亨利·摩尔和他的雕塑。

亨利·摩尔亨利·摩尔(1898-1986)于1969年先后就读于利兹美术学院和伦敦皇家美术学院。严格的学术训练使他获得了扎实的雕塑基本功，但真正影响他艺术观念的是大英博物馆里的特鲁利亚、前哥伦布时期的美国黑人和非洲人的雕塑以及当时的英国艺术理想主义者罗杰。摩尔把原始艺术对人类生活的热切追求和表现形式的朴素与现代艺术反对模仿、放弃复制、追求形式本身独立价值的思想结合起来，走出了一条既保持西方传统艺术精神，又具有现代审美品格的艺术道路。他想表达的永远是一种对生活的温柔的好感。摩尔身上对传统文化基因的传承，体现在他对人文主义的坚持，对雕塑的贯彻就是始终把肖像作为作品的中心主题。摩尔说:“我不认为我们会脱离之前所有雕塑的基本立足点，那就是人。”就我而言，我需要的是构成肖像的因素——从这个意义上说，我的作品是具体的。“摩尔的大部分作品都刻有肖像，只有少数作品刻有狗、蛇、羊等动物形象。1924年，摩尔模仿前哥伦布时期的印度雕塑风格，创作了第一尊母子雕像。从此，母子二人的形象以各种姿态反复出现在摩尔的雕塑中，成为他一生的母题。

从新石器时代开始，母子结合成为人类艺术的对象，这是一个永恒而崇高的爱情主题。在基督教传统中，一张没有具体名字的母子照片通常可以被解释为“圣母子”的形象。事实上，在1943-1944年，摩尔受邀为英国北安普敦郡的圣玛窦教堂创作了一尊名副其实的圣母子雕像，让摩尔系列母子雕像所表达的母爱变得神圣。1926年，摩尔受墨西哥玛雅文化中托尔泰克神庙入口处一座名为“ChacMool”的雕像的启发，创作了石像《躺卧画像》。从此，这个人物成为摩尔整个艺术创作过程中的又一个代表人物。事实上，在欧洲艺术史上，从古希腊开始，就有很多男女双方的卧姿雕塑，尤其是在绘画方面。这个手势堪称欧洲艺术中的经典造型，摩尔以这个形象为支撑，表达各种含义，探索雕塑语言，研究各种材料的属性。几乎可以说摩尔之后的很多作品都属于这部作品的变奏。除了作品的道德表达，摩尔从一开始学习就非常重视适合自己思想的题材、材料和技巧。就像现代画坛流行的口头禅——“画什么不重要，怎么画才是最重要的”。

作为现代雕塑家，摩尔的艺术理念也与现代主义运动的大趋势并驾齐驱。和现代雕塑先驱Broncusi、Alkico等一样，摩尔在早期创作中也采用了“直接雕刻法”。事实上，摩尔对原始雕塑的兴趣主要归功于其材料与形式完美结合的魅力。1941年，摩尔在一篇文章中写道:“当我发现墨西哥雕塑时，在我看来，它既恰当又正确。？它有一种石头的感觉——我的意思是:它适合材料，它有巨大的力量而又不损害它的敏感性，它在造型的创造上有多种多样的图案和强大的繁殖力，这些我认为是任何时候的雕塑都无法超越的。”除了石雕，摩尔早期作品中还有多种木雕。这些“直刻”创作的石雕、木雕虽然体积不大，但都有一种内在的力量，既表达了各种象征性的意象，又充分发挥了各种材料的固有特性。摩尔是超现实主义的同时代人，他的艺术风格受到超现实主义的影响，是因为他在20世纪20年代和30年代多次去巴黎，与超现实主义者有过接触。摩尔参与建立了“英国超现实主义集团”，并作为组委会成员参加了65438年至0936年在伦敦举行的“国际超现实主义展览”。毋庸置疑，超现实主义给了摩尔有益的营养，对其个性化风格的形成起到了巨大的催化作用，但将摩尔归入超现实主义阵营是不恰当的。

事实上，超现实主义艺术的非理性、疯狂和错位的造型处理及其对潜意识死亡的邪恶结构的揭示一直为摩尔所拒绝。归根结底，摩尔只是采用了超现实主义的抽象变形手法，他想表达的永远是一种对生活的温柔情意。他是最成功、最完美的运用孔技术的雕塑家。20世纪30年代是摩尔进行各种探索并使其艺术和思想走向成熟并开始获得声望的时期。1932年，摩尔在他的肖像雕塑中首次使用了钻孔的形式。虽然在肖像上打洞并不是摩尔的首创，但在西方现代雕塑史上，在他之前和之后都有阿尔基科、利普奇、杜尚的一维永、扎德金等雕塑家使用过打洞技术，但摩尔是最成功、最完美的使用这种具有超现实意义的技术的雕塑家。孔洞的使用打破了“雕塑是被空间包围的实体”的固有观念，通过对雕塑亨利·摩尔的介绍，让空间贯穿其中，让空间成为实体的一部分，让雕塑与空间融为一体。摩尔本人声称，人体上的孔洞具有神秘的力量。“太空的神秘，和那些山背、悬崖上有着不可思议力量的洞穴是一样的。”按照神学家的说法，这幅有洞的画像还有另一层深意。神学家认为“上帝是人类完整性的唯一保证”，摩尔那幅有洞的残缺画像是“上帝死后”人类生活的写照。

从空虚的角度来看，摩尔的人体雕塑和毕加索支离破碎的人体绘画在精神意义上是一模一样的。无论如何，这个洞已经成为了摩尔的商标，这是他的雕塑具有一种奇特魅力的重要因素。环境雕塑的成功实践奠定了他的至高地位。从1935开始，摩尔有意识地将自然风光和雕塑作为一个整体来构思，并致力于环境雕塑的探索。让雕塑从一个架子到另一个架子，从人工空间到自然环境，这是摩尔最伟大的创造。正是由于环境雕塑的成功实践，摩尔奠定了他在现代雕塑中的至高地位。摩尔不仅考虑雕塑造型与环境的和谐，包括山坡、田野、森林和建筑，还将水、天空、蓝天和白云作为作品的组成部分。他置身于大自然中的斜倚人体，不仅外形与山川沟壑相似，更有重如山的气势和力量。不仅如此，摩尔还在他的雕塑作品中引入了色彩，也就是说，摩尔的雕塑作品是有颜色的。他考虑了阳光的存在及其方向。那些抛光的青铜雕塑在阳光下闪闪发光。亨利·摩尔简介，特别是在《秋林》和《原野》中，森林被完全染色，产生了一种强烈而动人的美。为了达到与环境颜色的和谐，摩尔还使用化学腐蚀剂给他放在常青森林中的一些雕像涂上一层绿锈。

他的白色、红色和绿色大理石雕像的质量和颜色也与当地条件和周围环境相协调。摩尔说，“对我来说，一个作品首先要有自己的生动性。我不是指生命活力的反映，也不是指运动、身体活动、跳跃、舞蹈等的活力。，而是一个作品应该有内在的能量和自己的强大的生命力，不从属于它再现的对象。”摩尔致力于抽象建模，却始终与几何抽象保持距离。他追求的是一种有机的生物抽象。除了人体，摩尔喜欢从骨骼、贝壳、树根、椭圆形等生物体中寻找抽象建模的依据。所以，无论多么接近抽象，他的作品都远比一些更具体的作品更有力地展现了一个动物的生命力。放置在蓝天白云下的摩尔雕塑，就像是从大地中生长出来的生物，充满了与整个大自然息息相关的生命气息。纵观摩尔的一生，他从未偏离过对生命的关注。通过那些充满生命力的象征形式，摩尔写下了关于人类和自然的无尽颂歌。雕塑名称:卧姿雕像雕塑名称:立式雕像雕塑名称:立式权力雕塑名称:母子坐像雕塑名称:大纺锤雕塑名称:卧姿雕像