简述电影的起源和发展。
(1)20世纪30年代，电影开始了诞生前的技术准备期，也称发明期。
早在1829年，比利时著名物理学家约瑟夫·普拉多(Joseph Prado)就发现，当一个物体从人们眼前消失时，该物体的影像会在人们的视网膜上保留一段时间。这一发现被称为“视觉暂留原理”。根据这一原理，普拉多在1832年发明了“戏法盘”。“特技托盘”可以使画在锯齿形硬纸盒上的图片因为运动而运动，也可以使生成的运动图片在视觉上分解成各种图像。“神秘圆盘”的出现，标志着电影的发明进入了科学实验阶段。1834年，美国哈尔纳的“可移动视频光盘”实验成功；1853年，奥地利将军冯·乌切蒂奥斯在上述发明的基础上，用幻灯放映的方式展示了原版漫画。
摄影技术的进步是电影诞生的重要前提，也可以认为摄影技术的发展为电影的发明提供了必要的条件。早在1826年，法国W Nieps就成功拍摄了世界上第一张照片《窗外的景象》，曝光时间为8小时。最初的银盘摄影出现后，一张照片被缩短到30分钟左右。由于感光材料的不断更新和使用，摄影时间也缩短了。1840拍一张照片只要20分钟，1851年。湿酊剂主做出来后，射击速度缩短到1秒。这时，“移动照片”的拍摄已经在克劳地、杜博斯克等人的实验性拍摄中获得成功。从1872到1878，美国旧金山的摄影师爱德华·迈布里奇(Edward Muybridge)用24台相机拍摄了奔马的照片。经过六年多无数次的拍摄实验，他终于成功了，然后他成功地在幻灯片上展示出来。就是我在屏幕上看到了马在跑。受此启发，1882年，法国生理学家马累改进了连续摄影方法，成功试制了“照相枪”，并在另一位发明家强森制造的“旋转照相机”的基础上，创造了“移动负片连续照相机”，1888年9月，他用软盘胶片拍摄活动照片。
在1888-1895期间，法国、美国、英国、德国、比利时、瑞典等国都有过拍摄和放映的实验。1888年，法国人雷诺试制了“光学电影机”，用来拍摄世界上第一部动画片《一杯美味的啤酒》。1889年，美国发明家爱迪生发明了胶片照相机，经过五年的实验，他发明了胶片镜子。他在纽约发行了他的电影影像，这在美国引起了轰动。但他的电影《夜视镜》一次只能一个人看，一次展示几十英尺的胶片，包括赛马和舞蹈表演。他的电影《镜子》利用胶片的连续旋转来制造活动的假象。可以说，最原始的电影发明应该属于爱迪生。他的电影《镜》传入中国后，被称为“西洋镜”。
1895年，法国兄弟奥古斯特·琉米爱尔和路易·琉米爱尔在爱迪生的“电影镜”和他们自己的“连续照相机”的基础上，成功地研制出了“可移动的电影机器”。“可移动胶片机”主要有三大功能:摄影、放映、冲印。它以每秒16帧的速度拍摄和放映电影，图像清晰稳定。3月22日，1895，他们的第一部电影《琉米爱尔工厂之门》在巴黎法国科技大会上获得成功。同年，14年2月28日，他们正式向公众发布了一批自己制作的纪录片短片，包括《火车到站》、《浇灌的园丁》、《宝宝的午餐》、《工厂大门》等12部影片。卢米埃尔兄弟是第一批在银幕上放映电影的人。历史学家认为，卢米埃尔兄弟的拍摄和放映已经脱离了实验阶段，所以他们把世界电影首次公映的日子定在1895年2月28日，作为电影的诞生日，卢米埃尔兄弟自然成为“电影之父”。
(B) 1896-1912、电影从小就迅速成为一门艺术。
早期的电影，还没有走出它诞生的痕迹，就以杂耍和魔幻的姿态让人觉得新奇。琉米爱尔开创了最早的电影类型，如新闻片、旅游片、纪录片、喜剧片等。从列车到达车站，人们跪在地上，到用水龙带灭火，用水龙带灭火，灭火，救死扶伤。琉米爱尔电影最突出的特点是纪录片，直接拍摄现实生活，给人身临其境的感觉，成为现实主义自然主义电影风格的先驱，形成了电影的纪录片传统。琉米爱尔关于生活的纪实短片连续放映一年半后，人们的兴趣明显减弱，以至于最后无人问津，这不能不说是时代和自然主义的局限造成的。但是最初的困境并没有影响电影的大趋势。另一位法国电影先驱乔治·梅·李艾的出现恰逢其时。他把电影从一部纪录片《动图》(也叫电影)变成了艺术电影，为电影的发展做出了很多创造性的贡献。
梅李艾作为机械师，做了一整套的机关、机器、舞台道具；作为画家，他制作了无数布景和服装；作为一名魔术师，梅·李艾运用他丰富的想象力，创造了许多新的特技。作为作家，他不断创作新剧；作为演员，他是他节目中的重要角色；作为导演，他知道如何设计和动员一个小剧团。乔治·萨杜尔(George sadoul)在《世界电影史》中说:“梅·李艾天才的特点在于系统地将大多数戏剧方法，如剧本、演员、服装、化妆、布景、机构装置等等，运用到电影中。”他在这方面的经验直到今天还以各种形式保存在电影里。
梅·李艾用摄影特技代替了舞台上的机械装置。同样，由于无声电影的需要，梅·李艾还为演员们发明了一种新的表演技巧。这种表演虽然不同于哑剧，但它强调夸张和手势，因为它非常注重动作，不太注重面部表情。《灰姑娘》是梅戏剧电影的代表作。这部根据欧洲著名童话故事改编的电影，巧妙地运用了各种特技，将南瓜变成了汽车。把老鼠变成马车夫是特技摄影的开拓性应用，也是梅对电影的又一贡献。
1902年，梅执导了著名的科幻电影《月球之旅》，该片根据儒勒·凡尔纳和HG·威尔斯的两部著名科幻小说改编。这是他的代表作，在电影史上影响深远。这部电影描述了一群天文学家装扮成占星家去月球旅行的奇幻故事。他们来到一个陌生的机器工厂，几个漂亮的女水兵搬着一架炮弹形状的大飞机。当天文学家进入时，它们被反射到月球上。天文学家从飞行器里出来，欣赏着月球环形山附近平原的奇妙景色。也受到美女扮演的星神们的欢迎。天黑后，他们从梦中醒来，钻进了一个大山洞，在那里他们看到了月神、巨大的蘑菇和各种奇怪的东西。在经历了许多危险的曲折之后，他们乘坐炮弹飞行器飞回了地球，并在一次奇怪的海底之旅后结束了雕像的揭幕仪式。梅对电影艺术的贡献，使电影在成为独立的影像视听艺术的道路上前进了一大步
这期间，不能不提波特拍摄了《火车大劫案》。《火车大劫案》中，波特第一次用14个场景拍成电影。在此之前，梅的电影从头到尾都是一个镜头。《火车大劫案》是第一次用多个场景组成一部电影(严格来说不是真正的电影，因为当时没有镜头变化)。波特的电影里有特写镜头。电影史上一个著名的镜头是用手枪对准观众，在影片中已经有了初步尝试。但对这个镜头的审美功能并没有自觉的认识，所以它只是一个自发的开始走向电影艺术的一个阶段。
在无声电影阶段，苏联的格里菲斯、卓别林和爱森斯坦为电影发展做出了巨大贡献。
1908年，大卫·格里菲斯加入爱迪生公司，先做演员，后做导演。从1908到1912，他导演了大约400部电影。在《孤独的别墅》中，他创造了“平行蒙太奇”，标志着电影彻底摆脱了舞台剧的束缚，电影的时空得到了极大的拓展。
这一时期在美国出现的布莱顿学派也对电影艺术的发展起到了重要作用，布莱顿学派的代表人物威廉·保罗在彼得·卡德里马戏团的摩托车表演中成功运用了手机摄影。威廉姆森还在《中国的教堂被烧了》中首次成功运用了追逐和营救的戏剧性场面，通过两头分割使情节逐渐紧张，为后来的惊悚片尤其是美国“西部片”开了先河。布莱顿学派的另一位代表人物加·史密斯在《祖母的放大镜》和《望远镜中的场景》中交替使用了同一场景的原始真实蒙太奇，特写和透视的交替使用促进了电影语言的发展和应用。此外，布莱顿学校的柯林斯和哈布里奇分别制作了真实描述现实生活的电影，如矿工的生活，煤矿爆炸悲剧和囚犯越狱。这一时期，被誉为世界第一电影城的法国万松被誉为“世界电影之都”，拥有EMI和Gomon两大电影制作公司。从1903到1909，在世界电影史上也被称为“百代时期”。
1908年，世界第二电影院好莱坞在拍摄《老姐山伯爵》时也初具规模。当时只是摄影师托马斯·博森斯和导演弗朗西斯·博格斯搭建的一个小工作室，直到1913才初具规模。
(C) 1913-1926，默片正在走向成熟。
梅在拍完自己的第430部电影后，于1913退出电影界，最后死于街头。在为电影艺术的发展做出巨大贡献后，一代大师就这样离开了这个世界。梅的没落和好莱坞的崛起，标志着电影已经告别了婴儿期，进入了成熟阶段。
格里菲斯在1915年以一个艺术家的勇气拍摄了经典默片《一个国家的诞生》，也在1916年拍摄了《党派冲突不一样》。这两部经典电影，被誉为电影艺术的奠基之作，标志着电影成为一门艺术的开始，是美国电影史上的里程碑，是当时电影的最高水平，也是世界电影史上的两部经典电影。
格里菲思不朽的成就是突破了梅李艾戏剧电影中的一些旧陋习。作为第一人，他在电影拍摄过程中使摄影机移动，极大地丰富了电影语言，创造性地运用了“特写”、“圈入”、“剪切”等手法，使蒙太奇成为电影艺术的重要手段。格里菲斯在梅李艾和英国布莱顿学派早期发现特技摄影蒙太奇的基础上，创造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一个国家的诞生》中，他充分运用了自己的特效和蒙太奇语言，影片集中展现了当时欧美电影艺术探索的成果。这部电影在浩瀚壮阔的历史场景中，很好地发挥了电影艺术时空自由跳跃的作用，同时体现了蒙太奇和多线对比交替的作用。整部电影由1000多个镜头组成。不同场景的转换和灵活的摄影技巧是格里菲斯在电影史上的大胆创造。影片中，特写、特写等不同场景的组合运用，和谐变换，各有其位。如《大视野》，他用来表现两军对峙、交火的战争场面；他用特写镜头来表现人物的详细动作。在拍摄Ku三k党的奔马场景时，格里菲斯将摄像机安装在卡车上，并对奔马进行追踪，达到了紧张、逼真、生动的画面效果。一年后的《与不同群体的冲突》也是一部标志着格里菲斯毕生成就的电影，突破了古典戏剧的“三统一”局限，开创了“多元法则”开拓银幕时空。影片将不同时代的事件并列浓缩，极大地丰富了电影语言，丰富和发展了平行蒙太奇语言。这部经典之作在电影史上占有重要地位，并以其密集的节奏、丰富多彩的画面、手机摄影的美感和宏大开放的大胆创意推动了电影艺术的发展。
在这一时期，电影已经成为一种公众舆论的艺术；另一方面，在这一时期，电影已经成为一种企业，只有这时，电影才有了真正的艺术品。美国喜剧电影大师查理·卓别林也是无声电影时期杰出的电影艺术家。1914年执导首部电影《爱情二十分钟》。然后，《阵雨之间》又出来了。在这部电影中，第一次出现了流浪的夏尔洛的形象。在1917的《安乐街》中，夏尔洛的形象显示出一种引人注目的光彩。夏洛参军标志着卓别林表演艺术的成熟。1919年集资建厂，成为好莱坞第一个真正意义上的独立制片人。20世纪20年代，他拍摄了一批以《淘金热》为代表的著名电影。卓别林一生有80部喜剧电影，其中《王子复仇记》《大独裁者》《凡尔登先生》《摩登时代》《淘金记》有着永久的魅力。卓别林电影的最大特点是:鲜明的现实感和尖锐的讽刺，雅俗共赏的大众化特征。萨杜尔先生这样评价他的作品:“卓别林的电影是唯一能被穷人阶级和最天真的人欣赏的。同时也能为最高层次的观众和知识分子所欣赏。”
苏联著名电影大师谢盖·爱森斯坦是无声电影时期蒙太奇理论建立和发展的杰出代表。1924年，他执导了第一部电影《罢工》，创造性地运用歌舞杂耍蒙太奇，将俄罗斯军警屠杀工人的场景和镜头群屠杀牲畜的场景串联起来，使之交替出现，产生了震撼人心的隐喻。1905年，他执导了世界电影史上最杰出的史诗默片《战舰波将金号》，成功代表了1905年的俄国革命。这部电影在国际电影奖中获得了许多奖项。影片中著名的敖德萨台阶的场景和段落，成为影响了几代电影艺术家的经典范例。1927年还执导了十月。爱森斯坦的贡献在于对蒙太奇的理论阐述和艺术实践，使其成为一个完整的美学体系。爱森斯坦的艺术特色是在格里菲斯创造的平行蒙太奇手法上前进了一大步。善于用特写来表现事物的内涵；利用镜头的交叉，形成蒙太奇节奏，揭示人物的内心情感；充分发挥蒙太奇的隐喻功能，形成“诗电影”的传统。
(D) 1927-1945，电影作为一门艺术变得成熟。
1927是电影史上划时代的一年。电影《爵士之王》的诞生标志着有声电影时代的到来，也是电影走向成熟的标志。声音使电影从单纯的视觉艺术发展为视听结合的屏幕艺术，实现了电影史上的一次革命，极大地发展了电影的本质，为电影艺术开辟了一个新的世界，有声电影的问世和传播大概用了五六年的时间，原因有认知的、经济的、技术的。尤其是一批知名的电影艺术家，他们执着于无声电影时期的美学原则，对新上映的有声电影的一些弱点过于挑剔。但随着电影艺术家运用声控能力的增强，录音设备和技术条件的改善，有声电影是可以正常发展的。
声音进入影片后，蒙太奇不仅仅是画面的组合，还延伸到声画的对位或对立，从而丰富了蒙太奇的内涵手段。有声电影取代无声电影是符合电影发展的客观规律的，有其客观必然性，因为有声电影的诞生标志着电影走向艺术真正发展的时期，1933以后，由于技术的进步，电影制作中的同步录音改为后期录音，电影摄影变得灵活多变，充满活力。与此同时，蒙太奇的理论和技术也有了很大的发展。苏联电影大师普多夫金在拍摄《逃兵》时，运用了声画对位、对立的画外音方式来增强电影效果，使观众耳目一新。
1935年，哺乳动物制作了世界上第一部彩色故事片《虚荣的世界》。彩色电影的发明使电影艺术进入了一个新的发展阶段。声音和色彩让电影更贴近自然。一些电影制作人在一部电影中交替使用彩色电影和黑白电影，从而收到特殊的艺术效果。
彩色电影的出现标志着电影从诞生发展到了一个完善成熟的发展时期，电影艺术从此进入了一个新的发展阶段。
(5)从1946-1959，电影艺术进入了一个重要的发展时期。
这一时期，世界电影呈现出多头曲折的发展时期。战后一段时间，美国电影在全世界都受到冷遇。战后，苏联及其东欧国家形成了四足鼎立的政党，沿着社会主义现实主义的传统轨道缓慢发展。艺术创作受教条主义和庸俗社会学的影响，很少有突破和进步。这一时期，苏联的一些电影工作者制作了一批具有情感冲击力的战争片和具有一定形象感染力的传记片。如青年近卫军，攻克柏林，加入易北河，米楚林，茹科夫斯基，乌沙科夫海军上将。斯大林死后，在“解冻文学”思潮的影响下，苏联电影开始走出僵化的模式。1957年卡拉托·卓夫《南飞》之后，苏联电影又有了发展。英法德意等西欧电影强国，形成了当时四足鼎立的另一极。受战争留下的阴影和经济困难的制约，西方电影进入了一个特殊时期。在困难和对手的挑战下，他们不仅没有退缩，反而刺激了西欧现实主义电影的繁荣和发展。在东方，日本、中国、印度电影都取得了长足的进步，相继进入世界强国行列。日本电影在东方起步早，二战时误入歧途，战后不久又获得新生。尤其是1950年黑泽明的《罗生门》之后，日本电影吸引了世界的目光。印度电影在30年代也有一个很好很窄的发展。进入这一时期后，受意大利、法国和苏联电影的影响，印度电影逐渐从追求奢华的音乐电影转向现实。在1953期间，拉兹·卡普尔导演的《流浪者》和比梅洛耶的《两亩地》等电影标志着印度电影的新面貌。1955年，印度生产了285部电影，仅次于日本，位居世界第二。目前印度电影年产量约700部，是世界上最大的国家。
这一时期，意大利新现实主义电影在世界电影史上产生了重要影响。新现实主义电影中心的代表人物是意大利电影杂志的反法西斯影评人巴巴·罗桑蒂斯和查蒂尼。来自记者和作家的年轻导演是他们的代言人，主要包括:德西卡、罗西尼、维斯康帝、利萨尼、莫切里尼等。他们要求建立一个现实的，流行的和民族的意大利电影。他们的口号是:“把我的老百姓还给我”；把相机带到街上。他们非常重视作品的真实性，尽量把场景和细节拍得具有摄影感和诚意，基本都用外景和实景拍摄；不太注意语法和蒙太奇剪辑；提倡使用非专业演员，演员可以在演出中即兴发挥。代表作品主要有:《罗马11: 00》《自行车贼》《游击队》《警察与小偷》《大地在起伏》《橄榄树下不得安宁》《米兰的奇迹》等。新写实电影的特点是素材多为意大利现实生活的纪实写照。新现实主义电影在20世纪50年代中期衰落，但它对电影艺术的发展起到了极其重要的推动作用。
(六)1960以来，世界电影从突破创新走向多元化发展。
继意大利“新现实主义”电影之后，世界电影史上出现了第三次革新运动。这场电影运动始于法国。自1959新浪潮以来，法国电影出现了一种全新而有效的打破商业电影垄断的方式。新浪潮的口号是不要当大明星，打破明星制，不要花大价钱拍豪华片，要拍贴近生活的电影。这股浪潮已经席卷全球，许多国家出现了新的浪潮。“新浪潮”电影运动是世界电影发展中留下较多成就、影响深远的电影运动。这场以反传统为旗帜，以非理性为基本特征的电影运动，对戏剧电影的冲击更大。电影运动始于夏布罗导演的《美丽的谢尔盖和考辛斯》的上映，以及戛纳电影节上特雷弗的《四百次》和艾伦·雷艾的《广岛之恋》引起的轰动。其电影艺术特点是:影片呈现出全新的风格，意识流和闪回镜头经常被一些创作者使用，情节松散，许多生活事件没有逻辑和技巧地剪辑在一起，表现人物的潜意识活动，缺乏结构完整性。
新浪潮后期电影，现实主义被彻底抛弃，电影陷入疯狂、神秘、颓废的泥潭。其非理性、非情节化倾向越来越严重，导致其很快走向衰落。然而，由于其巨大的势头和敢于突破创新，它在电影史上的影响是巨大的。它不仅确立和强化了导演的中心地位，而且进一步发掘了电影的特点，丰富了电影的词汇，推动了这一时期电影的全球化发展，真正形成了电影题材的多样化、电影风格的丰富化以及电影潮流和流派的多样化和个性化。
在此期间，世界电影工业有了很大发展。甚至拉丁美洲、远东、阿拉伯世界和黑非洲的电影也取得了长足的进步，而在过去，巴西、阿根廷和墨西哥在世界电影史上占据了一席之地。在此期间，有了新的发展，智利、古巴和玻利维亚的电影也是如此。这一时期，香港电影发展到充斥整个中南亚电影市场，并影响了整个大陆的局势。所以在这个时期，世界电影已经脱离了过去的四足鼎立，转而向全球化发展。
世界电影的发展有两个名词是必须要讨论的，一个是好莱坞，一个是奥斯卡。
如上所述，好莱坞电影城在1913年开始初具规模。事实上，当摄影师托马斯·博森斯(Thomas Bossens)和导演弗朗西斯·博格斯(Francis Boggs)于1908年来到这里拍摄《基多山伯爵》(Mount Kiddo)时，这里只是美国西海岸洛杉矶市郊的一个小村庄。这个小村庄因其美丽的风景而被称为好莱坞，意思是常青的橡树林。
自1913成立以来，先后有派拉蒙、米高梅、福克斯、环球、华纳等大型制作公司，在全球范围内主导着电影的制作和电影的发行与发行。同时，它也吸引了世界各地的导演和演员在那里拍摄电影和表演，使其成为美国繁荣的电影城。
好莱坞是美国电影制作的主要基地。有人统计，制作的电影可以分为75种类型，其中有我们熟悉的侦探片、西部片、音乐剧片、喜剧片、惊悚片、科幻片、抒情片。这些制作公司对电影进行了大量投资，使电影业成为美国的一个大规模产业，成就了世界电影的霸主地位。
好莱坞电影都是以票房价值收入为导向的。制片人关心的是如何赚更多的钱，要求“把灯放在有钱的地方”，“把镜头对准观众崇拜的面孔”。所以好莱坞电影一般都能在商业上取得巨大成功。这些电影很有戏剧性，编织了各种人在各种生活中的各种经历，结构紧凑曲折，人物复杂独特，情节上常常有误会和巧合；传奇而浪漫，具有极大的刺激性和观赏性，能满足娱乐的感官体验和心理需求。
第一部根据大仲马原著改编的默片《基督山伯爵》，拍摄于1908年好莱坞荒野中搭建的简陋棚子里。有人把1913作为好莱坞的奠基年，当时派拉蒙在好莱坞建立了一个工作室，当时美国伟大的导演西博·德米尔来到这里拍摄《结婚》，工作室再次扩建，所以人们会把这一天记为好莱坞的生日。
20世纪三四十年代是好莱坞的黄金时代，这期间产生了很多代表作，比如《飘》、《蝴蝶梦》、《断蓝桥》，还有喜剧大师卓别林的代表作，比如《摩登时代》、《大独裁者》。这些电影不仅被视为好莱坞经典，也为世界电影史增添了辉煌的一页。由此，世界观众开始熟悉那些在银幕上塑造了与众不同的人物形象的明星:卓别林、鲍嘉、盖博、泰勒、劳伦斯、琼·芳登、英格丽·伯格曼等等。
随着资本主义经济的畸形发展，好莱坞也遭遇了各种危机，通货膨胀，制作成本的大幅增加，电视行业的竞争，观众审美标准的变化，一度让好莱坞走向低谷。有些公司亏损了，有些公司干脆多元化经营，把工作室变成了旅游和展览区。直到20世纪70年代，电影人采用了欧洲制片人制度，好莱坞才走出低谷。同时，制片方还引进新的科学技术，创造立体、宽银幕等电影形式；一些厂商与电视化敌为友，让好莱坞成为电视行业的一员，也因此让影视行业繁荣起来。
至于奥斯卡，众所周知，每年的三四月份，太平洋之滨的美国名洛杉机音乐中心的电影明星们齐聚一堂，他们出席在美国电影艺术与科学学院举行的奥斯卡颁奖典礼。这个一年一度的颁奖典礼不仅是美国电影界的盛事，也是世界电影界的盛事。
在美国，最著名的电影艺术奖有两个，一个是外国记者颁发的金球奖，一个是奥斯卡奖。相比较而言，金像奖更被人们津津乐道，因为这是美国电影界的最高荣誉。一旦它占了先机，它将价值百倍。所以这个奖项的竞争是相当激烈的。
奥斯卡奖为什么取名“奥斯卡”？这还得从金像的设计说起:金像的造型最初是米高梅的艺术家塞德里克·吉姆斯(Cedric Jims)构思的，后来由年轻雕塑家乔治·斯坦利(George Stanley)于1928年制作。这座金像的主体是一个站在胶片上的男人，手里拿着一把武士的剑。他长34.5 cm，重3.45 kg，材质为铜基合金。因为雕像是金色的，所以被称为金质奖。它在1931被命名为奥斯卡，而金像奖的颁发纯属偶然:颁奖前夕，评审团成员正在一起评论金像，当时的文理学院图书管理员玛格丽特·赫里奇忍不住大喊:“啊！他真的很像我叔叔奥斯卡。”于是，文理学院的工作人员把金像称为奥斯卡，这个名字也就名扬天下了。