉。她虔诚地垂着眼睛，弓着侧脸，流露出一丝娇羞，表现出对圣母玛利亚之子的尊敬和顺从。中间的圣母丰满婉约，面部表情端庄安详，美丽恬静。蹲在下面的两个小天使睁大眼睛仰望圣母的到来，童真被画得惟妙惟肖。拉斐尔的名画恰到好处地把握了美与神圣，倾慕与赞叹，表现出优雅、柔媚、和谐、活泼的风格，从而给人以清新、纯净、高贵、升华的精神享受。
拉斐尔赋予了古代美人新的生命。在他的绘画中，古老的艺术获得了新生，并发展成一种新的和不同的完美形式。拉斐尔的成就代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
这幅圣母画像是1505画的，题为《母亲与儿子》，我们看到圣母坐在凳子上，身后是温柔和风景。在这个阳光明媚的日子里，我们可以看到远处的群山融入浅蓝色的天空。
右边的灌木丛把我们的注意力吸引到了山上的小教堂。这提醒我们，年轻的母亲和她的婴儿属于宗教世界。围绕在母亲和孩子头上的两个光环是他们神圣的象征。拉斐尔不需要这个标志来表示他想表达的东西。他把他年轻的母亲画得如此甜美，把他梦幻般的脸画得如此温柔，以至于当我们看着她时，我们只能想到圣母。
她的大眼睛根本没有看到任何东西，因为它们跟着她的想法走。她陷入沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她的膝盖上。她的另一只手抱着婴儿。
当我们把她的手和脸放在一起理解时，我们感觉她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在思考耶稣和他的未来。与他的母亲相比，小耶稣比他同龄的男孩大是很自然的。拉斐尔创作孩子肖像的方式确立了耶稣在画中的重要地位。
看圣母玛利亚的脸，可以发现柔和的轮廓，大大的眼睛，挺拔的鼻子，小小的嘴巴，与杰出的希腊雕塑家普拉西·托雷斯所创作的维纳斯的头像惊人的相似。这是因为拉斐尔是文艺复兴时期的艺术家，他一直在研究古代艺术。但也有不同之处。拉斐尔更温和地画圣母的脸。他把古代女神的表情画得更加细腻柔和，赋予了一件古老的异教艺术作品新的基督教意义。