谁能给我讲讲音乐史？
第一章音乐的起源
音乐在人类社会的起源可以追溯到非常古老的荒野时代。人类在产生语言之前，就已经知道如何利用声音的高低和强弱来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐出现了统一劳动节奏的号子和互相传递信息的呐喊，这是最原始的音乐原型；人们在庆祝丰收，分享劳动成果时，往往会敲打石器和木头，以表达自己的喜悦和喜悦，这就是原始乐器的雏形。
一、弦乐器起源的传说
墨丘利是希腊神话中众神的使者。有一天他在尼罗河边散步，不小心踩到了什么东西，发出了奇妙的声音。他捡起来一看，原来是一个空龟壳，里面有一根干枯的肌腱。于是墨丘利从中得到灵感，发明了弦乐器。后人考证弦乐器出现在水星之前，但弦乐器的发明可能就是受此启发。
b、管乐器起源的传说
在中国古代，五千年前的黄帝时代，有一个叫凌伦的音乐家。相传他曾经进入西方的昆仑山采集竹子作为笛子。当时正好有五只凤凰在空中飞翔，他与法合拍。虽然这个传说并不完全可信，但将其视为管乐器的起源也不无道理。原始时代的人们，他们的劳动生活，可以说是伴随着音乐而发展的，两者是紧密相连的。从这个意义上说，音乐是从人类劳动生活中直接产生的。
第二章原始人的音乐
古代两河流域(底格里斯河和幼发拉底河)是人类文化的重要发源地之一。当时富饶的美索不达米亚地区(现在的伊朗和伊拉克)在公元前4000年就已经发展了音乐。当时生活在这个地区的苏美尔人已经有了类似竖琴的乐器和几种管弦乐乐器。当时宫廷中已经产生了专业歌手和较大的乐队。后来，这些人往那边跑了？用胶囊治窗帘？发生了什么事?桨〈啊〉⑾@啊⒂「群椭圆放电？爬裙是坟墓？龋齿？┅𗊙┑խ?可能会搅私事？已经落到了黄煌。有什么问题？师母⒄ ঢ k是什么淙 淉 濉 鞯？⒄ ⒄ ⒄?哎？镜子，狗比国际社会更怕浪。我种什么样的框架？
第三章中世纪的音乐
第一，中国古代音乐
黄帝是中国历史上最早的国王。他在五千年前创造了日历和汉字。当时除了前面提到的凌伦，还有一个叫“伏羲”的乐师。据说伏羲是一条长着人头的蛇，在母亲的子宫里怀了十二年。他弹的琴本来有五十弦，但是因为音色太悲伤，黄帝把他的琴切掉了一半，改成了二十五弦。
在黄帝传说中，还有一个叫神农的乐师，据说是一条长着牛头的蛇。神农曾经教人种粮，曾经尝过草药，发现过药，曾经创造过班卓琴。所以可以假设当时的音乐用的是五声音阶。
在中国古代，关于音乐的书籍有300多种。孔子是春秋时期著名的教育家和音乐家。他写了许多关于音乐的文章，我们可以在《论语》中看到他对音乐的一些评论。孔子在古琴方面有很高的造诣。他可以创作自己的音乐，并把悲伤和快乐融入韵律中。孔子亲自把琴技传授给弟子，他的3000名弟子中，有72人精通六艺。他的教学内容可以称为“诗、书、礼、乐”。“礼”是指天地阴阳的秩序，“乐”是和谐的意思。在孔子的哲学中，道德和音乐占据着同等的地位，他提倡音乐来提高道德品质。另一方面，中国古代的宫廷音乐多为舞曲，是诗、舞、乐的结合体，与今天的舞蹈完全不同。
二、埃及和阿拉伯的古代音乐
古埃及文明是世界上最古老的文明之一。在金字塔内石壁的雕刻上，可以看到乐师的行列，从而想象出当时演奏音乐的盛况。雕塑中有用手指弹奏的竖琴形弦乐器，也有各种长笛乐器。阿拉伯等地区的器乐也相当发达。很久以前，他们就开始使用一种特殊的音阶，分成一个八度之间的17个音。
古埃及壁画:
第三，古希腊和古罗马音乐
希腊音乐的起源也笼罩在神秘之中。传说阿波罗掌管音乐，拥有九位缪斯女神，所以音乐也被称为音乐或Musik。在希腊乐器中，有一种V型双管长笛，叫Aouros，是一种天琴座，还有一种类似吉他的弦乐器Zittel，都是从埃及或阿拉伯引进的。在古希腊人的生活中，音乐的地位非常重要。他们在埃及和阿拉伯传来的东方音乐的基础上，逐渐发展变化，形成了自己的音乐。古希腊的音乐与诗歌和戏剧密切相关。在他们的两部迷人的荷马史诗和许多著名的戏剧中，音乐的意义得到了体现。当时社会上一些著名的民谣歌手表演的歌曲对古希腊音乐的形成和发展也有着重要的意义。
古希腊音乐在很多方面都取得了巨大的成就。公元前6世纪，古希腊伟大的哲学家、数学家毕达哥拉斯首先用一种叫做单弦琴的单一弦乐器解释了纯律理论，并根据琴弦的长度计算出当时使用的所有音程。毕达哥拉斯音律的发明和应用是音乐理论的重大突破。其次，古希腊人还发明了字母记谱法。在乐器的制作上也有很多大胆的创新和创造，发明了一批前所未见的乐器。古希腊音乐不仅包括器乐伴奏的抒情独奏曲，还包括戏剧音乐和舞蹈音乐。这几类音乐一般以单音音乐为主，内容上多为宗教题材。
古罗马的音乐主要沿袭了古希腊音乐的伟大成就。当时，这种音乐主要在祭祀、婚宴和军队凯旋时演奏。从公元三世纪开始，古罗马对外扩张势力，对周边城邦进行野蛮的侵略和掠夺。古希腊许多优秀的音乐家和歌唱家都成为古罗马皇帝、贵族和奴隶主的奴隶，因此音乐成为统治阶级的特殊娱乐工具。但古罗马的音乐文化并没有跟随古希腊停滞不前，一些民歌、婚礼歌、士兵歌和乐舞都有一定程度的发展。在不断发展的过程中，出现了用拉丁文演唱的古代戏剧。此外，军队中出现铜管乐器也是古罗马音乐的主要特征之一。
古希腊艺术:
雅典列雪格勒的音乐纪念亭
这种建筑是古希腊一种独立的纪念性建筑，用来展示在体育或歌唱比赛中获得的奖品。因此，它也被称为“雅典获奖纪念碑”。从公元前4世纪开始，这种纪念性建筑如雨后春笋般出现，仅存一座。这座亭子是公元前335-334年由一位富有的雅典商人Richegrad建造的，以纪念他在酒神节比赛中帮助建造的合唱队的胜利。
亭子的底座是2？9米见方，4米高？77米底座；基座上矗立着一座6？一个5米的实心圆形亭子；亭子周围有六根科林斯式的斜柱。顶部是由一块完整的大理石雕刻而成的穹顶，放置奖品；屋檐上有浮雕，刻着狄俄尼索斯(酒神)在海上被劫，把海盗变成海豚的故事。
亭子的构图特点体现了一个规律，就是台座和亭子各有一个完整的平台和屋檐，各部分形成对比:台座的古朴厚重和亭子的华丽轻盈的对比，产生了一种稳定感和美感。这是希腊建筑中早期的科林斯式建筑。
古罗马艺术:
伊苏斯战役
这幅镶嵌画是在公元1831年从庞贝废墟中发现的。据考证，它描绘的是伊苏斯之战，临摹于公元前4世纪希腊画家菲罗克·西诺斯的同名壁画，从中可以看出希腊绘画的发展。原画是应雅典统治者卡散德的要求创作的，制作于公元前310年。
这幅画描绘了公元前330年秋天，在伊苏斯，亚历山大大帝和波斯帝国最后一位国王大流士三世之间的战争历史。这是一幅著名的历史画。在这场战役中，亚历山大大帝打败了大流士，丢下母亲、妻子和孩子逃走了。后来，大流士写信给亚历山大大帝，表示愿意用巨款赎回母亲的妻儿，将女儿嫁给亚历山大，但亚历山大拒绝了，仍然入侵并摧毁了波斯帝国。
这幅画描绘了两军之间的战斗以及亚历山大打败大流士的过程。图片只用一棵被推倒的树来代表战争发生的环境。画家以两军对峙为重点，突出了波斯大流士和他的士兵，他们的动作表现了激烈的战斗态势。整个场景充满了戏剧性的冲突和浓厚的战争气氛。
第四章中世纪的音乐
首先，基督教和中世纪音乐
在中世纪的欧洲，教会的权力高于国家和其他社会团体。当时所有的社会意识形态，包括各种艺术和哲学，都要为教会服务，所以中世纪的音乐在基督教的帮助下有了超常规的发展。可以说，中世纪所有的音乐理论、记谱法、合唱与合奏、键盘乐器的兴起与教学都与教会有着密切的联系。今天的交响乐和歌剧在内容上大多是世俗的，但也与中世纪的教会有着千丝万缕的联系。教会音乐，最初原封不动地采用了来自犹太王国的形式，即唱赞美诗和背诵圣经，是纯粹的声乐。宗教音乐一直以声乐为主，因为声乐有歌词。相反，器乐主要作为世俗音乐发展。
从原始单音音乐向复调音乐过渡是中世纪音乐的一个重要特征。此外，中世纪音乐在理论上也有很大进步，完成了对位法和线谱法。乐器的发明和生产也有了很大的进步。长号、小号和圆号在当时广泛流行，弓弦乐器(如提琴)也广泛使用。
第二，罗马风格
“罗马风格”一词来源于当时的建筑语言。罗马式音乐是世界艺术史上最伟大的纪念性遗产之一，这种音乐既没有和声，也没有伴奏。它的特点是合唱，通过教堂天井的回声产生庄严的和谐感。其古朴优美的宗教情怀与罗马风格的教堂建筑如出一辙。罗马式音乐是中世纪重要的音乐形式之一，其代表是格列高利圣咏，这是一种典型的天主教音乐，是纯粹的单一旋律演唱。在漫长的中世纪，格里高利圣歌对音乐做出了重要贡献。在格里高利圣咏中，出现了多里安调式、弗里吉亚调式、吕底亚调式和混合吕底亚调式等四种教会调式及其变体风格。16世纪出现了爱奥尼亚调式和多里安调式，之后演变成今天的大小音阶。在格里高利一世时代，罗马建立了一所名为“歌唱班”的学校，这是世界上最早的音乐学校之一。安布罗西乌斯(340-397)收集了在教堂中演唱的歌曲，为教堂音乐制定了由七个音调组成的四个教堂调式音阶，还创作了二重奏等形式。在赞美诗中，歌词与语言情境、音调、节奏完美结合，完美表达了宗教情怀，可以作为这个时代音乐艺术的总结。
补充内容:中世纪基督教音乐的代表是格里高利圣咏。这种圣歌出现在6世纪，以教皇格里高里(590-604)的名字命名。据说在公元6世纪，各地的教会音乐并不统一。格里高利一世致力于教会音乐的统一，收集、挑选、整理了世界各地教会的原始仪式歌曲和赞美诗，编制了一部唱和集，并规定了模式和用法。格里高利圣咏由大量带有拉丁歌词的单音节音乐组成。是一首忠实表达经文的歌，旋律超脱，平静，泯灭人欲。不是为了欣赏，纯粹是为了宗教礼仪。是实用音乐，不重视听觉的美感，也不重视流行音乐的夸张。这种号子是用纯人声演唱的，没有乐器伴奏，没有变化和点缀。它也没有绳结和拍子，完全是自由拍子，歌词也只有拉丁文。格里高利圣歌都是天主教仪式歌曲，只供牧师唱，会众不参与唱诗。
格里高利圣咏形成后，迅速传播到各地，特别是意大利北部、英国、爱尔兰、法国等地。直到公元14世纪，天主教堂里只有格里高利圣歌。在今天的天主教堂，经常使用格里高利圣歌。
格里高利圣咏作为欧洲封建社会早期的主要音乐，可以说是西方音乐文化中的第一朵花。它的发展与整个西方音乐史密切相关。格里高利圣咏在记谱法、音乐理论、复调音乐的兴起和发展、音乐流派的建立等诸多方面的研究都要提到。即使是现代调式音乐，也是基于格列高利圣咏的调式。
格里高利圣咏中最具特色的旋律，不仅在中世纪作曲家的创作中被长期保留下来，而且在以后许多世纪的作曲家的创作中也被保留下来。我们可以在巴赫、莫扎特等人的作品中听到这些旋律，如莫扎特的《朱庇特交响曲》、李斯特的《死亡之舞》、柏辽兹的《交响幻想曲》第五乐章、圣桑的《C小调第三交响曲——管风琴与钢琴》、拉赫玛尼诺夫的《帕格尼尼主题钢琴与管弦乐狂想曲》。许多音乐作品，如小步舞曲、军队进行曲和奏鸣曲的第一乐章，都是从格列高利圣歌延伸而来的。2.复调音乐产生于基督教背景复调音乐是由两个或两个以上独立部分组成的音乐。这种音乐的出现标志着西方音乐向前迈进了一大步。复调音乐是在中世纪基督教的背景下出现的，由格里高利圣歌发展而来，其音乐家都是天主教的僧侣。
该主题的相关图片如下:
“圣咏”模式最初分为八种，即多利亚、下多利亚、弗里吉亚、下弗里吉亚、吕底亚、下吕底亚、粘吕底亚、下粘吕底亚。和古希腊音乐一样，“圣咏”是一种一部曲，庄重、肃穆、简单、宽广，用拉丁文演唱。“咏”的旋律可分为两类，即宣叙调歌曲和旋律歌曲。前者是一种没有伴奏和和声，没有节奏，每个音节时而组合一个音符时而组合一组相同时长的音符，仿佛是一首单调简单的练习曲。所以也叫素歌。
该主题的相关图片如下:
第三，中世纪的世俗音乐
中世纪的音乐以宗教音乐为主，当时的音乐活动仅限于教会范围，而流行的世俗音乐是被禁止的。尽管如此，在民间仍有许多流浪歌手和吟游诗人。这些社会地位极其低下的贫苦民间艺人，非常不满宗教音乐对音乐艺术的束缚，他们利用各种方式在民间广泛传播世俗音乐。这类音乐(包括赞美诗、情歌、牧歌和讽刺歌曲)在形式和内容上接近民俗，充满民间情怀。当时这种民间世俗音乐开始酝酿成一种潜在的音乐潮流。到了文艺复兴时期，这种音乐潮流随着社会形态的发展和变革，逐渐取代宗教音乐，成为音乐艺术的主流。
巴黎圣母院
巴黎圣母院始建于1163年，直到13世纪才建成。
从巴黎圣母院正面看，已经形成了一个纯粹的尖拱形建筑。整个飞机还是十字形，但是东西比。
南北方向。底部是三个凹进的券门，门的脚上布满了神像，给整个建筑增添了豪华感。典型的巨塔而不是罗马式建筑是十字路口的小尖塔，它的高耸让整个建筑看起来更加雄伟。圣母院西正面有两座高耸的塔楼，共三层，下层是国王画廊；二楼中央是一个象征天堂的玫瑰形状的大圆窗；第三层是一个可穿越的走廊。雕塑是圣母院中不可或缺的装饰，有植物图案，也有幻想中的怪物；还有大型彩色玻璃窗，使建筑形成恍惚神的幻境，加强了教堂神圣的宗教色彩。
【最后由KH宝马于2005-1-28 16:29编辑】他在犹豫输赢。
UID278帖子2198精华11积分7173阅读权限10在线时间118小时注册时间2004-5-28，最后登录2006年2月-5日了解详情。
顶端
优秀亚马逊5000特价书低至1.7折。
KHBMW
爵士
在个人空间发短信，加为好友。目前离线，3#发表于2005-1-28 15:52，具体看作者。
第五章文艺复兴之前和期间的音乐
11世纪末到13世纪末，十字军东征发生在欧洲。这一历史事件对促进东西方文化交流起了很大的作用。在音乐上，表现为吟游诗人、吟游诗人、抒情歌手等人物的出现。他们使用小竖琴或类似竖琴的古代小提琴，他们的演唱涉及情歌、叙事故事、自然赞美诗、宗教和道德。
13世纪中后期到14世纪，哥特式艺术在北欧悄然兴起，在建筑上表现得很明显。在音乐上，哥特风格虽然没有形成代表一个时代的形式，但在源于奥加纳姆的复调形式中，却清晰地表现出了哥特风格的特征。在13世纪，除了庄严的格里高利圣咏的固定旋律外，还有舞蹈和情歌的旋律，伴随着不同的歌词和节拍一起歌唱。
科隆大教堂
德国科隆中央大厅高48米；德国乌尔姆的教堂，从教堂钟楼的高度算起，有161米高。其次，身体向上的动力很强，淡淡的竖线贯穿全身。无论城墙和城楼分的越来越细，装饰越来越多，越来越精致，顶上还有尖尖的尖塔直刺苍穹。不仅所有券都很犀利，建筑上部和细节也很犀利，整个教堂处处充满向上的气势。这种以高、直、尖、向上的强劲势头为特征的造型风格，是教会摒弃世俗的宗教思想的体现，也是这座城市强大向上生命力的精神反映。如果说罗马式以其坚实、稳固、不可动摇的形式展现了教会的权威，具有通过复古传承传统的意义，那么哥特式则以野蛮人的粗犷、奔放、灵巧、崛起的力量体现了教会的神圣精神。其笔直的线条、奇特的空间通道、透过彩色玻璃窗的五彩光线、各种精美的雕刻装饰，全面营造了一种“非人”的境界，给人以神秘感。有人说罗马建筑是地上的宫殿，哥特式建筑是天上的神龛。
镶嵌玻璃窗
与哥特式建筑一起，美丽的彩色玻璃窗画应运而生。这幅画也成了文盲信徒的圣经。圆形的玫瑰窗象征着天堂，形形色色的圣徒登上色彩斑斓的玻璃窗，酷似色彩斑斓的舞台画面。人们走近教堂，不仅有天堂的错觉，还有装饰的美感。因为是玻璃画，所以可以通过光线的穿透而明亮，通过奇妙的光色而引人入胜。哥特式雕塑是教堂建筑不可或缺的装饰。其人物开始保持独立的空间位置，追求立体造型，力求符合真实形象，追求自然生动的造型，使人体逐渐丰满，褶裥也在结构上发生变化，使人感觉衣服内部有一个真实的人体。雕像不再是人类外貌的相似，而是有血有肉的人。哥特式建筑多采用圆雕和接近圆雕的高浮雕。
哥特式艺术贴近生活和现实主义，遍布欧洲，因此也被称为国际哥特式风格。晚期哥特艺术显然催生了文艺复兴。
14世纪下半叶，欧洲的社会意识形态开始发生深刻的变化。一些先进的和推动性的新思想正在酝酿和逐渐传播。最有代表性的就是人文主义。人文主义主张以人为本，人是社会的主人，而不是神。赞美人类对生命的热爱和人类的智慧，相信人类的力量可以战胜一切。崇尚人性，反对中世纪的禁欲主义。在人文主义的影响和推动下，欧洲发生了一场涉及政治、文化等各个方面的深刻变革——“文艺复兴”运动。继文学、美术和其他文学形式之后，音乐也进入了一个“文艺复兴”时期。在这一时期的音乐中，世俗音乐占据了越来越重要的地位。音乐作品中对人的内心世界和自然之美的描写变得非常突出，形成了一种全新的音乐风格，产生了许多器乐体裁和歌剧形式。一些富有个性的作曲家，如帕斯蒂·里纳、拉索、兰迪诺、杜菲、蒙特威尔第等，都曾进行过出色的音乐活动。他们的创作充满了新音乐的倾向，具有很大的开拓意义。这一时期音乐艺术全面发展，当时的复调音乐在十六世纪已经发展到了一个黄金时代。乐理也在这一时期趋于成熟:大小调的调性体系已基本确立；和声的功能系统也在萌芽和发展。记谱法从字母记谱法、符号记谱法变成了双线记谱法、四线记谱法甚至五线谱记谱法。对位法的应用也达到了非常丰富的程度。这一时期，器乐的独立性越来越强；乐器的发展也逐渐加快。当时，古代的小提琴、小号、小号、长号、管风琴和琵琶都活跃在音乐舞台上，文艺复兴后期小提琴和古钢琴的出现为音乐艺术增添了耀眼的光彩。
第六章巴洛克时期的音乐
第一，巴洛克风格
音乐的巴洛克时期一般认为大致是从1600到1750，也就是从蒙特维尔到巴赫和亨德尔。1750年，复调大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的去世，标志着巴洛克巅峰时期复调音乐的结束，巴洛克时代的终结。这个时期之所以被称为巴洛克时期，是因为一个时期的音乐表现手法和方式基本上是有共通之处的，所以用这个术语来标记它并没有什么特别的意义。巴洛克一词来自法语，其来源是葡萄牙语barroco，意思是形状不圆的珍珠。最早是巴洛克末期的评论家在评论这一时期的音乐时使用的，一般含有贬义，指的是粗糙的音乐，奇怪而夸张的音乐。巴洛克之后的古典时期的音乐家倾向于简化和规范音乐语言。在他们看来，巴洛克音乐过于张扬，不够规范。因此，巴洛克一词被批评家用来指代17世纪和18世纪早期的艺术和音乐作品。如今，随着时间的推移，我们可以用更深入细致的历史眼光来看待这一时期的音乐。巴洛克不再有粗糙、粗犷的含义，但与巴洛克前后的音乐作品相比，确实具有夸张、有些不规则的特点。
文艺复兴时期的艺术注重清晰、统一和协调。但到了十六世纪末，艺术中的情感因素日益增多，清晰、明确、完美的形式被表达感情的需要淹没了。在美术方面，可以从卡拉瓦乔(1573-1610)色彩丰富、富有戏剧性的画作中看出。在音乐上，我们已经从马伦齐奥和卡洛·格苏阿尔多的牧歌和道伦德的古歌中看到了端倪，他们的下一代有了进一步的发展。为了产生这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。总的来说，文艺复兴时期流畅的复调音乐已经不适合新时期所需要的特点。巴洛克时期最重要的创造是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐流畅，所有声部(通常是四到五个声部)交织同步。1600以后，这种织体越来越少使用，只能在教堂音乐中见到，因为教堂音乐受传统固定礼拜仪式的束缚，所以最保守。
卡拉瓦乔的《被埋葬的基督》
该主题的相关图片如下:
简介:这幅祭坛画最初是圣玛丽亚·德·拉·瓦里西拉教堂的一个订单。它描绘了基督被钉死在十字架上后，被约翰、尼哥底母、桑塔玛利亚和基督两位女信徒合葬的悲惨场景:微弱的光线只照亮了山洞里的一块大石板。在一片黑暗的背景前，约翰和尼哥底母慢慢地把耶稣赤裸的身体放进坟墓。在他身后站着耶稣的母亲马利亚和两个女信徒。耶稣的身体被光明照亮。整个场景就像一个倒下的英雄或士兵的埋葬场景。耶稣的身体被描绘得强壮结实。他的脸上也显示出坚定的意志力。一张脸留着短短的黑胡子，很平和。气氛肃穆，悲凉，肃穆。画家使用精确的解剖技术来展示肌肉发达的尸体。只有耶稣垂下的手提醒他，他没有生命。但是这只下垂的手和抬起的腿在屏幕上形成了平衡的光感。尼哥底母是卡拉瓦乔的主要形象。传说他是法利赛人。晚上遇到了耶稣，和他聊起了人能否重生的问题。耶稣被钉在十字架上后，他来帮助安葬。画家把他描绘成一个年老的农民。并且把他画在了前景的主要位置，特别是露出了他赤裸的大脚。为了加强整个图像的稳定性，这两只脚在前景中起到了平衡的作用。在这里，除了前景中耶稣的尸体和尼哥底母的形象栩栩如生之外，最后三个女人的形象也进行了有节奏的处理，尤其是抹大拉，她的手举得很高，她的脸显示出悲痛，增强了画面的悲剧色彩。她的眼睛因泪水而肿胀，嘴唇半开，仿佛在为土地哭泣。圣母戴着头巾，脸很瘦。她从约翰的肩膀后面伸出一只右手。这只手受到光的照射，从而平衡了分布在右边的受光部位。与此同时，这种棕榈位于路斯南部？在这个埋葬悲剧的场景中，手也起着指挥作用。中间玛丽的形象画得很漂亮。她看起来很可爱，精致可爱。她是拉撒路的妹妹。一个单纯的农家女孩。她垂着头，沉浸在悲痛中，右手用手帕擦着眼泪。中间开叉，后脑勺扎辫子的发型，让人感受到这个形象的写实性。所有的人物，除了约翰的脸，都有清晰的受光部分。画家的典型构思是经过仔细考虑的。颜色方面，衣服的红蓝和皮肤的苍白也形成了鲜明的色调对比。这使得英雄下葬的悲壮气氛与周围的黑暗强烈冲突。这幅画展出时，不仅卡拉瓦乔的崇拜者们信服了，就连他的宿敌也不得不承认画家极高的艺术修养。这幅画现藏于罗马梵蒂冈绘画博物馆。
“对比”可以表现在不同的方面:声音的高低；快慢速度(快慢段落之间或快慢声部之间的对比)；强势和弱势；音色的差异；独唱(歌唱)和合奏(合唱)等等。这些都存在于巴洛克时期的音乐结构中，各有各的位置。巴洛克时期的很多音乐家都使用协奏曲或者复合协奏曲(这个词本身就意味着明显的对比因素)。这种形式的基本特征是织体的变化，有时是一个声部(独唱)或几个声部，有时是更大的团体合奏。