谁知道油画的工具？
(1)画盒。用于存放颜料、画笔、调色板和混合剂等绘画材料的工具箱。大部分是木头，有三个可伸缩的腿，用于室内绘画和室外素描。
(2)画架。用于固定框架。根据画家需要，室内画架可以使画面上下移动；折叠式画架用于野外写生。画架也可以与图片框或桌子结合在一起——图片框画架。
(3)画一张表。在室内作画时，用来放置调色盘、颜料等器皿和物品。专业画图桌的功能很多，能自由移动和调节高度的那种最好。
(4)画一个凳子。室内画凳可调节高度，室外画凳可折叠。还有一个可以上下的梯形画凳，用来画大型油画。
(5)画一把伞。出门写生的时候比较特别，可以遮雨，可以阻挡阳光直射。专用伞通常有固定的设置。
(6)刷。有不同的笔型、大小和型号，分为动物毛和人造毛，用于配色和画面着色。
(7)画刀。有很多种形状。主要用于调色、绘画、刮擦、清洁画板等。
(8)调色板。有长方形和椭圆形两种，用于配色和颜料放置。
(9)油壶。用于盛装彩油、松节油和其他混合剂。底部有弹簧片的小油壶可以夹在调色盘上。
(10)洗笔机。用于清洗或放置彩色刷子。
(11)画一个五线谱。也叫腕子棒。绘画时用来支撑手臂。
(12)布张紧钳。钳口较宽，是拉伸画布的专用。
(13)订购枪支。用来固定画布，类似订书机。有大、小两种钉型，比普通钉书钉略长、略硬。
(14)小锤子和钉子。用于拉伸画布的传统方法。有些小锤子一端有磁性，可以吸钉子。
(15)砂纸或浮石做粉底的时候用来打磨画布。
(16)木炭、铅笔和橡皮擦。用来画草稿。
(17)画板。用于绘制草图或创建。
(18)报纸或布头。用于擦笔或画刀。布头也有擦图的特殊用途。
(19)电动搅拌器。用于制作基料或胶水。
(20)刷子和刮刀。用作画布基底。
(21)加热器。用于制胶或混合剂时加热。
(22)大理石板和研磨杵。用于研磨油画颜料。
(23)镜子。回头看看镜子里的画面，就能发现建模的错误。缩小镜便于观察整体效果，黑色镜片用于观察黑白关系。
此外还有烧杯、瓶子、金属盒、金属罐等容器，以及尺子、剪刀、钳子、卷尺、夹子、天平、铜臼、吹风机、喷枪等。都能派上用场。
一种用透明植物油混合颜料的绘画，在布料、纸张和制成的木板等材料上创造出艺术形象。它起源并发展于欧洲，近代成为世界上重要的绘画。15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在使用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更理想的调和剂。一般认为，15世纪初来自荷兰的画家范艾克兄弟是油画技法的创始人。他们在以往尝试用油溶解颜料的基础上，用亚麻油和核桃油作为调和剂进行绘画，使绘画流畅，颜料在画面上干燥时间适中，在绘画过程中易于多次遮盖和修饰，形成丰富的色彩层次和光泽度。干燥后，涂料附着力强，不易剥落和褪色。他们使用新的油画材料进行创作，这在当时的画坛是很有影响的。油画技术很快传播到其他西欧国家，尤其是意大利的威尼斯。
材料和工具油画的主要材料和工具有颜料、画笔、小刀、画布、清漆、画框等。
①颜料可分为矿物和化学合成两大类。最初的颜料多为矿物颜料，手工磨成细粉，作画时调和而成。到了近代，被工厂批量生产，装入锡筒，颜料的种类也越来越多。颜料的性质与其所含的化学成分有关。调色时，化学作用会引起一些颜料之间的不良反应。因此，掌握颜料的性质，有助于充分发挥油画技巧，使作品色彩长久不变。
(2)刷子，用弹性适中的动物毛发制成，有尖尖圆、扁尖平、短尖平、扇形等。
(3)画刀又称调色刀，由弹性薄钢片制成，有尖形和圆形之分。它用于在调色板上均匀混合颜料。很多画家也用刀代替笔，直接用刀作画或者在画布上部分形成颜料层和纹理，增加表现力。
(4)帆布(Canvas)，标准的帆布，是将亚麻布或帆布在木制内框上拉伸，用胶水或油与白粉混合，涂在布的表面而成。一般做成不吸油有一定图案效果的粉底，或者根据创作需要做成半吸油或全吸油的粉底。布纹的粗细取决于画框的大小和绘画效果的需要。有些画家用画有背景色的画布，容易形成统一的画面色调，也能在绘画时不经意间透露出背景色。涂底漆后，不吸油的木头或纸板也可以代替帆布。
⑤上光，一般在油画完成干燥后，用清漆覆盖，以保持画面的光泽，防止气蚀和污损。
⑥画框，一幅完整的油画包括画框，尤其是写实性很强的油画。框架形成了观者对作品视觉的边界，使画面显得完整而集中，画中的物体在观者的感觉中向纵深发展。画框的厚度和大小取决于作品的内容。古典油画的外框多为木质和石膏材质，现代油画的外框多为铝合金等金属材质。
油画工具和材料的局限性导致了油画技法的复杂性。几个世纪以来，艺术家们在实践中创造了多种多样的油画技法，使油画材料充分发挥表现效果。油画的主要技法有:
(1)透明叠加法，即在不加白的情况下，用彩油稀释的颜料进行多层次描绘。每层干透后再刷下一层是必须的。因为每一层的颜色都比较薄，所以可以隐约显露出下层的颜色，与上层的颜色形成微妙的色调。比如在深红色层上涂上稳定的蓝色，会产生蓝中透紫的丰富效果，即冷中升温，这往往是调色盘上无法转移的色调。这种画法适合表现物体的质感和厚重感，特别适合生动地描绘人的皮肤细腻的色彩变化，使人感到血液在皮肤表皮下流动。它的缺点是色域窄，制作工艺细致，完成作品的时间长，不容易表达艺术家当下的艺术创作感受。
(2)不透明叠加法，又称多层着色法。绘画时，先用单一颜色画一个大图形，再用多种颜色塑造。暗部往往涂得较薄，中间色调和亮部则层层厚涂，或遮或留，形成色块对比。由于粗细不同，表现出色彩的丰富韵致和质感。透明和不透明的画法没有严格的区别，画家往往在一幅画中综合运用。当表达黑暗或阴影中的物体时，透明的遮盖色彩法可以产生稳定而深刻的体量感和空间感；不透明颜色叠加的规则，容易在暗部之外塑造形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前，大部分画家都是用这两种画法，通常需要很长时间才能做出作品。有的是画了一层后放了很久，等色层完全干了再画。
③不透明原色法，又称直接着色法。也就是说，在画布上做出物体的轮廓后，凭借物体的色彩感觉或画面色彩的构思来进行色彩的铺设，基本上是一次完成，用画刀刮掉不正确的部分再继续进行色彩的调整。这种画法，每一笔蘸的颜料较厚，色彩饱和度高，笔触清晰，容易表现出绘画时的生动感受。19世纪中期以后的很多画家都采用了这种画法。为了达到一次上色后全色层的效果，必须注意笔势的运用，即画法。常用的画法分为平涂、松涂、厚涂。平画是用单向的力度，均匀的笔触，画出大面积的色彩，适合在稳定、沉稳的构图中塑造静止的形体；散画是指笔触根据被画体的自然转折趋势，笔触松散灵活；厚涂层是颜料的全部或部分厚堆，其中一些形成高达几毫米的颜色层或色块，使颜料呈现有趣的纹理，增强其形象。油画作为一种艺术语言，包含了色彩、明暗、线条、肌理、笔法、肌理、光线、空间、构图等诸多造型因素。油画技法的作用是综合或个别地反映所有造型因素。油画材料的表现充分提供了在二维基础上应用油画技法的可能性。油画的制作过程是艺术家有意识地、熟练地掌握油画材料，选择和运用能表达艺术思想的技法，形成艺术形象的创作过程。油画不仅表达了艺术家赋予的思想内容，也展现了油画语言的独特美——绘画。
发展油画的发展过程经历了几个时期:古典、现代、现代。不同时期的油画受时代艺术观念和技法的支配，呈现出不同的面貌。
油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的现实主义倾向。在15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判，产生了关注社会现实的积极诉求。为了逐渐摆脱以基督教经典为题材的单一创作，许多著名画家开始对当时生活中的人、景、物进行观察和直接描写，使宗教题材的作品中包含了明显的现实世俗因素，有的画家对现实生活的描写也比较完整。文艺复兴时期的画家继承了希腊和罗马的艺术观念，即他们不仅注重在作品中描述一个事件或事实，而且还揭示了该事件或事实的前因后果，因此形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。同时，画家还探索了解剖学和透视学在绘画中的应用以及明暗分布在画面中的作用，形成了造型的科学原理。
人体解剖学的应用使绘画中的人物造型具有逼真的准确比例、形状和结构关系；焦点透视的建立使绘画通过构图形成错觉的深度空间，绘画中的景物与现实中的瞬间视觉体验相同；明暗法将画中的物体统一在一个主光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题和其他绘画中追求写实的理念，因为工具材料的限制而无法完善，油画工具材料的表现适合充分体现。所以古典油画经过长期的制作，变成了高度写实的样子。
从整体上看，古典油画是油画语言各种因素综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上又特别注重某一个或几个因素，形成了不同的风格。文艺复兴时期的意大利画家更注重光影的运用。画中景物的暗部被均匀地笼罩在阴影中，明暗界限呈现出柔和的过渡，营造出一种集中而无缝的效果。达芬奇的《岩石中的圣母》是这种风格的代表。同时，尼德兰画家在画作中清晰地描绘了场景的所有细节，场景之间的差异并不是明暗的过渡。r .康平的三叶祭坛画《怀孕通知》详细呈现了室内室外的所有场景。意大利的提香是第1位特别注重油画表现力的画家。他在深色背景上作画，经常使用明度相近、色调略有不同的亮色，形成瑰丽的金色调。透明颜料的反复重叠，浓淡分明的笔触，使色彩与形式有机交融，营造出质感效果。
17世纪是欧洲古典油画快速发展的时期。不同地区、不同国家的画家根据他们生活的社会背景和民族气质，对油画语言进行了不同的深入探索。油画的类型分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等等。油画技法也日益丰富，形成了各个国家和地区的流派。
17世纪的一部分油画强调油画的光感，利用冷暖色彩的对比、明暗强度和厚度层次来营造光感，形成画面的戏剧氛围。意大利画家卡拉瓦乔打破了以往油画中有序和谐的光感效果。他加强了画面上的明暗对比，经常利用画面背景平面的大片暗部来衬托前景中的明亮人物，让人觉得画中的光线很刺眼。西班牙画家埃尔·格列柯(El greco)将风景描绘成斑驳的光影。他不是从明暗这两个道貌岸然的角度来建模的，而是从明暗的间歇分布来建模的。色彩的冷暖也形成了断断续续的连续变化，用笔凝重，色彩层在挤压中相互渗透，给人一种扑朔迷离的效果，有的甚至弥漫着神秘不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把绘画中的光感作为表现人的精神状态的手段。在他所作的大量肖像画中，人物都被笼罩在大片的黑暗部分，只有表达表情的面部、手部等重要部位呈现出明亮的亮度。他在暗部用沉稳的色彩营造出多层的薄涂，让暗部显得深邃，而在亮部用厚画和刀法叠画，营造出厚重的体量感。
同时，笔触的运用也被很多画家所探索。笔触是油画笔用颜料在画布上运动的痕迹。早期的油画，整个画面各部分的颜料层厚度比较一致，笔触均匀，几乎不露笔触。17世纪的画家注意到，笔触的运动是由创作时的心情和情绪节奏所驱动的，画家在绘画时可以产生情绪来控制笔触的运动。笔触的轻、重、缓、急不仅使塑造的形象生动，而且笔触本身也具有艺术表现力。法兰德斯画家P.P .鲁本斯在许多巨幅作品中大量使用蘸有薄而亮的颜色的绘画，顺着人物的身影，留下自由奔放、弯曲的笔触，造成了人物的强劲气势和故事的戏剧性冲突。荷兰画家哈尔斯(Hals)用轻快灵活的笔触画肖像，使肖像充满活力，与他豪迈乐观的性格相得益彰。另一位荷兰画家j·维米尔擅长用珍珠般细腻圆润的笔触描绘房间里的人物，使画面产生一种宁静温馨的氛围。
油画的发展在19世纪有了新的趋势，主要是油画色彩的变化。英国画家j·康斯特布尔(J. constable)第一个直接用油画在户外写生，获得了丰富的色彩感。他在局部区域用微小的笔触将颜色并置，使之混合成更鲜明的色块，画面比古典的棕色调明亮很多。颜色的互补色——色轮两极的颜色并列时可以提高彼此的亮度和强度的原理——后来得到了科学的认可，但康斯特布尔通过观察自然可感知地获得了互补色原理，并在实践中部分地应用了它。他的作品启发了法国画家e .德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主义主导创作，根据当时的历史事件创作大型主题绘画。他把补色关系更多地运用到自己创作的色彩表达中，在画面的很多地方用积极的笔触形成色彩对比，增强了色彩的明度和华丽感，形成了震惊当时画坛的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下写生，认识到景物的光源色、固有色、环境色之间的关系，以及色调在反映时间、环境、气氛，烘托艺术主题，形成画面的意境和情调方面的重大意义。他们的大量山水创作描绘了自然的风、雨、晨、暮等特定的色彩氛围。在此基础上，法国印象派画家对色彩的运用做出了创新性的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，用色光混合的原理解决了油画的色彩问题。c .莫奈、a .西斯莱等画家捕捉外界光景表面的光线变化所赋予的色彩的瞬间印象，以精细笔触的厚重画法并置对比色。他们认识到暗部或阴影不是黑色浓淡的变化，改变了传统的用调和的单一颜色画暗部的做法，用色点把暗部和阴影部分并列起来。由于视觉生理的作用，并置的色点是透明的，从一定距离看趋于冷暖，并形成微妙的过渡。印象派淡化景物的体量感，强化色彩因素。印象派不是靠明暗和线条来形成空间距离感，而是根据色光反射原理，用色彩的冷暖来形成空间。印象派作品从未如此生动传神，这也说明了色彩既是综合的，又是纯粹的表现。
19世纪，出现了艺术思路清晰的欧洲油画流派。油画技法虽然主要体现在艺术主题和内容上，但也有自己的特点。比如新古典主义在油画中注重物体造型的严谨和扎实，符合古典传统的造型规律；浪漫主义围绕悲剧主题，在构图上力求用色彩、笔触、动线营造画中情节的张力；前拉斐尔派注重画中人物心理情绪的表达，很多画面都是由蓝、紫、绿三种色调构成的。现代油画虽然外观丰富，但都具有现实主义的整体特征。它们分别是:一幅油画是艺术形式的统一体，色彩的主色调统一了画面各部分的色彩，局部色彩在过渡和渐变中相互形成和谐的关系，没有孤立的色块；笔触基本上是用来塑造形象的，暴露程度有限，统一在一种或长或短的有序倾向中；被描绘的物体统一在中央焦点的构图中，与真实的视野形成同构的效果。
从19年底开始，西方油画发生了根本性的变化。传统油画狭隘的艺术功能和综合的写实技法已经达到了自身体系的高度饱和，因而在哲学观念和艺术观念的变化中趋于解体。油画不再以模仿和再现自然为原则，艺术家自由建构的油画艺术形象被视为新的现实。艺术家不再通过油画如实地描绘自然，而是以油画为媒介来表达自己的精神和情感世界，通过想象和幻想来建构自己的作品。印象主义之后的三位画家率先抛弃了传统的油画模式。五、梵高奔放的笔触，使厚重明亮的色彩充满强烈的力感，表达内心的情感焦虑。p高更用象征性的颜色和形状构成一幅画面，作品的空间与传统形式相反，带有一种不可描述的神秘气氛。p·塞尚探索了用几何图形来构成艺术形象，创造了一幅丰富多彩的世界图景。他们的作品已经成为油画面貌剧变的象征。(也称为后印象主义)
在20世纪油画中，不同的艺术观念形成了不同的流派，从而制约了艺术形式呈现出多样化的倾向。传统油画技法中的一些因素往往被强化为艺术观念的形式体现，甚至被推向极端，油画的形式语言受到高度重视。比如立体派，无视色彩，以自由构造身体为主；注重强烈色彩状态下平衡效果的野兽派；通过颜色和笔触的无序使用来表达扭曲心理的表现主义；抽象主义，纯粹由色彩的点、线、面构成；以及随意在画布上抛洒、泼洒、滴落颜料的抽象表现主义。近百年来，西方现代油画流派众多，此起彼伏。只要用油画工具和材料作为造型媒介，艺术家就可以创作出任何油画外观。随着艺术概念的不断扩展，油画材料与其他材料相结合，产生了一种不属于某一特定画种的综合艺术，油画也因此在西方趋于失去主体画种的地位。
中国油画是在引进欧洲油画技法的基础上发展起来的。南京两江优秀师范学校，成立于1902，最早成立西画学院，聘请外教教授油画。同一时期，清政府还派遣留学生出国学习油画。65438-0887年，李铁夫留学英美，师从印象派画家。从65438年到0904年，李叔同等人在日本学习油画。另外，还有自费留学欧洲的画家。20世纪20年代末，留学生陆续回国，积极从事油画创作和教育，并以他们为主体组建了各种绘画社和美术社，出版画册，介绍西方油画。就这样，油画直接从欧洲传入中国，间接从日本传入中国，成为中国的一种新的画种。
留学生在不同的美术院校学习，或者跟不同风格的画家学习，使得中国早期的油画看起来不一样。由于油画艺术的社会氛围的缺乏和画家回国后材料的限制，中国早期的油画没有西方油画那样醇厚，表现力也不够丰富。有些作品用油画材料来表现中国传统绘画的内容和造型特点，画面往往显得干涩滞涩，不易长久保存。
20世纪20-40年代，北平艺专、中央大学艺术系、杭州艺术学院、上海艺术学院、苏州艺术学院、武昌艺术学院等培养了一批油画人才。刘海粟、林风眠、徐悲鸿是对教育界影响较大的油画艺术家，他们的作品代表了当时较高的水平。以徐悲鸿为代表的许多画家，坚持以现实生活内容为题材，描绘具体的情节，注重严谨的形体塑造和写实的色彩。他们作品的主题与当时的社会历史背景密切相关，形成了强烈的社会教育意义。有些画家，如林风眠、刘海粟等，注重吸收欧洲印象主义之后各流派的风格，主要通过丰富的色彩和自由的笔触来表达自己对景物的主观感受。画面有很强的艺术形式感，大多流畅轻松。20世纪40年代一些留学归来的油画家深入敦煌石窟等地研究中国古代艺术，画出吸收国画造型和色彩特点的作品。
建国后，中国的油画得到了普及。50年代后期，油画教学和创作受到外来新影响，主要采用俄苏油画模式。在基础工作中，油画技法的特点是:注重刻画一个主光源下物体的效果，以明暗的过渡，即素描关系作为造型的主导因素。颜色表示由于环境颜色的影响而在物体和图像之间形成的色调。一般采用多层绘画，保持暗部的透明和亮部色彩层的重叠，笔触更加宽广明显，形成物体和图像的体面转折和质感。
中国油画主要遵循反映现实社会生活的艺术原则。他在观察生活的基础上，通过写生收集创作素材，形成清晰的意境，通过创造生活场景的某种瞬间状态来体现艺术主题，强调内容的情节性和文学性。画面一般具有写实感的焦点透视，运用明暗、造型突出主体，色调的倾向形成画面的意境，烘托主题。许多基于现实生活和现代历史事实的作品反映了20世纪50年代和60年代上半叶普遍的社会意识，油画技法日益丰富，成为中国画坛充满活力的绘画形式。20世纪60年代末，中国油画从一条狭窄的艺术道路陷入概念化，呈现出单一的内容。很多作品成了当时政治口号的插画，几乎完全丧失了油画的特性。
1979以后，中国油画逐渐正常发展，改变了过去吸收单一油画模式的局面，吸收了西方从古典到现代的各种风格和流派。艺术家们更加注重油画艺术的审美功能，注重油画形式语言的多样化和个性化，从而形成了中国油画的初步繁荣。其中突出的油画风格是吸收了法国古典油画的技法，讲究严谨而艺术概括的造型，细腻的色彩变化和多层次的色彩构成和谐的色调，使作品大气典雅，意境清新。有的借鉴美国的摄影写实主义，用极其精细的笔触，用理性的结构描绘物体。他们的作品取材于现实生活，往往表现出一种冷漠的情绪。更多的画家追求艺术的情感表达，灵活运用油画材料，创作出充满个性的艺术作品。
油画丰富的表现力在发展中越来越明显，是世界上沟通人类情感的重要艺术语言。
我的理解:学油画的人总想中西结合，所以请先学习西方油画技巧，再结合中国画；
学国画的人也想中西结合，所以请先学国画传统技法，再结合西画。
中西艺术是不同的体系。只有当你把两者都掌握到非常高的程度，你才能考虑把它们结合起来。不要为了出名而流于表面。事实上，每个系统都可以是独一无二的。只要努力学习，一门小学科也能大放异彩。不要投机取巧。艺术的最高境界是没有捷径的。