美声唱法的历史发展
在文艺复兴的影响下，歌剧产生了，美声唱法也逐渐完善。佩里根在1600年写了意大利最早的歌剧《达芙妮》和《欧律狄刻》。作曲家的创作使歌剧突破了以往的唱法。歌剧要求咏叹调和朗诵相结合；要求合唱和二重唱相结合；朗诵需要足够的气息支撑，需要明亮优美的声音穿透交响乐，送到听众的耳朵里。歌剧的出现使美声唱法日臻完善。
美声唱法在五四运动后传入中国，并逐渐在我国这片古老的土地上生根发芽。美声唱法无疑对我国声乐艺术起到了巨大的推动作用。中国青年选手在国际声乐比赛中获奖，进一步说明运用美声唱法阐释和表达外国声乐作品的艺术水平已经达到相当的水平。但是如何让中国的声乐走向世界呢？如何将美声唱法的优势与中国的声乐艺术和语言特点相结合，形成中国声乐学派，有大量艰苦细致的工作，需要广大专业和业余声乐爱好者的不懈努力。
在意大利语中，美声唱法被称为美声唱法。当中国开始引进这种唱法时，美声被翻译成“美声”，研究这种唱法的人被统称为“美声学派”。其实美声这个词在意大利语中的真正含义是“完美的歌唱”。我们仔细分析一下，“美声”和“完美唱法”之间的含义并不一致。“完美的演唱”不仅包括声音，还包括演唱的内容以及演唱者的风度、外貌、气质等等。而“美声唱法”很容易理解为一种“声音优美”如其名的唱法。把“完美的唱法”理解为“优美的声音”，用田宇斌老师的话说，这种不完整、不准确的理解，在我国声乐的发展中走了一些弯路。美声在很大程度上被理解为只重视声音，声音高于一切，而忽略了其他方面的学习。导致很多学美声的人在学习和实际演唱中，要么重声轻词，要么重情，甚至有的歌手不仅重词重情，还装腔作势，使得演唱非常感人。
基于以上原因，声乐界曾有人主张将“美声”改为“美声”。其目的也是为了准确理解美声的含义，避免在理解和实践中出现偏差。其实“歌”和“声”是不能划等号的。“声”是“歌”的“载体”，但从来不体现“歌”的内容。在“美声唱法”的称号已经确立的情况下，在名称上大做文章没有什么实际意义。我们可以继续沿用“美声”这个约定俗成的称谓，但关键是如何把美声和我国的歌唱语言结合起来，让歌手既能唱好外国歌曲，又能唱好中国歌曲。
要用好美声唱法，我们还应该了解美声唱法的实际内容和原理。基诺贝奇先生在讲座中关于美声唱法的一系列观点和论述，由田宇斌老师总结如下:(1)美声唱法分部分；(2)美声唱法要求统一的发声区；(3)美声唱法要求元音一致，咬字清晰；(4)美声要求声音连贯；(5)美声唱法要求良好的音乐素养；(6)美声唱法要求声音和情感并重。
以上六点是美声唱法的重要内容，也可以说是六个重要原则。称之为原则是因为学习美声的人必须严格遵守，不可或缺，否则很可能是不完整不完美的美声。美声唱法起源于欧洲，它的出现不仅与欧洲音乐的发展密切相关，而且作为人类文化意识形态的一部分，是社会和时代发展的产物。13世纪以前的欧洲音乐都是单音音乐，其中古希腊的声乐以单音音乐为主，以严格的诗性节奏为主，以独唱、合唱、领唱、说唱、演唱为主要演唱形式。这一时期产生了《荷马史诗》《伊利亚特》《奥德赛》等优秀作品，这些作品由盲人诗人荷马创作，用说唱的方式传唱。可以说这是一种比较早期的声乐形式。随着罗马帝国的不断扩张，欧洲进入了一个长期教会统治的时期，历史上称之为“中世纪”。教会教义垄断了几乎所有的意识形态领域，唱歌也成为各种宗教的附属品。罗马帝国的扩张不仅带来了疆域的扩张，也给音乐界带来了许多来自亚非欧的优秀艺术家和丰富的音乐文化。他们聚集在罗马，使之成为当时欧洲最大的音乐中心。当时教堂唱赞美诗，背诵圣经，成为最早的合唱形式。在教堂用拉丁语演唱宗教相关内容是一种音乐形式，叫做诵经。公元590年，教皇格列高利一世编辑修订了《诵经经经》，著名的格列高利圣咏，实际上相当于在教会中规定了歌唱教义的曲调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严肃穆的唱腔来配合教堂的气氛。圣咏虽然有旋律和朗诵两种，但因为只是单旋律音乐，所以很枯燥。随着发展，演唱者对其进行了一些华丽流畅的“再创造”，形成了一种新的更好的演唱方法。
赞美诗音乐流行的时期，从11世纪开始，出现了一些音乐形式，促进了音乐艺术的发展，丰富了声乐艺术的内容，由于当时手工业和商业的发展，城市中开始出现了宗教音乐的世俗音乐，要求人们用音乐来反映自己的生活和世俗感情。此后，吟游诗人、诗人、民谣歌手等职业歌手相继出现。虽然不能完全摆脱浓厚的宗教色彩，但可以称得上是对宗教音乐的大胆突破。太监歌手促进技能发展。
13世纪中期，欧洲音乐逐渐突破单一声部，开始进入复调音乐时期。声乐演唱也是多声部合唱的形式，由女高音和女低音担任角色，男高音作为圣咏旋律，男低音作为角色。因为古老的圣经格言“女人在教堂里应该保持沉默”，唱歌中的女声被男声取代。这些男孩是被阉割的男孩声乐家，在声乐发展史上被称为“太监歌手”。它们的出现为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大贡献，奠定了美声唱法的基础，在一定程度上促进了歌剧的产生和发展。他们的全盛时期也带来了美声的黄金时代。早在4世纪，意大利就建立了一所专门训练儿童唱赞美诗的歌唱学校。他们遵循古老的格言，禁止妇女在唱诗班唱歌。因为童声会随着年龄的增长而改变音色，唱不出符合赞美诗需求的优美自然的歌曲，所以出现了这种不人道的“太监歌手”现象。他们的声带和喉咙不会随着年龄和身体的成熟而改变。太监歌手同时拥有女声的声带和男性的体质，所以不用假声也能发出悦耳的女声。虽然她们的声音没有真正的女声那么柔和，但她们华丽、轻盈、明亮的音色和宽广的音域却能让观众兴奋不已。在宦官歌手兴起和盛行的时期，不仅女声受到排挤，就连男声也几乎在一定程度上抢占了乐坛的地位。太监歌手在欧洲流行了近两个世纪，学校和教育机构专门培养太监。意大利著名的宦官歌手法里内利和卡法瑞利是宦官歌手流行时期的典范，他们的演唱技巧达到了高超的水平。毫无疑问，他们把欧洲声乐的水平推向了一个新的高度。18年底19年初，欧洲的封建制度开始动摇，人们要求废除这种不人道的唱歌现象。同时，女性也要求冲破封建枷锁，走上舞台。此外，此时的男声也通过“关术”提高了高音唱功，于是太监歌手在18年底开始走下坡路。美声唱法的发展与歌剧的诞生密切相关。如果说宦官歌手的出现奠定了美声唱法的基础，那么歌剧的诞生和发展则从更符合歌唱艺术发展的文化层面推动了美声唱法的发展，歌剧就是在文艺复兴的巨大影响下诞生的。当时的作曲家如佩里、卡奇尼、蒙特威尔第等。，他们在歌剧创作中为了模仿希腊悲剧的朗诵，将旋律与歌词、情感变化、语言起伏紧密结合，在歌剧中主要起到展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了每个角色用自然的声音演唱自己段落的宣叙调演唱形式。为了让宣叙调的演唱更像古希腊人在广场上的悲壮朗诵，我们不能用童声和声音微弱的假声，而需要用一种气息支撑充分、声音共鸣丰富、饱满、清晰、真实、有穿透力的声音。“这些促使佛罗伦萨团成员除了创作还要研究解决怎么唱的问题，于是他们在16世纪爱情歌剧《安菲帕纳索》演唱经验的基础上发展了美声唱法，这种唱法在维基百科三幕中只用于清唱剧”(出自尚嘉祥《欧洲声乐发展史》)。卡奇尼要求用洪亮深远的声音唱歌剧；蒙特威尔第将歌剧音乐进一步戏剧化，写了一段演唱独奏曲和一段感染力极强的咏叹调，让演唱者感到提高自己的演唱能力和技巧是音乐作品良好表现的基本保证。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第一座歌剧院，使歌剧从原来的宫殿和贵族大厅进入了正式的歌剧院，也为各界观众提供了一个很好的欣赏场所。这样，随着听众层次的扩大，欣赏要求也在不断提高，这就必然促使演唱者开始研究、训练和完善自己的演唱技巧，使自己的演唱达到卡齐尼和蒙特威尔第提出的宏大、深远、富有戏剧性的声音要求。于是，很多优秀的歌手，凭借着精湛的唱功和华丽的声线，穿过庞大的乐队“音墙”，清晰地将自己的歌曲送到剧场的每一个角落，征服了观众，使歌唱艺术达到了一个新的高峰。因此，可以说“美声唱法”随着歌剧得到了极大的发展，这是文艺复兴时期音乐艺术中人文思想的表现；它不仅仅是一种演唱技巧和演唱网络，更是某种美学原则和艺术理念的体现。
通过对17世纪欧洲最具影响力的四大歌剧流派佛罗伦萨、威尼斯、罗马、那不勒斯的演唱风格的要求，我们不难看出它们对美声发展的重大意义。
佛罗伦萨音乐学校:佛罗伦萨歌剧音乐学校有一个团。他们突破传统的演唱形式，采用自然的声音。男人扮演男性角色，女人扮演女性角色。在贵族的宫廷里，在文人的聚会上，她们都尽情地歌唱，弗朗西斯科·卡奇尼是当时最早也是最好的女歌手之一。为了再现古希腊人在广场上的悲剧效果，佛罗伦萨小组的成员们开始探索声音和演唱方法。传统的童声或假声已经不能满足现实的需要，提出了一种歌唱要求，强调呼吸饱满，共鸣饱满明亮，吐字清晰真实，音质响亮深远。他们不仅创作歌剧，还不断学习演唱和发声的技巧。因此，随着达芙妮、欧律狄刻等表现隋朝的音乐剧的诞生，代表佛罗伦萨音乐流派风格的演唱要求也应运而生:甜美、柔和、优雅，在自然简单的演唱基础上，以优美的旋律表现隋朝，给人以舒适感。
威尼斯歌剧学派:在17世纪的歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧学派，奠定了早期意大利歌剧的基础。如果说佩里和卡奇尼是歌剧音乐的创始人，那么蒙特威尔第就是戏剧音乐的创始人。可以说，歌剧诞生于佛罗伦萨，发展于威尼斯。蒙特威尔第创作的宣叙调增加了乐队伴奏的比重，丰富和烘托了独奏的气氛。他的第一部歌剧《奥Flo》和佩里、卡奇尼的《朱丽叶契》出自同一主题，他写了一个戏剧性的悲剧效果。在歌剧创作中，蒙特威尔第首次使用了减七和弦，大胆使用了转调和半音阶，在乐队伴奏中，首创了弦乐器的拨奏和揉捏技法。威尼斯音乐学校使歌剧走向社会，并使其走上了“花腔”之路——花腔唱法。他们追求华丽的唱功和音效，以精湛的唱功出现在舞台上，引起阵阵狂热。这种戏剧性的朗诵和咏叹调，让美声唱法的演唱更有表现力。
罗马音乐学派:作曲家卡瓦里·艾尔原籍佛罗伦萨，后定居罗马，成为罗马著名作曲家，罗马音乐学派代表人物之一。歌剧，一种体裁，已经成为罗马音乐学校的宗教附属品。卡瓦里·艾在宗教氛围的包围下，创作了歌颂封建道德的寓言歌剧《灵与肉》。以他为代表的罗马乐派的歌剧创作，虽然在题材和形式上模仿了佛罗伦萨乐派，在唱腔上局限于宗教风格，但也有自己的特色，在舞台布景、装置、服饰上追求丰富豪华的场面。
那不勒斯学派:17世纪下半叶，意大利歌剧被那不勒斯学派取代，这也为贝尔坎洛的演唱提供了更广阔的天地。包括a .斯卡拉蒂。斯卡拉蒂是一位才华横溢的作曲家和歌手。他的歌剧具有突破性，使美声唱法进入了一个新的发展阶段，并逐渐形成了那不勒斯的美声风格:注重清晰度、优美的音质和华丽的押韵效果。同时，他还为社会培养了许多教授美声唱法的老师。
美声唱法是一种高超华丽的唱法，它借鉴并融合了圣歌和太监。随着歌剧的创立和发展，美声唱法逐渐成熟和完善，成为一种科学的声乐体系。它能在世界声乐史上达到辉煌的顶峰，靠的是严格准确的技术要求和训练，靠的是感人的声乐作品和优秀歌手的高超技艺。由于美声唱法的演唱方法和风格，很快被欧洲各国的声乐表演和声乐教学所采用和接受，并在发展中逐渐从地域性扩展到国际性，形成了具有演唱风格、发声技巧、美学原则和教学理论的声乐流派。宦官歌手的衰落，部分原因是大歌剧的兴起。欧洲文艺复兴促使人们冲破封建主义、神学和禁欲主义的束缚，个性得到解放。对青春的热爱成为人们歌颂的主题，资产阶级浪潮强烈冲击着封建制度。19世纪，太监歌手的非人现象逐渐被禁止。18世纪后期，大歌剧的题材大多离不开个性解放的要求和爱情题材的叙述，提倡现实主义的创作方法。所以这个歌剧舞台逐渐改变了宦官作为女性角色的演唱模式，建立了男性角色和女性角色的新的演唱形式，这是欧洲歌剧的一个重大转折。为了实现男高音唱功的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过200多年的教学和几代人长期的实践探索，随着19世纪“蒙面”唱法的出现，男声获得了稳定的高音，这标志着男高音唱功有了质的飞跃，逐渐形成了歌剧舞台上男性角色唱主角的局面。可以说19世纪是男声的黄金时代，无论从唱功的发展，天才歌手的出现，还是大量以男演员为主的作品的出现，都证明了男声在歌剧中的重要地位。
以贝里尼、多尼采蒂、罗西尼为代表的意大利歌剧以及法国歌剧都体现了这一时期的演唱水平，被称为声乐史上美声唱法的“全盛时期”。公元19世纪意大利伟大的歌剧作家威尔第的爱国热情歌剧的出现，标志着歌剧创作的新发展。因为他对咏叹调的成功创作，对声音的要求进一步提高，不仅要求唱功扎实、情感表达强烈、戏剧震撼，还要求表现力、流畅性、灵活性、女人味。以马斯卡尼为代表的现实主义歌剧的唱功达到了一个新的高度。瓦格纳的歌剧注重乐队的配置，增加了乐队在歌剧中表演的分量。因此，为了获得更清晰的演唱效果，演员必须努力提高自己的发声技巧，以增加音量。为了适应不断发展的歌剧舞台，美声唱法在发声技巧上经历了多次飞跃。总之，歌剧的发展促进了声乐艺术的发展，19世纪初，欧洲文艺出现了一种新的潮流或风格，称为“浪漫主义”或“浪漫主义文学思潮”。浪漫主义形成于法国资产阶级革命之后，拿破仑独裁时期。浪漫主义文艺反映了当时欧洲资产阶级和小资产阶级知识分子的思想感情和对社会生活的态度。浪漫主义文艺不仅仅是创作方法和作品风格的问题，更是一个复杂的世界观和艺术观的问题。在音乐创作方面，浪漫主义形成于19世纪初的1920年代。它是由奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家韦伯创立的。(摘自张宏道《欧洲音乐史》)舒伯特的创作有艺术歌曲、交响乐、室内乐等。韦伯主要创作歌剧。浪漫主义作曲家在音乐创作技法上做了许多创新，例如，他们在主题音调中加强了抒情因素，在器乐作品中渗透了音乐音调。至于歌曲的创作，歌词多由名家的诗词组成，充满诗意，注重诗词与音乐的“诗性精神”，要求在音乐中充分表达诗词的内涵。同时强化了伴奏尤其是钢琴伴奏的表演功能和作用，与歌唱形成了塑造艺术形象、推动高潮、揭示歌词意境、表达歌词未完之意的新关系。随着以舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等作曲家为代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起。出现了不同于歌剧咏叹调的艺术歌曲演唱风格。艺术歌曲的演唱虽然也采用美声技术，但由于内容需要，其演唱风格和技术要求与歌剧有所不同。一、艺术歌曲的内容多为浪漫主义诗人的文学杰作。要表现这些诗歌细腻的情感、浪漫的隋调、典雅的风格，就要运用轻声、半音、高音区渐隐等技法，丰富声乐的表现力。二、艺术歌曲通常有钢琴伴奏，在音量上需要控制，与戏曲唱腔的强音形成对比。第三，艺术歌曲也有室内乐的性质，不善于表达戏剧激情，以抒情为主。从而形成了音色多样、吐字清晰、音准细致、含蓄为重、女性化的艺术歌曲演唱特点。正如德国当代最著名的艺术歌唱家施瓦尔茨·科普(Schvarcz Kopp)高度概括的那样，唱歌剧就像用大画笔作画，而唱艺术歌曲就像画“工笔画”，需要非常精细的笔来描绘。以舒伯特为代表的艺术歌曲的出现，也将欧洲歌曲创作带入了一个全新的境界，在欧洲声乐发展中占有重要地位，也形成了与歌剧、教堂音乐平分秋色的局面。随着艺术歌曲创作的繁荣，也出现了以演唱会演唱为主的职业歌手。
16世纪意大利歌剧的兴起，建立和发展了美声学派的声乐技术和演唱风格。19世纪德奥艺术歌曲的兴起和繁荣，不仅产生了与歌剧不同的演唱风格，还产生了许多专门从事艺术歌曲的歌手。可见，音乐创作的繁荣与发展，歌曲创作技法的创新与发展，对音乐表演、声乐演唱、音乐教育都有着非常重要的推动作用。
20世纪的声乐舞台可谓百花齐放，各领风骚，各种演唱风格和流派并存。他们的比赛带来了多种多样的唱法，也是美声唱法日益科学完善的一种体现。