中国古代的画家为什么不追求“画得像”？他们的绘画理念是什么？

古代画家改写神，现代画家改写形。读名画会发现画中的人物非常逼真。虽然身体比例有所夸张或变化，但魅力胜于写实。首先，古代人非常仔细地看着它，花了很多时间思考它，然后在思考后制作它。他们的作品有魅力。“素描”是一个外来词，原本是西洋画的一种书写方法。它的引入有近代西学东渐的背景，是对当时脱离生活、脱离自然成就、盲目抄古的山水画八股的一种纠正。新文化运动的发起人蔡元培明确指出:“从此以后，学画有两点期望，即多写生实体和持之以恒。”他进一步强调:“西方人非常重视社会科学，所以工艺美术也是从描绘实体开始的。现在是商品和文化融合的时期，我国应该选择西方的优势。

此后，素描意识被引入美术训练和教育，对以后百年的山水国画之路和意识发展趋势产生了重大影响。素描是所有美术绘画对生活素材的索取方式，是艺术家体验和认知日常生活最直接的方式。艺术来源于日常生活。以山水画为例，最能说明当代画家和古代画家反对素描的心态。当代的“素描”是各种各样的:有所作为、提高技法的素描；在收集素材草图方面有所作为；个人经历概述；还有就是素描作为一种创作技巧，难题中的素描应该主要指的是推广手法和绘画创作。作为文字的中国古代绘画中的素描毫无疑问，中国古代就有素描。

清明上河图《千里江山图》全是素描。没有素描技法怎么画好？范宽的《西游记》、的《游风》、黄泉的《珍禽速写》、顾的《韩熙载夜宴图》都是速写。只比较古代中国画写生和当代中国画写生。虽然名字一样，但意义却大不相同。国画传统的写生方法，注重客观事物本质的买卖和生气，不拘泥于客观事物的现象。那我们就来说说古代人是怎么素描的吧！古代画家虽也讲究“师法自然”，但也有“远境运笔”。然而，大多数艺术家在大山中游荡数月甚至数年，年复一年地学习和使用大山的壮丽和美丽。

寻找花草的灵性和风雨的摧残，用岁月去深刻理解风雨后的葱郁山川，去看变幻莫测的云气，不是无拘无束、无拘无束的游山所能提供的暂时快乐。赏完山色，回到小书房，用自己对山川的理解和感悟，勾勒出自己对山川的愉悦。看看现代的画家，比如李可染先生，赵的青山绿水的设计风格，都离不开李可染先生致力于大山深处的写生。暂且不讨论他的造型艺术和设计风格，只说他的书写工具。李可染先生素描的多幅铅笔画在徐州李可染艺术展上展出。注意是铅笔稿。李可染在山里用签字笔做了稿子，然后在家里写。古代的人不写生，而是四处游历，然后写写山。