外国古典服装插画——当代最火的时尚插画师！是怎么做出来的？
波普风格的插画艺术出现并流行于20_ Lan50 _ Nafen，主要是通过商业艺术的创作手法，形成了一种全新的集大众文化与商业艺术于一体的艺术风格，同时波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画、幽默的标语等都是波普风格所独有的，波普风格非常具有艺术性[3]。安迪·沃霍尔(Andy warhol)是在服装设计领域为波普风格的发展做出贡献的最杰出的人物之一。他开创性地首次使用纸张、塑料和人造革作为服装制作的基本材料，他的插画作品蕴含着颠覆性的设计思想，其特点是色彩鲜艳、设计思路前卫、选色大胆。直到今天，波普风格的插图仍然保留了许多与安迪·沃霍尔的相似之处。
2.抽象风格
抽象风格的作品一般以几何点、线、面、圆、三角形、正方形为基础进行深度创作，在创作风格上具有典型的抽象特征。蒙德里安是抽象风格作品中比较成功的早期人物之一，他的抽象风格创作风格独特，注重使用各种矩形图案作为插画内容，这种插画艺术形式对抽象风格影响深远。以法国著名服装设计师创作的具有抽象风格的作品《红黄蓝》为例。这幅作品的灵感来源于蒙德里安的抽象风格，选用线条、三角形、长方形等各种颜色，给观众带来独特的艺术欣赏体验，赋予作品强烈的视觉冲击感和新鲜感。
3.比喻风格
具象风格不同于上述两种风格，其图形特征一般是写实的、写实的。再者，具象风格作品对线条的表现相对直接，可以进行概括、夸张、变形进行装饰，从而提高作品的色彩感，突出作品的简洁、精致。以意大利著名服装设计师缪西娅·普拉达为例，她曾经拥有在服装设计创作中直接使用插图的能力，她可以在服装设计作品中填充插图，她的作品注重精心塑造人物，突出作品的色彩和华丽感[4]。另外，具象风格中的线条比较优雅，能给观众梦幻般的心理体验，特别是在服装设计中，能有效提高设计作品的精致度，给人灵动的美感。
当代最热门的时尚插画师！是怎么做出来的？他是最炙手可热的插图画家。
也是时尚最好的代言人。
大卫唐顿，大卫唐顿，
1959出生于伦敦。
从小到大，
对他来说最好的款待就是一张大白纸。
然而
大卫没想到的是，
时间长了，他就可以靠画画谋生了。
▲大卫·唐顿年轻的时候在画画。
▲画室是自己的画，不亚于毕加索的画室。
▲你可以在一个“有趣且有知识性”的工作台上创作出令人惊叹的作品。
大卫最初学习平面设计，
他的第一部作品是在20世纪80年代初。
计算机杂志的封面。
▲大卫·唐顿在纽约的1998时尚插画。由墨水和醋酸纤维素纸制成。
▲大卫·唐顿为克里斯汀·拉克鲁瓦(Christine Lacroix)拍摄的1998时尚插画，采用墨色盒纸。
有15年，
大卫是一名自由职业的插图画家。
不管发生什么，
他喜欢自由插画师的生活。
▲大卫·唐顿为让·保罗jean paul gaultier设计的时装的1999插画。黑色连衣裙搭配黑色墨镜更出彩。大卫以凯特·莫斯为原型，以流行风格展现时尚的经典魅力。该作品在时尚界颇有名气，是近年来时尚插画领域最具代表性的作品之一。
▲大卫·唐顿为华伦天奴拍摄的1999时装插画。与拉克鲁瓦、埃里克等人相似，他的色彩充满了现代感。
▲大卫·唐顿1999伦敦时尚插画PalomaPicasso。材料是水粉、墨水盒纸和醋酸纤维纸涂层。
▲大卫·唐顿1999在伦敦完成剪纸瓶贴，以伊曼为模特。潘通纸上涂有醋酸纤维纸，然后涂上墨水。
大卫的作品线条简洁流畅。
很有质感，风格也不做作。
能很好的展现人体的优美姿态。
因为这种独特的绘画风格，
有人开始邀请他做时尚插画。
其中，它包括
卡门·戴尔·奥利菲斯，一个85岁的神话，
她也是大卫的缪斯之一。
▲大卫·唐顿2000年在纽约的时装插画，模特是卡门·戴尔·俄耳甫斯(Carmen Dale Orpheus)，设计师是蒂耶里穆格勒(ThierryMugler)。这幅画首先用油画棒画在潘通纸上，用醋酸纤维素纸覆盖，然后用墨水画。
▲大卫·唐顿2001为欧洲某著名时尚杂志主编安娜·佩吉画像。他成功俘获了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色，俏皮的表情，桀骜不驯的态度，结合看似狂野却非常纯熟的笔触~完美！
▲大卫·唐顿在2002年为香奈儿的设计总监阿曼达·哈里特画了一幅肖像。
他一直对拉克鲁瓦，安东尼奥，
艾瑞克，这些艺术家很崇拜你。
因此，
早期绘画风格中的色彩和线条有相似之处。
他为杂志制作高级时装展览的插图。
从65438年到0997年，他开始活跃在巴黎高级时装秀上。
一开始，他眼花缭乱，完全没有准备。
但是，
巴黎时装秀真的是，
激发艺术家的灵感。
巴黎有最漂亮的女人和最好的设计作品。
这里的一切都很迷人。
当模特走猫步时，
大卫从不画画。
因为他发现这是不可能的，
他只是拍照或者看手表，
真正感受每一个感动的瞬间。
他抓住任何其他机会画画，
模特一动不动的任何时刻都逃不过他的眼睛。
例如，在装配过程中，
有时候甚至在发布会上模特休息的时候。...
▲化妆品也是他的工具。是笔与笔之间的缠绵，两种色调都适合。
大卫说:“当我刚开始画画的时候，我认为根据舞台上的走秀还原衣服本身是我的责任。”但是，我第一次参加时装秀是在范思哲的秀场上。凯特·莫斯失踪前，我只画了她的手臂！所以，欣赏当前车型所展示的任何细节都是最好的选择。"
▲选秀也在动。
大卫认为最重要的是衣服下身体的感觉。
然后就是比例、颜色等一些细节。
然而，这更难做到。
▲选秀也在动。
大卫画了无数设计草图，
然后选择最好的，
画的差不多了，他就开始淘汰。
“分解-重构”它们。
他继续画画，
直到它们看起来自然。
他是全世界著名的媒体。
比如《泰晤士报》和《独立报》，
以及《哈珀·本雅明》(澳大利亚版)等。
写关于时尚的报道。
并在伦敦举办了三次个展。
他还在纽约举办了个展。
近年来，
他还为香港的购物中心设计视觉形象。
为《Vogue》女性时装系列画插图。
▲2004年大卫·唐顿为《周六晚邮报》画封面。这件作品创作于巴黎，由水粉、水彩和纸制成。
▲2004年9月大卫·唐顿为Topshop的时装秀设计的广告海报。这个品牌是年轻设计师的作品。
▲大卫·唐顿2005年受《Vogue》(中国版)委托，担任ValentionFitting的插画。由墨水、水粉和纸、醋酸纤维纸制成。
▲大卫·唐顿2006年为YSL拍摄的时装插画。材料是墨水、水彩和纸。
▲大卫·唐顿2006年为YSL画的时尚插画，由墨水、水粉、炭笔和纸组成。
▲大卫·唐顿是2007年《夫人》杂志(德国版)委托拍摄的时尚插画。这幅画先用油画棒画在纸上，用醋酸纤维素纸覆盖，再用墨水和水粉画出来。
▲大卫·唐顿的插图是2007年伦敦《泰晤士报》委托制作的。材料是墨水、水粉和纸。
▲大卫·唐顿在2008年为他的杂志《PourquoiPas》画了一幅插图。模特是Tita Wantis，服装由Lacroix设计。材料为墨水、水粉和纸，醋酸纤维纸上覆有薄膜。
大卫是不是把性感舞者画的很传神~
要努力，铁杵磨成针~
想要拥有超越别人的能力，
一定能练到极致！
请简述西方服装绘画的历史、发展和演变特征，并按演变历史的顺序分析欧美服装的文化特征如下:
一、拜占庭艺术风格和服装
由于罗马帝国的东移，拜占庭艺术有了融合东西方艺术形式的机会。
在艺术成就上，此时强调的是嵌贴艺术，追求装饰的多彩多变。
同样，这个特点也体现在服装上。
比如男女宫廷服饰的斗篷、帽子、鞋子上有充满华丽图案的镶嵌、耀眼的珠宝和刺绣。
这些情况都不同于同时期欧洲的服饰，创造了一种融合东西方，充满华丽感的服装装饰美。
二、国际哥特式艺术风格与服装
“哥特式”最初是指起源于20世纪的一种建筑风格，这种风格很快影响了整个欧洲，并反映在绘画、雕塑和装饰艺术中，形成了一种被称为国际哥特式风格的艺术形式。
这种风格主要表现在建筑上的“锐角三角形”，也深深影响了当时的服饰审美和服饰创作。
比如在男女服装的整体轮廓上，在衣服的袖子上，在鞋子的造型上，在帽子的款式上，等等，都完全呈现出锐角三角形的形式。
第三，巴洛克艺术风格和服装
巴洛克艺术风格原本是指17世纪炫耀财富和大量使用贵重材料的建筑风格，这也影响了当时艺术的全面变化。
“巴洛克”的意思来自葡萄牙语，意为“畸形的珍珠”，也被引用为偏离规范的形容词。
巴洛克虽然继承了矫揉造作，但也消除了矫揉造作的模棱两可和松散的形式。
由于巴洛克艺术风格的影响，在西方服装史上，甚至用“巴洛克风格”一词来代表17世纪的欧洲服装风格。
四。洛可可艺术风格和服装
“洛可可”一词源于法语单词“Rocaille”，并由此演变而来。意思是类似岩石的装饰，基本上是一种强调C型漩涡花纹和反向曲线的装饰风格。
这种风格源于1715年法国路易十四死后的一次艺术反叛。
洛可可艺术风格与巴洛克艺术风格最显著的区别是，洛可可艺术倾向于精致、典雅和装饰性。
这个特点当然影响了当时的服装，甚至“洛可可”这个词代表了法国大革命前18世纪的服装风格。
五、新古典主义艺术风格与服装
新古典主义艺术风格兴起于18世纪中期，其精神是对巴洛克和洛可可艺术风格的强烈反叛。
主要是试图还原古希腊罗马极力追求的“庄重宁静感”的主题和形式，并将其融入理性主义美学。
这种强调自然、优雅、克制的艺术风格，结合古希腊、罗马的主题形式，发展了服装，紧接着法国大革命，成为服装风格的代表。
尤其是女装。
比如把华丽夸张的服装款式换成自然简约的款式；再比如消除拘束、不自然的“裙撑”，等等。
所以从1790到1820，追求优雅自然的美，在服装史上被称为“新古典主义风格”。
第六，拉斐尔前派的艺术风格和服装
“前拉斐尔艺术风格”起源于19世纪中叶的英国，其艺术精神主要是追求一种自然但浪漫的表达方式
这种艺术风格是对冷酷生硬的艺术的反驳。
他痛斥“人与自然的疏离感”，希望通过艺术将“人化”、“自然化”、“理想美”的特征结合起来。
因此，当时的服装被称为“理性审美风格”服装。
这种服装风格与当时的“维多利亚风格”极为对立，成为追求服装改革的英国社会的代表风格。
七、20世纪初苏联艺术风格与服装。
20世纪初苏联的艺术风格是指“绝对主义”、“构成主义”和“塔特林学派”的艺术思想。这些艺术风格都源于20世纪初的10，由苏联艺术家指导。
受现代主义的影响，这些艺术家在几何抽象艺术中表现出来。
这种艺术风格也深刻影响了当时的服装，尤其是当时的苏联。“几何抽象的艺术风格”和“充满强烈的政治意味”相互结合，表现在服装的款式和面料的设计上，形成了服装特殊的审美特征。
八、超现实艺术风格与服装
超现实主义艺术风格起源于20世纪20年代的法国，在弗洛伊德的精神分析学和潜意识心理学的影响下得到发展。
超现实主义艺术家崇尚“精神的自动性”，主张不接受任何逻辑约束，不自然而合理的存在，梦想与现实的混淆，甚至是矛盾与冲突的结合。
这种富有想象力的模式深深地影响了服装领域，并导致了一种前所未有的强调创意的设计理念。
九、波普艺术风格与服装
这种艺术风格起源于50年代初的美国，但真正兴盛于50年代中期的美国。
“POP”是“Popular”的缩写，意为“流行”。
至于“波普艺术”，指的是一种“大众化”、“廉价化”、“量产化”、“年轻化”、“趣味化”、“商业化”、“瞬间化”、“瞬间化”的艺术风格。
这种艺术风格影响了服装领域，体现在服装面料和图案的创新上，改变了以往服装装饰图案的特点，在欧洲服装史上留下了深刻的印象。
X.欧泊的艺术风格与服装
Op的艺术风格起源于20世纪60年代的欧美。
“OP”是“Optical”的缩写，意为视觉光学。
“Op艺术”是指通过人的视错觉绘制的绘画艺术。
因此，“蛋白石艺术”也被称为“视觉效果艺术”或“光效艺术”。
服装在Op艺术的影响下，按照一定的规律形成运动的视觉感，Op艺术的视觉感是服装图案设计中最大的特点。
XI。极端的艺术风格和服装
极端主义的艺术风格起源于20世纪60年代的美国，它强调一种“理性、冷酷、简单”的艺术风格。
这种强调“简约、朴素”的理念逐渐成为90年代美国时尚界追求的代表性服装风格。
极端艺术风格影响下的服装以简约的设计理念影响了国际流行趋势，成为20世纪末具有代表性的服装风格变化。