19世纪欧洲油画:从天堂神话到人类真情实感意味着什么(二)？

作为法国古典画派的最后一个代表，安吉尔代表了保守的学院派，与当时新兴的浪漫画派对立，形成了尖锐的学派斗争。

泉安歌

安吉尔并不生硬地照搬古代大师的风格，而是善于把握古典艺术的造型美，并将这种古典美融入自然。他从古典美中得到了简洁朴素的风格，一直以温克尔曼的沉静伟大和崇高朴素为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰画的遗产，注重线条造型，尤其擅长肖像画。具体技法上，线条要干净，造型要扁平，所以几乎每一幅画都要力求构图严谨，色彩纯正，形象优雅。这些特点在他的一系列表现人体美的画作中尤为突出，如《喷泉》、《宫女》、《瓦的洗澡姑娘》、《哈曼》等。

1805年，安吉尔完成了《里维埃尔夫人的肖像》这幅画，这无疑是安吉尔在色彩方面的代表作之一。就连颜色也像马赛克一样和谐地组合在一起，颜色表现出一些起伏的形状，但并不诉诸阴影。用象牙白突出身体和衣服构成画面的受光部分，深蓝色的沙发构成画面的阴影部分。这两种颜色都融入了黑色背景。红色和黄色的小变化对整体效果无害。个性与简约的表达，明暗与简约——这些都是让这幅肖像有了美的味道的东西。这幅作品曾在1806的沙龙中展出，但其独特的、革命性的、哥特式的风格引来了众多评论家的愤怒。之后，安吉尔去了意大利，在那里学习了15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是将自己的风格提高到文艺复兴时期的水平，改造当时的绘画。他曾说:“艺术发展初期没有琢磨过的艺术，就其基础而言，有时比已经达到完美的艺术更美。”当时，他被中世纪艺术深深吸引。

1824年，安吉尔在巴黎开办了自己的学校，所有追求原始主义的年轻人都转向了他。他追求直白纯粹的原始风格，把宗教画作为自己喜欢的流派，对中世纪文艺复兴时期很感兴趣。他认为艺术的完美之道在于通过希腊人和拉斐尔·桑西来研究自然，注重细节的描写，主要保证线条的干净和造型的流畅。他强调纯粹的、冷漠的美，这与大卫的艺术观相反。在对待古希腊的态度上，安吉尔无疑倾注了更多的情感和热情。

安格尔声名如日中天的时候，也是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代。他与浪漫主义的新代表德拉克洛瓦有过多次争论。浪漫主义强调色彩的运用，古典主义强调轮廓的完整和构图的严谨。天使控制的美院对各种新画风嗤之以鼻，形成一种学院派风格。

安吉尔生前享有盛名，被安葬在巴黎著名的拉雪兹神父公墓。

喷泉从65438年到0830年安吉尔在意大利佛罗伦萨期间就一直在酝酿，但从未完成。安吉尔最初构思的喷泉是为了模仿意大利大师们在画维纳斯时的愿望。早在1807的时候，他就画过一些素描，但后来他并没有满足前人所画的维纳斯风格，企图简化形象。26年后，他76岁时，完成了这幅画。据说是一个助手帮他画的。例如，有人认为这幅画最初是在他的两个学生保罗·巴尔塞和亚历山大·德戈夫的帮助下完成的。

叔本华在两个世纪前写道:“一个人的外貌就像一个象形文字，可以被破译...他的外表概括了他要说的一切。”《春》表现的是一个安静优雅的女孩，有着天真无邪的女孩特有的纯洁与青春，梦想与活泼。在一股清泉的溢出下，与郁郁葱葱的背景相得益彰。就画面本身而言，春天巧妙地将古典美与女性身体美结合在一起。少女的肌肉因为安格尔优美柔和的曲线而更加吸引人，颜色也非常柔和多变。就作品的意义而言，春天没有晦涩的隐喻和人为的批判，而只是作者向往和平与宁静的艺术支撑，是作者一生追求的美的载体。一位评论家参观了喷泉，说:“这个年轻的姑娘是画家没落艺术的产物，她的美貌已经超过了所有女人。她浓缩了自己的美，她的形象更加充满活力和理想。”

安吉尔一生致力于裸体素描，只有当他面对裸体模特时，他的现实主义见解才会特别突出。他曾说:“标准的美——这是对美的模特不断观察的产物”，他也认为一幅画的表现力取决于作者丰富的素描知识，没有绝对的准确是不可能有生动的表现的。抓住了大概的精度，就相当于失去了精度。那样的话，无异于创造了一个虚构的人物和虚伪的感情，他们根本没有感情。

古典绘画的最后一位浪漫主义画家吸收了文艺复兴时期大师们的写实技巧，并充分发挥了他的素描技巧。唯一不同的是，像马萨乔、米开朗基罗、乔治等大师的裸女，体现的是一种充满人性的时代理想，而安吉尔寄托在裸女身上的理想，则是永恒美的抽象概念。其实就是在线条、造型、色彩的和谐中寻求女性美的表现力。这一点在他描绘土耳其宫女的裸女画作中尤为明显。晚年，安吉尔画了这幅《春》，进一步体现了画家全新的美的观念，即深刻感受到用精细的造型手段创造一个抽象的古典美的模型的必要性。76岁的安吉尔终于在这个“春天”里，找到了自己内心积蓄已久的抽象古典美与具体现实的少女美的完美结合。

愤怒往往是复制同一个主题或想法，有时需要几年甚至几十年。比如他的一本《罗哲与当归》有两本，都是在1841做的。《保罗与弗朗切斯卡》一共有五本，最早的一本是1819年制作的，其余的分别是1856年以后制作的。有时，一些曾经出现在另一幅画中的个性人物出现在他的画中，如《瓦宋平的洗澡姑娘》中的形象，在后来的画作《哈玛姆》中再次出现；圣餐中的圣母玛利亚是从路易十三世誓言的成分中搬出来的，其中一个天使的脸几乎和他的哈曼中的裸女一样。这幅画《春天》与《安纳托利亚的维纳斯》(画于1848，现藏于法国尚蒂伊的贡德美术馆)基本相同，画的是从海水泡泡中诞生的女神，所以画的是维纳斯从海水泡泡中升起，被许多小爱神包围，只有微小的变化。另外删除了周围一群小天使的形象。以前有人认为这种创作特征是愤怒创作思想枯竭的表现，这样说太武断了。当然，古典主义画家除了画模特之外，很少会去现实生活，但安吉尔自己解释说，这是一种寻求让主题更贴近自己的理想、形象更完美的精神的体现。

当《春天》完成时，画家对人们说，“同时有五个买主，有人刚刚扑向我。他们争论不休，我几乎要让他们抽签。”“春”的确具有人们向往的纯美品质，虽然她是藏在心底半个世纪的画家的理想化身。一旦被放到画布上，人们真的会对艺术家的雕刻月亮和切割云彩的作品赞叹不已。1857年，泉水被德米特里伯爵(又译九沙特里伯爵)收购，成为私人收藏的画作。后来根据伯爵的遗嘱，他的家属于1878，这幅画被赠予国家，成为巴黎卢浮宫的又一件珍宝。

安吉尔愿意称自己为历史画家，因为自17世纪法国皇家绘画与雕塑学院成立以来，传统古典主义者一直将历史画视为最高层次(第一层次是历史画，神话宗教画；第二层次是风俗画和肖像画；第三个层次是山水画和静物画。但是，从艺术史的角度来看，安格尔最好的画是肖像画和肖像画。如果我们再比较一下他的肖像画和肖像画，就会发现他的最高成就是女性肖像画。

法属波多黎各美杜莎的木筏

这幅画的创作源于当时一个真实的丑闻。19世纪初，法国海军部任命一个完全不懂航海的人担任远洋巨轮“美杜莎”号的船长。这艘巨轮在通过布朗海峡驶往非洲的途中触礁沉没。船上所有有权有势的人都乘小船逃命，留下150多名乘客和船员。他们为了生存，造了一个木筏，漂流到大海。半个月后他们获救时，木筏上只有15名幸存者，上岸后有两人死亡。这起沉船事件引起了法国人的强烈不满，法国海军部遭到了各界舆论的谴责。基于这一真实事件，富有正义感的画家里科创作了这幅举世闻名的作品——《美杜莎之筏》。

在创作过程中，画家翻阅了幸存者的回忆，采访了幸存者，请他们指导。他还做了一个类似美杜莎的木筏，亲自在海上漂流，以获得大海变化的海浪的真实环境、氛围和体验。他构思了很长时间，连续创作了几幅画。为了真实再现当时的场景，他亲自去医院观察濒死者的情态。为了描述死者的体色，他将解剖后的尸体浸入海水中观察其颜色变化，他还让黄疸病人做他的模特。据说生病的德拉克洛瓦曾是他的模特。这幅画描绘了受害者呼救的紧张时刻。他们大声喊着要远处的救生艇。画家特意在背景上画了一张帆，木筏被逆风吹了回来。灾民们向往救生艇的心情和逆风逐渐将木筏吹回的现实造成了对立的紧张。激情是浪漫主义的精神，但画中人体组成的金字塔不可避免地带有古典主义的遗风。这幅画中，浪漫主义的激情与古典主义的造型交织在一起，构成了一幅古典主义向浪漫主义过渡的杰作。