现代艺术的发展历史和趋势
西方现代艺术可以看作是一座建筑。由各种视觉风格组成，建造这个建筑的原则是科学合理。这是西方几百年的思想文化核心，也是我们这里所缺乏的。西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得了突飞猛进的进步；然而，它也带来了局限性，这是生命活力的一部分。比如大自然的吸引，对男人女人都是不可或缺的。如果只从职位、收入、家庭地位的角度考虑和计算，我们会有一个理性的态度，但是感情会受到影响。所以，凡是涉及到人类情感和精神的地方，都不能只听科学。
现代艺术的创作离不开科学思想，结构主义与立体主义，工业技术思想与未来主义，de stijl，机械制造形式与达达主义的机械素描绘画，弗洛伊德的释梦理论与超现实主义，以及理性手段的非理性抽象表现主义等。，这一切都是科学和艺术共同努力的结果，人们把艺术创作当作一种常规的创作过程，让艺术家画出图纸，工厂据此生产。当时很多艺术家从事各种工业和材料实验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源。以下艺术活动可以说明当时的情况:
(1) OPArt是基于光学知识的心理学实验艺术。创作者通过精确校正的颜色和几何图形创造出动态的光线和色彩效果，代表艺术家有Bridgei Riley和Vasa-relev。
(2)很少艺术(ninlallsn 1)的特点是艺术作品的工业化生产和对数学准确性的追求。代表人物是唐纳德·贾德，他的作品通常是同一单元的重复。
(3)“动能艺术”，很多代表人物，如瑞士人让·蒂蒂安(Jean Tit-ian)，做了一个变体画机，为第一届巴黎双年展做了一个“有香有声的变体车”；Len Iye用微妙的平衡做出了动人的雕塑等等。
(4)光雕塑(Lighi Ari)是雕塑的另一个发展方向，其形式类似于霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家丹·弗莱文。
(5)1966年，纽约军械库举办了“艺术与工程”实验展，展出了许多用高科技手段设计的艺术作品，并由此促进了艺术家与科技工作者的密切合作。随后，成立了‘艺术与技术实验’组织，参与者达3000人。
还有更多类似的活动，在世界各地频繁出现，形成一种潮流。比如纽约现代艺术博物馆有“机械”的展览，惠特尼艺术博物馆有“光”的展览，伦敦有“机械的力量”的展览，洛杉矶有“工业”的展览。科学技术的力量已经从中介艺术发展到主导艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成就的同时，也把自己送上了不归路。
以下艺术家是1960s艺术与工业结合的代表:
(1) Barnetr-man是一位抽象的彩色表面画家，他以几乎重复的方式制作了一个单一的色块。
(2)大卫·西蒂斯(1906 ~ 65)，金属雕塑家，早年在一家军用坦克厂做焊工，后来发展出一种钢铁雕塑，为观众提供了其机械性的品质，没有实用功能。
(3)画家Franckenthaler (1928-)，他将行为艺术与色彩抽象相结合，重新利用抽象表现主义资源，将艺术变成了一些物理信息的表达。(4)黑条纹画家李塔拉(Frank:tLixlla，1936-)用铜和铝来探索画布的不同形状。
二、现代艺术的性质有学者把西方艺术的历史概括为三个阶段，即前现代性、现代……后现代性。在这种分期法中，一切艺术都是围绕着“现代性”来确定的，“现代性”成了划分历史的坐标。这种分期方法简单易记，我们不妨好好珍惜。
在一篇关于日本后现代文化的文章中，居住在美国的日本文学理论家直树(NaOki SakiIJi)说:“前现代性、现代和后现代的序列隐含着一个时间序列，我们必须记住，这个序列一直与现代世界的地缘政治结构相结合。现在众所周知。这种秩序基本上是19世纪的历史框架，通过它人们可以了解民族、文化、传统和种族在这一体系中的地位。”历史阶段的划分不是单纯的时间上的，而是和空间交织在一起的。这意味着在同一时间，不同的地区可能处于不同的文明阶段；比如19世纪，中国是封建帝制，西方早已进入资本主义。所以有人说，所有的当代艺术都是当代艺术:这是错误的。现在我们国家展上出现的很多艺术作品都不具备当代艺术的特征，甚至不具备现代艺术的特征，这是东西方地域差异的结果。
无论是“前现代性”还是“后现代性”，都有可能在与“现代性”比较后产生见解。搞清楚什么是“现代性”，是这种比较的前提。我们可以从两个角度观察“现代艺术”转变的原因。
一个是风格和形式的角度，这是一个量的概念。理论上，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这是很多的，超过以往任何一个时代数倍，也是中国现有艺术形式和风格的总和无法比拟的。
另一个是价值观的角度。所谓价值，就是什么好什么不好的标准。价值是一个非常重要的定性概念。不同的值导致不同的评价结果。比如你用明清文人的价值观看今天的中国画，你会觉得今天不如以前。
从定量的角度看现代艺术，会发现西方艺术家在短短半个多世纪的时间里，在很多方面都付出了巨大的努力。全方位探索的精神，实践了艺术形式(架上艺术)转化的各种可能性，甚至留给后人探索的空间很小。革命成功了，同志们也不用辛苦了，后来的艺术家只好另辟蹊径。
从价值的角度看现代艺术，会发现它基本上属于精英文化的范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑与庶民为伍。这个概念从本质上来说是历史上贵族文化的衍生品，但是社会变了，精神贵族失去了世袭领地，不得不去世界上打拼。
具体来说，现代艺术的价值观表现在以下几个方面:
(1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式元素，忽略了其他因素，如历史、宗教、文学的引入，从而推动了抽象艺术的发展，总的来说，追求纯粹的精英主义、专家思想有局限性，相当于把地面画成监狱。
(2)提倡原创，就是把体育比赛的标准运用到艺术上，把艺术创作当成艺术史上破纪录的比赛，但体育是优胜劣汰，艺术不是这样，艺术的发展不是进步，而是变化。比如你不能因为有毕加索就说伦勃朗不好。
(3)重视形式并不是现代艺术特有的习惯，古典艺术也非常注重形式感，但古典艺术的形式服从于内容的表达，或者说形式隐藏在形象的背后，而现代艺术则是为了形式而重视形式，赋予形式独立的价值和功能。
(4)被称为自我中心主义。现代艺术家往往关起门来表达自己，不考虑观众，往往通过奇怪的行为和奇怪的穿着来表现自己的与众不同，因此他们的作品非常个性化，难以理解，这有助于艺术评论家获得解释这类作品的特权。
(5)整体单调。这意味着在现代艺术流行时期，所有非现代作品，如传统写实作品、具有民族和地域特色的作品以及来自不发达国家的作品都被排斥在外，使得全世界的艺术家都使用“跨界语言”，从而造成一定程度的全球艺术语言贫困。
从以上几个方面可以理解，自然有反对的力量。
三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量并不是在1960年代出现的。
就在科技的力量席卷一切，精英和纯粹的艺术已经山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了。这些活动与当时的潮流大相径庭，使得西方艺术出现转机，打开了新局面。以下是当时几项新的艺术活动:
(1) LandArt (Landart或大地艺术)可以看作是室内安装作品向室外发展的结果。最早的风格可以追溯到古埃及的金字塔和英国柊司的圆形石柱，美洲广袤的土地为当代艺术家提供了施展才华的舞台。以沙漠、山脉和草原为原始材料，修整或附加巨大的几何形体是地球艺术的早期特征，最著名的作品是罗伯特·史密森的《螺旋防波堤》。这个大坝有65，438+05英尺宽，观众可以沿着它走好几圈，但没有实际功能。
(2)装置是一种非艺术的木质材料。可以在室内短期展示的立体展品，极少数也会被博物馆收藏，是一种布置展品的方式，而不是艺术特色或风格，所以可以服务于很多艺术学校。最初的装置来自于对传统雕塑材料的丢弃，它的主要定义是:“(1)它们是组装的，而不是绘画的。描述、塑造或雕刻；(2)其组成部分全部或部分是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，非艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国达达主义艺术家Kllrt schw-Itter，他在1920年代用各种材料填满了自己的房子。
(3) BodV艺术，是指创作者以自己的身体为艺术表现的材料，结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。一种非戏剧性的表演艺术，“非戏剧性”是指没有虚构、表演和做作。比如Barry Lewa的作品，就是在相隔十几米的两堵墙之间奔跑，直到筋疲力尽。另一个Vito Acconci以前是个诗人，有被心理虐待的倾向。比如他试着咬自己身体能咬的部位，直到咬出痕迹才停下来。他还当众自慰，竖起扩音器传播声音，迫使大众成为“偷窥狂”，企图突破社会禁忌。另一个是克里斯·伯顿。另一个著名的作品《射击》是让他的朋友从匕首外侧射中他的左臂。这种令人震惊的技术立即使他获得了世界声誉。
(4)观念艺术(ConceptuaI Art)，起源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没有神圣和持久的价值，其本质是思想或概念，物理形式的具体作品并不重要，所以也称为观念艺术(Ideaart)、后物体艺术或去物化艺术观念艺术家探询艺术与思想或艺术与知识的关系。这个探究的终点是写作，数学或者美学和哲学。从理论上讲，这类作品其实并不是用来观赏的，传统的展览形式并不适用。但表现内心思想，避免外在形式，还是一个长期的问题。那些被视为观念艺术的作品，多是美术馆等公共场所的临时装置，比如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物。一个例子是一个巨大的鸟笼，里面有一些活鸟和其他物体，另一个概念艺术群体是从事论文写作的人。代表人物有约瑟夫·科苏特、梅·博奇纳、汉内·达博芬等。
(5)过程艺术(Process art)，认为艺术的生产过程比事先的构思更重要，体验时间的流逝不如观看静止持久的物体，试图表达稍纵即逝的存在。这类艺术多采用容易反映时间变化的软性材料。最初的来源是波洛克和德库宁在创作中偶然溅起的颜料，创作过程多是作者对展示材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯。他的作品之一就是在展厅里堆放一些毫无价值的混合材料。他每天改变这些材料的放置状态，并在展览结束时将它们放好。
随着上述活动，此后西方艺术出现了两种截然相反的发展趋势。一种是纯艺术，即保持艺术的独立性，以区别于其他事物。在纯艺术中，什么是绘画，什么是雕塑，已经有了明确的定性定义，另一个趋势是混淆了艺术与非艺术的界限，尤其是艺术与生活的区别。前一种艺术所谓的“纯粹”，正是后一种艺术试图排斥的。拒绝的理由是，艺术的本质是激发创造力，人为划分艺术范围是对创造力的束缚。艺术与生活融为一体，艺术创造力才能得到最广泛的体现。
新的艺术思想迅速传播开来。四川年前后，美国的艺术杂志不再充斥着塑钢和几何图形。自然材料、行动过程、环境和受众的引入、语义分析和摄影记录逐渐成为艺术媒体的主要报道。至此，现代艺术的观念、方法和形式都发生了很大的变化，人们谈论的后现代艺术也就在这个时候开始了。从此，艺人的更迭不是军事交接。接下来的会议将形成完全相反的局面。所谓新与旧，结局与开场往往是并存的，只是为了叙述方便，讨论者习惯于将纠缠在一起的事实分开。正因为如此，我们经常看到学者们对很多所谓流派运动的开始有很多看法。本文讨论后现代艺术，是因为我们要刻意寻找时间的顺序，不可能同时兼顾空间的分割，这一点读者要注意。
导致西方现代艺术在1960年代没有转型的原因是多方面的，一般认为与以下社会背景有关:
(1)美国在越南战争中的失败导致反战情绪高涨。再加上冰冷的国际环境，凌人对人类社会和现实生活不抱太大希望，进一步开始鄙视现有的人类生活标准。在文化领域有反对主流、否定永恒价值的倾向。
(2)如何利用产业发展的虎钳。工业的进步向人类社会展示了一个光明的未来，但副作用也越来越明显，如环境污染、能源短缺、有毒废物和核武器的危险。凌人意识到科学技术在解决一些问题的同时也带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊，对科学方法产生了怀疑。
(3)社会问题突出。丰富的物质生活解决不了精神问题，战后出现了“垮掉的一代”。65438年至0968年，欧美出现学生运动热潮。
(4)新思想的出现。许多欧洲哲学家对当代文化提出了新的看法，对艺术界产生了影响。这些哲学家包括罗兰·巴特、福柯、德里达、拉康、利奥塔等。他们对现有的社会动摇理论提出了质疑，这种理论与各种文化形式有关，并导致人们怀疑任何单一的理论框架和最终判断。在艺术领域，他们重新肯定了具体性的价值，导致了与形而上的现代艺术追求的分离。
除了上述外部因素，过度的理性和科技才是艺术方向转变的内在原因。要知道人类的精神世界和自然生态一样，是多变的，平衡的。如果其中一个囚徒过度发展，就会有相反的力量去克服它。如果科学大部分介入艺术，就会有反科学的势力。
四。后现代艺术价值观20世纪80年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经成为一种新的世界性艺术潮流。综合这些艺术现象，我们可以清晰地感知到，现在新的价值观正在成长，主要表现在以下几个方面:
(1)不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式、语言、音乐戏剧、大众传媒。数字视频，声光电气化，只要能传达特定信息的，都有。绘画超越平面限制，雕塑构建景观和建筑，展览场地也不局限于画廊和博物馆。在当代西方，所谓的视觉艺术已经和其他种类的艺术难以区分。
(2)良好的服务传统。人类有丰富的传统文化资源，抛弃它们是很可惜的。当代艺术家并不反对传统，而是用过去来更新自己。时间和环境变化后，旧的符号可能会有新的含义，比如分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。总是这样。
(3)非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到j世纪中期，“个人表达”并不是创作和爆发的主要目标。后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活。艺术家以天下为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是一个古怪的人物。
(4)多种标准，“多样性”是当代艺术的核心理念，虽然世界上仍有主流的艺术潮流，但不再以统一的标准来评判，比如承认不同国家、民族、地区的艺术价值，女性艺术，土著艺术，不发达国家的艺术。但也有复杂混乱的情况，难以系统化。
基于以上讨论，或许我们可以对后现代艺术有一个粗浅的认识:它源于对现代艺术的反叛，发展了新的表达思想和传递信息的方法，改变了观念和技术，它所代表的大众意识、多元价值观和自由创造精神，反映了西方当代文化的发展趋势。然而，由于地域、文化和体制的差异，中国艺术界无法在短时间内整体融入这场全球性的艺术运动。
动词 （verb的缩写）杜尚的灵感说到西方后现代艺术的话题，就不能不提到法国画家马塞迪·杜-尚被形容为西方后现代艺术之父，了解他的艺术和生活对理解西方后现代艺术的许多奇妙现象有很大的帮助，但理解杜尚是个难题)，因为他的作品和生活离普通人太远了；很难解释。
尽管杜尚的艺术实践结束于公元1930年，并于公元1968年逝世，但他在干旱时期短暂的艺术活动对后世产生了持久的影响。1913年，他完成了第一个现成的艺术作品《自行车轮》，以表达他对传统作品中结构的蔑视。这也暗示了艺术创作中最重要的因素是观念而不是制作技巧。《巧克力研磨机8号》几乎是杜尚最后一件上架的作品，是对学院派油画的嘲讽。杜尚1915后定居纽约，1917年春天完成作为小便器；另一个作品是L.II.O.O.Q (1919)，是在版画《蒙娜丽莎》上加上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》，又名《新娘被她男人剥光衣服》。这部作品从1915开始制作，直到1923仍然没有完成。192O之后，杜尚对光学和电影的兴趣与日俱增，到了四川时代之后，他又将兴趣转向了象棋。
杜尚最重要的贡献是“现成”的艺术，虽然从世俗的角度来看，把现成的工业品或其他物品放在艺术展上是荒谬的，但事实上，它改变了人类对艺术乃至世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成商品”的影响无处不在，它从以下几个方面启发人们:
形式和美感并不重要。自古以来，艺术家们就以创造美的形式为天职，并赋予这种作品以崇高的地位和价值。但是，杜尚认为美是不存在的，艺术和创造艺术的人没有什么特别崇高的，他告诉人们，普通的物体和艺术作品没有区别，水果艺术是美的；普通的商品也很漂亮。如果普通商品不美观，艺术品也好不到哪里去。所谓艺术的审美价值，不过是人们的偏见。他把尿壶送去展览，对打破这种偏见起到了很大的作用。
(2)环境和时间比作品更重要，成品实现为艺术品的决定性因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明在一定条件下。任何事物甚至行为都可以是艺术；另一方面，当条件发生变化，任何事情甚至行为都不可能是艺术，按照中国的话来说，这个是对的，那个是错的。因为环境和时间总是在变化的，文艺复兴时期的经典《蒙娜丽莎》可以画到20世纪，成为一个笑话。在美术馆里放轮子和凳子，相当于一个结构主义的雕塑。
(3)让艺术回到一种自发的、自然的状态。人类最初的艺术活动是自发的、自然的，不需要特殊的训练，艺术家和非艺术家没有区别。但是后来有了分工，艺术成了一个特殊的工作，于是就有了一个关于艺术的特殊标准，显然这个分工和标准是以前体制的产物。阻碍人性的健全发展。在不断变化的社会条件下，将这些现有标准视为最高法律是不合理的。而“现成艺术”就是完全无视现有的艺术标准甚至文化标准，用一种看似滑稽实则深刻的思想来嘲讽人类在文化领域的拘谨和手艺，从而呼唤一个充满自由和创造精神的新时代的到来。
(4)叫做解除技术的限制。人们早已习惯于把艺术创作当作一种专门的技术操作，所以有美院，有专业画家。“现成”的艺术与作者个人的技术无关，只需要一种选择的眼光，而选择是一种思维过程，与物质产品的生产技术无关。杜尚告诉这里的人们，艺术的价值在于思想。有了思想，任何物质产品都可以成为艺术作品，这种将艺术等同于思想的方法，客观上取消了传统的艺术学科，隐含着艺术和艺术史即将终结的理论判断。
美国画家德·库尼希说:“杜尚自己发起了一场运动——这是一场真正的现代运动，它隐含着一切:每一个艺术家都能从他那里获得灵感”，这似乎是一个“现成的产品”，轻易地扭转了西方艺术的发展方向，是杜尚留给后人的先锋形象。在杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和标准，以无拘无束的自由精神作为艺术创作的目标，已经成为西方艺术界的共识。