美术史上有哪些著名的作品？
当我们提到历史上伟大的画家时，首先想到的是他的作品。比如说到达芬奇，首先想到的就是《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》。说起贝拉斯克斯，有教皇伊诺森西奥十世；说到德拉克洛瓦，有自由人。有莫奈的《日出印象》，梵高的《向日葵》，毕加索的《阿维尼翁的少女》，格尔尼卡等等。中国的作品，如唐代的《花娘子图》、北宋范宽的《西游记》、郭的《早春图》、南宋梁楷的《泼墨仙子》、清初石涛的《寻奇稿》等，都因为这些不朽杰作的存在和代代传承，而使人们记住了其创作者的光辉名字。
所以，只有名著的出现，才会确立作者作为“名家”的名声。换句话说，只有伟大的作品才能造就伟大的艺术家。
什么样的画可以称之为名画？我认为，作品首先要体现艺术创造力，即画家创新的个人风格和创新的表现手法；其次，艺术的时代性，作品必须反映时代的精神面貌、思想观念或情感诉求；最后，名画名作的形成必须有广泛的社会流传和认知基础。不朽的画作，其影响力可以跨越信仰、种族、时空；其表达的内涵是人类永恒的主题。历代名著虽然诞生的时代不同，但也能引起各个年龄段的人的共鸣。
我们应该承认，一些现代中国画长期缺乏自己的创造力，是因为其创作者缺乏发自内心的“创新、变革、多元、包容”的现代艺术理念。在学习西方艺术方面，无论是古典还是现代，都只是停留在一个程式化的表面模仿阶段。艺术的现代精神在某种意义上可以理解为时代精神的体现。虽然可能会消解传统艺术的既定形式，但在艺术创作的今天，一旦缺乏现代精神，名作的诞生是必然的。在中国现代美术的发展过程中，留下了许多不成熟的作品，但往往被误认为是“杰作”，现在看来是不恰当的。比如徐悲鸿的重要油画代表作《田横五百士》就是一个典型的例子。作品采用了欧洲写实绘画技法。虽然场面宏大，但人物的群体形象在创作过程中都是由单体拼凑而成，因此作品缺乏整体的节奏感和内部关系的呼应，主要人物比例失调，马脚细节笨拙。这些问题暴露了作者造型基础和表现力的薄弱。同样的问题也出现在徐悲鸿的另一幅油画代表作《给我感觉后》。无论是色彩语言的表达，还是空间造型的组织，都属于西方写实绘画的初级阶段，没有创造性，更谈不上发展。所以这类作品虽然是画家自己的杰作，但不可能成为真正有艺术价值、高质量的杰作。
自元代以来在中国盛行的传统文人画，其中许多是文人的即兴创作或水墨画。文人笔下的梅、兰、竹、菊、山、隐逸等题材，不再是自然景物的简单再现，而是一个君子形象的体现，或孤傲，或飘逸，或高洁正直，或淡泊名利。文人写自己的感受，通过描绘景物来表达内心的感受。但由于几百年来主题不变，梅、兰、竹、菊等。，本来就有人文精神内涵，只留下了笔墨技巧的“梅、兰、竹、菊”，画技在画面中反复拨弄，缺乏时代感和创造性。现当代很多画家，如齐白石、黄、鲁等，流传过很多作品，有很强的个人表现风格。但这种象征性的笔墨构成在他们的绘画中不断被复制或移位、拼接，所以主题是一样的，内容是一样的，技法是一样的，思想也是一样的。在人们的心目中，似乎有虾、蟹、树、石等不同的笔墨特征的表达方式，但一直没有落实。
近年来，国内艺术品交易中出现了一个奇怪的现象，即价格不是由作品本身的艺术质量和水平决定的，而是由作者的官职或社会声誉决定的。官位越大(比如有的美协主席、副主席，画院院长、副院长)，名气越大，画价越高，却出不出高质量的艺术品，更谈不上名作。还有一些所谓的“某某王”，以画马、驴、牡丹而出名。作品本身没有创意，形式上抄袭，技法上照搬，还被称为“名家”。还有一些社会上与书画无关的所谓“名家”的游戏或娱乐作品，实际上被称为“名家作品”，误导了群众的艺术欣赏。
在中国现代绘画史上，真正的杰作屈指可数。如李可染以放牛为题材的人物和作品，艺术表现平平，没有大的发展。而他的山水作品《漓江》、《井冈山》，在我看来，是杰作；还有石鲁的《战陕北》。这些作品脱离了传统的笔墨公式，或在山水中加入和强调现代的光色效果，或采用前所未有的题材，创新了中国水墨画的表现形式，因而具有鲜明的时代特征。在当代中国画领域，我认为吴冠中的水墨名作《觉醒》、《高粱》也是名作。虽然很多人对他的艺术有争议，虽然他的作品并不一一优秀，但他的作品不受条条框框或现有风格的限制，能表现真实，既保持了中国传统的人文主义诗歌，又阐释了当代人的情怀和精神面貌，敢于创作，符合时代艺术发展的需要。因此，吴冠中及其作品将在艺术史上占有重要地位，并影响后学者。
一个画家除非创作出真正优秀的作品，否则不可能成为著名的艺术家。现在很多所谓的“名家”能忽悠人一时，却经不起历史的检验。随着时间的推移和人们鉴赏水平的提高，真正的名作会越来越耀眼，而一些伪名家、伪名作肯定会退出历史舞台，保持沉默。