民族(美声)唱法发展之我见。

当我看到《一个声音》的初稿时，我的第一反应是“这本书里一定有令人惊叹的东西”。作者王为民是我的老朋友，中国艺术促进中心的艺术总监。在50多年的交往中，他总是带给我这样的惊喜和意外。

首先，作者明确提出了前所未有的声乐艺术概念“中国传统美声唱法艺术”。作者循着传统美声唱法的发展轨迹，阅读和研究了大量的古籍和古诗词，了解了我国自古以来声乐演唱的辉煌成就，列举了从春秋战国到汉代、唐代、宋代、明代、清代各个朝代、各个时期“传统美声唱法”的代表歌手和优秀歌手数十人。虽然由于科学发展阶段的限制，没有留下音频资料来证明他们的演唱，但历代大诗人、大文人的赞美和描写，记录了从宫廷到民间的喜爱、欣赏和陶醉，可以印证传统声乐演唱的无穷魅力及其在铸造文明中的价值和地位。

更难得的是，作者以现代物理学、声学、生理学、歌唱机理为依据，以意大利美声学派为代表的西方美声学派为参照，阐释、描述、印证了中国传统美声艺术悠久辉煌的历史和精湛的传承，指出其具有独特的民族性和科学性。同时也不避讳其历史局限性，帮派思想落后，各种缺点和不足。

在《易》中，作者根据历史的发展，适时适度地将“传统美声唱法”的研究重点转移到南宋时期出现的传统戏曲艺术上来。经过近千年的发展，在中国这个56个民族有近360种剧种的现代，选择京剧和昆曲作为“传统美声唱法艺术”的代表是非常正确的。但是，今天戏剧舞台上的实践证明，能够继承和代表我们中华民族“本土调”的，是京昆剧！记得40年代初，著名京剧《金少山》在天津中国大剧院演出(当时还没有电声扩音设备)。当时世界著名的男低音歌唱家、俄罗斯歌剧大师夏亚平听了金少山的演唱后说:“这个演员赢得了最好的共鸣。”他是从西方美声学派的角度来评价的，他注重的是共鸣，而不是声音。继之后，邱创立了丘派唱法，尤其是《青出于蓝》。丘派的唱法，由于共鸣位置(共鸣焦点)高，充分调动了鼻腔和头腔的共鸣，能发出宽厚、饱满、高亢、明亮的高音震撼，如著名的铜锤孟广禄、康万生，唱出高亢、高亢的声音，堪称进入了自由的王国。一场演出可以自由方便地唱出几十个高D，获得观众的掌声。用西洋歌剧的男高音唱高C，观众大喊“Bravo！”是一样的。

在世界音乐圈，自欧洲文艺复兴以来，在声乐发展中形成了以意大利、德国、法国、俄罗斯等国为代表的声乐流派，以其具有自身语言和风格特色的演唱方法和作品享誉世界数百年。从20世纪初开始，我们的祖先去欧洲学习音乐和歌唱，带回了美声唱法和歌曲，促进了中国声乐的进步。“美声唱法来自西方”成为普遍共识的结论。文章提出了中国传统美声唱法的历史渊源和成就，使我们了解到美声唱法早在2500年前就在我国出现并取得了辉煌的成就，这将有助于我国声乐界在建立中国声乐学派时坚定自信，确立一条基于民族风格和特色的发展道路。

说到民族声乐艺术，就不能错过北方的民间艺术，也就是说唱艺术。顾名思义，主要是说说而已，但从广大群众喜爱它来看，是因为唱功，欣赏它的声乐演唱之美。如果讲故事，听一遍就够了，但“百听不厌”只能靠歌声的吸引力。以鼓界之王刘宝全为例。他过去学习戏剧。当他发现谭派的声势和影响太大，就转行唱景云鼓，他也是带头的。今天我们听他78转的老唱片，不禁为他的唱功叫好。语言清晰优雅，声音柔和通透圆润。听起来不算高音，但他能很轻松地唱出某个音的高E。而且他嗓音真实，发音清晰，声音从头到尾都是垂直的，没有那种横平、平、挤、压的感觉。此外，金万昌和带着梅花鼓，高，赵和在天津很时尚，他们以优美的嗓音，清晰的语言和充满感情的表演占据了舞台几十年。尤其值得一提的是王玉宝。每次听她50年代的歌声，都会想起那个乌克兰男中音日西强。他是莫斯科大剧院著名的西欧古典歌剧演员。他在《茶花女》中唱出了父亲乔治·阿曼德，在一首劝导儿子的咏叹调中，一口气唱出了16小节，震惊了国际歌剧界，而中国的王玉宝也和他一样。然而，我们永远看不到她伟大的呼吸和努力。从科学发声分析，他们的歌唱状态一定是声带弹性极强，一触即响。他们用深呼吸和小柱子密集支撑高位声音，充分发挥呼吸和共鸣的最大能量。这是中国传统美声唱法的精美范例之一。

30年来，我国声乐界人才辈出，成绩斐然。许多在国际比赛中获奖，占领世界歌剧舞台的中青年歌唱家，实现了我们几十年前的理想。我们的事业在大发展，但在前进的过程中也有不良倾向，应该引起注意。比如重声轻情的现象在中国随处可见。所以在以往的对外交流中，我们经常听到一些国际知名的声乐家、导演、歌手对中国声乐现状的评论，几乎一致认为中国的年轻人到处都有好嗓子，但是情感表达不足。过去，我们经历了学习苏联和俄罗斯学派的阶段。无论是斯塔尼表演体系还是欧洲其他流派，从人物性格和整体表演上都要求演员。就像中戏界的老人，从手、眼、身、法、步入手，把字、神、力、味结合到人物身上，提出要求和要点，从神态、形象、动作上要求演员。既然都叫感动艺术，那么中外表演艺术家的原理和手法肯定是一样的。因为王为民既有传统唱法的知识，又有西方声乐的知识，所以他可以提出传统戏曲唱法中“三位一体”的基本功——“流浪湾”、“喊嗓”、“吊嗓”来与西方美声唱法相媲美。

中国传统美声唱法因为传统戏曲的出现而得到了极大的发展和提高。20世纪，出现了新的歌剧。五六十年代，由于许多优秀剧目受到观众喜爱，剧场艺术剧院非常繁荣，被国际歌剧界誉为世界上唯一普及歌剧表演的国家。80年代以后，出现了一些“外语至上”、“国际标准就是表演原创歌剧”的说法。我很欣赏近年来我们年轻演员表演的古典歌剧。他们(包括合唱团)为加入国际社会和出国演出付出了巨大努力，创造了条件。但是，我对提倡唱原戏还是心存疑虑。在一次和德国歌剧界的座谈会上，我问他们外国歌剧(意大利、法国、俄罗斯等国)唱的是什么语言。他们说:“用德语演唱居多，是为了让大多数观众理解剧情和人物的细腻表演。”。试想一下，像德国这样一个音乐文化水平很高的国家，为了更好地服务于人民，更何况是我们呢！

30年来，流行音乐风生水起，因为年轻人的喜爱，真的是铺天盖地。流行歌曲最大的好处就是容易在群众中流行，被传唱，影响人们的生活。它们让人放松，任何想唱歌的人都可以唱。不像西洋唱法，也叫“制作乐器”。通俗的唱法，只需要用发声本能去掌握音色、性格、音韵、风格。

《不一样》这篇文章虽然不涉及对流行歌曲的评论，但在我的演唱实践中，接触最多的合作明星都是流行歌手。几乎每次见面都有我们没见过面的年轻人，他们唱的很好。流行歌曲占据了巨大的空间和时间，人才数量众多，专业和爱好者难以区分，演唱风格和特点也难以统计和总结。但是有一个指标是可以区分的，那就是语言，可以听得懂，也可以听不懂。流行歌曲最早应该是美国电影音乐引进和影响的。1945抗战胜利后，爵士乐无处不在。经过30多年的改革开放，迪斯科和摇滚乐相继被引入。我注意到，无论时代如何变化，音乐如何发展，有一点是不变的，那就是外国歌手的演唱语言非常清晰优雅，往往具有个人特色，让歌迷们趋之若鹜。只有在这一点上，它有很大的不同。总的来说，艺术表现有两个要素:一是美，二是悟性，美值得欣赏，引起人的向往，净化心灵。

不久前，在一个关于流行音乐发展的论坛上，一位著名音乐人提出了“现场音乐”回归的话题，意思是解决演员假唱后出现的问题，因为电视制作要求尽可能完美。本来电视制作和现场表演是两码事，现在却形成了一种表演模式，在哪里都受欢迎。这样做，是对现场观众的不负责任和不尊重。第二是长此以往，演员可以放弃自己的基本功，毁了自己的前途。目前很少在剧院背景练唱。偶尔有演员上台真唱，却成了大家追问的对象——“真唱吗？”！“现场音乐-剧场艺术”的未来堪忧。

中国是声乐大国。这是一个建立和谐社会，寻求国际合作和共同发展，推动人类文明进步的好机会。我们要发挥自身优势，克服偏见，为声乐事业做出应有的贡献。从易手稿的后记中，我能充分理解和认同作者的心情——科学地、系统地、规范地发掘、整理并建立中国美声学派，是一项极其艰巨、复杂而长期的系统工程，首先要面对的必然是不同认识和观念的争论，所以作者呼吁同领域有志气的人“继续谈下去”...我坚信韩娥“绕梁而行”。