为大家分享西方艺术史(一)
《给所有人的一部西方艺术史》作者蒋勋以时间为纬度，各艺术流派的艺术家及其代表作品为经度，回归历史现场，从史前时期的一把燧石手斧开始，带你一路穿越神秘的埃及、伟大的希腊、辉煌的罗马、辉煌的印象主义...以及地中海周围奇异的现当代艺术。
本书分为三个阶段，将分为两部分来分享。
一:史前至文艺复兴早期的艺术。
1940，法国西南部拉斯科洞穴发现的最早壁画之一。壁画的主题是动物，包括野牛、马、鹿和肖像。
人类为什么要画画？画这些野牛和鹿的目的是什么？直到今天，许多学者都无法探究这些旧石器时代洞穴壁画的创作动机。也许我们可以从中找到人类艺术创作最初的起点。
埃及是人类美术中最早形成“风格”的文明之一。埃及人以非常精确的方式使用线条，具有数学的严谨性和高度几何化的倾向。埃及的艺术风格倾向于建立一个高秩序。无论内容多么复杂，场景多么混乱，情节多么曲折，埃及人似乎总想把它们概括成一个几何符号，有条不紊地排列起来，放置在一个规则的空间里。
埃及艺术与他们对死亡的认知息息相关。埃及人相信人死后还有另一个世界，人们可以在那里继续生活。所以，他们生前拥有的一切，都必须通过绘画和雕塑来复制，带到另一个世界。他们现在看到的埃及艺术大部分来自墓葬的发掘，可以再现四五千年前埃及人的生活信仰。
大约在公元前6世纪中叶，希腊艺术史上产生了这种典型的青年肖像。希腊人称之为Kouros，意思是18到20岁，发育完善。这是什么身体？这个雕塑非常平静舒适，脸上带着温和的微笑，胸部的肌肉似乎随着呼吸而起伏。他全身赤裸，仿佛没有比这身体更完美的衣服；他自信、健康、开朗，从2500年前的希腊一步步走到了我们这里。
为什么希腊人体可以成为艺术史上独一无二的篇章？
当我们凝视希腊人像雕塑时，我们发现创作者并不关心人体的政治地位、权利或社会地位，是富有还是贫穷，是高贵还是卑微，甚至伦理或道德判断，是善还是恶，这些在希腊人体雕塑中都不再重要。希腊人对人体雕像的凝视，简直就是一种“美丽”的凝视，仿佛试图通过这种专注的凝视，将我们从政治、社会、伦理道德的混乱中净化到一种单一层次的美。
在希腊艺术的黄金时代，人体的表现有了更大的自由，这种自由来自于身体竞争的体验，导致了艺术创作和美的更新。公元前450年左右，米隆的青铜原作《掷铁饼者》代表了古典时期黄金时代的到来。
希腊人伟大的史诗和戏剧触及了人类最深层的内心世界，包括恐惧、焦虑、对死亡的焦虑和对灾难的抵抗。也许正因为如此，才产生了《拉奥孔》这样的伟大雕塑杰作——父子受到上帝的惩罚，人体被巨蛇缠绕。人性的悲剧性令人感动。同时，胜利女神和维纳斯都印证了希腊艺术史上最令人难忘的光辉一页。在很多用迂腐的道德来压制身体，用庸俗的禁忌来束缚身体的社会，希腊艺术所提供的人体的自由与健康，是一种值得认真思考的审美启蒙。
罗马艺术，虽然罗马非常推崇希腊文化，研究希腊城邦文明的优雅与崇高，但仍有自己独特的实用主义、粗犷、实事求是的个性特征。当你想到希腊时，你经常会想到神话、史诗和哲学。当你想到罗马的时候，或许更多涌现的是军人和政治家，这是建立国家秩序和纪律的法治精神——罗马法是西方法律的基础。这种务实的个性体现在雕塑上，形成了强烈的现实主义风格。
罗马人口众多，需要有严格的规划。为了解决人口密集地区的问题，罗马的公共浴场和城市广场空间为西方现代大都市的形成树立了最早的典范。当然，罗马最著名的公共建筑是斗兽场。这个巨大的圆形空间可以同时容纳5万人，可以说是现代城市必备穹顶建筑的鼻祖。庄严雄伟，有野兽与人搏斗的血迹，罗马的光辉不朽，仿佛还在这个巨大的圆形空间里回荡。
早期基督教艺术中的基督是一个抽象的概念，它代表着生命，代表着对美好事物的追求，代表着对美好声音的布道。起初，画家不知道如何表达嫉妒的样子，所以他用希腊音乐之神Flo来弹琴和演奏音乐。在艺术上，他们视对方为异端邪说，找到了一个* * *的美好象征。
而基督教不重视肉体的存在，强调禁欲，摒弃感官。久而久之，对于主要表达身体之美的希腊“圣像”，自然感到格格不入。拜占庭艺术兴起后，圣像找到了自己独特的面孔。圣像是拜占庭艺术的主体，圣像存在的目的不是为了唤起人们的视觉美感，而是为了唤起信徒心中对圣人的记忆——记住他们说过的话，做过的事。所以图标逐渐统一，总结成固定的符号。
持续了1000年的中世纪，以基督教信仰为中心，发展出了西方艺术史上独一无二的艺术形式。中世纪艺术的主题是基督教信仰，艺术不是最终目的。最终目的是掩恶扬善，宣扬教义。当时的工匠本身就是信徒，他们都能够在作品中嵌入虔诚和敬畏，这使得中世纪的艺术完全不同于希腊和罗马的外在美，而是不断向人们展示谦逊和虚心的朴素信仰的力量。
基督教信仰，不断追求向上的精神升华，从罗马的教堂形式就是向上发展的塔尖，逐渐形成越来越高耸的圆顶和塔楼。12世纪后，哥特式建筑出现，竞相以向上发展的结构形成欧洲广大地区大教堂的特征。
哥特式建筑的特点是向上的垂直结构。起初，罗马圆拱升级为尖拱。为了巩固尖拱向上的力学稳定性，将尖拱交叉形成“横肋拱”以增加高度。著名的哥特式建筑有沙特尔大教堂，建于1134-1216，圣马丁教堂，建于1387，约163-65438+。
只是被宗教神权所笼罩，个人的现实追求和个人的肉体欲望被压抑了很久，渴望新的解放。意大利14世纪前后，理性的觉醒开始萌芽，形成了伟大的文艺复兴运动。
文艺复兴早期的艺术注重人的觉醒，用科学的视觉分析取代了旧的神学形式。圣方济各从一个普通人开始思考生命的真正意义，因为他参加了战争，看到了人们的出生和死亡。他改革了人们的生活方式，他们使用的语言，以及他们对上帝和自然的看法。上帝不再是至高无上的权威。上帝存在于春天盛开的树木中，存在于鸟儿歌唱的声音中，存在于流水中，存在于任何地方。上帝是人们自己热爱生活和美好事物的心灵。
弗朗西斯在宣扬平凡事物，呼吁人们内心觉醒时，取名圣方济各。许多画家用他的故事画壁画，这些壁画大多成为文艺复兴时期最早的艺术作品。
最著名的是乔托。乔托活跃于14世纪上半叶。他被称为“绘画之父”，其中许多是关于描绘圣方济各的故事。当乔托画《圣方济各的故事》时，他让圣方济各拥有了一个真正的人体。他不再仅仅是一个神，而是一个有血有肉的人。乔托让他作品中的所有圣徒都变成了真正的血肉之躯。乔托用光影的方法使人的身体从明暗上形成对比，也产生了体积感和重量感。乔托还重视描写背景，人物背后的山丘、树木、草原，有层次，有空间感。也可以说，他是文艺复兴时期第一个用“透视”的方法创造画面远近效果的画家。
文艺复兴艺术关注人的觉醒，用科学的视觉分析取代了旧的神学形式。乔托是第一个用人体解剖和空间的视角处理绘画问题的先驱，这是他获得“绘画之父”荣誉的主要原因。
二:文艺复兴的鼎盛时期到法国大革命前期洛可可艺术的终结。
意大利词“1400”一直处于1400年的时代，这一时期人文艺术全面繁荣。这100年产生了伟大的政治家和哲学家，产生了伟大的文学艺术作品；这100年激发了人们惊人的创造力，如达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等，他们树立了400多年的人文主义典范，奠定了西方艺术创作的永恒基础。
这100年被称为历史上的文艺复兴，意为“重生”，仿佛沉睡的人文精神在漫长的中世纪后再次苏醒。似乎经过了漫长、寒冷、黑暗的冬天，春天又来了；仿佛在漫长的停顿和死亡之后，生命重生，欢乐和光明重返人间。
长期以来，出生一直意味着耶稣基督的诞生，但出生是否有其他含义？每个人都应该对自己生命的诞生有一种特别的感恩和祝福的心情。当时希腊神话被重新翻译，重新阅读。希腊神话中对肉体的赞美和对完美肉体的热爱感动了很多艺术家。尽管教会仍然有许多严格的限制，并将希腊诸神视为异端，但美丽的童话呼唤着人们对美的热爱。爱与美的女神维纳斯的诞生从大海的波涛中浮现，画家情不自禁地画出了传说中的美丽场景。
波提切利开启了文艺复兴的全盛时期。他以希腊异教神话为主题的《维纳斯的诞生》打破了基督教的禁忌，大胆描写女性裸体。他想赋予肉体重生以意义。
列奥纳多·达·芬奇是文艺复兴时期的典型天才。他的天赋不仅仅是绘画。他精通建筑学、解剖学、化学和流体力学。他用最早的人类飞机和潜艇做实验，设计水坝和桥梁，对植物进行独特的观察。达芬奇用理性的科学观察一切，打破了神学的权威，暴露了隐藏在神学背后的知识的具体力量。他研究古希腊的人体比例，试图找到最完美的人体形态。
他逃避了教会的禁令，躲在墓地里。他用非常科学的方法解剖了30具人体，用精细的绘图和注释记录了静脉动脉的不同，对心脏不同心房和心室的认识，女性子宫的结构，以及消化系统、呼吸系统，甚至大脑的组成。他是现代解剖学、病理学和医学的先驱。
如果说达芬奇是文艺复兴的巅峰，那么米开朗基罗就是这座巅峰上最前沿的岩石。达芬奇冷静而神秘，带领人们进入一个深邃而宁静的世界，而米开朗基罗则充满激情。他就像咆哮的风，汹涌的海，让人在他的作品中体验到巨大的生命震撼。米开朗基罗首先以他的雕塑而闻名。23岁时，他为基督刻丧，这为他赢得了大师的地位。二十六岁时，他受家乡弗洛伦卡市政厅委托，雕刻代表城邦精神的大卫像。他表现出对希腊男性阳刚之美的迷恋。
米开朗基罗大约三十岁，奉命为梵蒂冈的教皇朱利叶斯二世绘制西斯廷教堂的天花板。米在画中运用雕琢的立体光影处理人体，令人仰视，犹如旋风风暴，震撼人心。这部作品开发了隐藏在他内心的惊人创造力，为人类创作树立了不朽的典范。
米开朗基罗活到89岁，一生创作丰富，气势磅礴，表现出男性的勇气和雄心。拉斐尔比米开朗基罗小8岁，却英年早逝，只有37岁。
他更在乎绘画本身，他的作品带给人们很多纯粹的视觉快感。达芬奇和米开朗基罗都触动了人们的内心。他们更像哲学家或思想家，揭露生活的不安。另一方面，拉斐尔是纯洁无辜的。似乎没有太多生活激情的刺激，性格温和平和。他的作品精致完美，为文艺复兴树立了典范。
威尼斯学派？如果说中国的文艺复兴是建立在稳定的工业基础上的人文传统，那么威尼斯则更多的是幻想，更多的是情感的神秘和浪漫，更多的是现实的欲望，更多的是多姿多彩的展示。
贝里尼应该是第一个领导威尼斯画派的重要人物。他向北方日耳曼画家丢勒学习油画技巧。油画的光泽、色彩和细腻的质感赋予了威尼斯画派一种精致的美感，而威尼斯画家对自然的独特兴趣也在一些以宗教或神话为主题的画作中加入了风景描写。
由贝里尼开创的威尼斯画派与乔尔乔内、提香一起形成，并逐渐确立了欧洲绘画的主流地位。
维纳斯是威尼斯画派最喜欢的题材，但通常维纳斯被放在自然风景中处理，说明她是天上的神，而不是地上的女人。提香著名的《乌尔比诺的维纳斯》是欧洲艺术史上第一幅邀请女神进入卧室的画作。在维纳斯的神话寄托下，提香赞美的不再是女神，而是来自富商家庭的新婚少妇，洋溢着甜蜜幸福的生活。画中的女人在享受和满足上更“人”，不再梦见上帝。
北方文艺复兴，北方一般指当时的欧洲文化中心，意大利以北的地区，包括日耳曼地区、比利时、荷兰，以及当时尚未建国的其他荷兰地区，包括法国的一部分。
北方画派，尤其是荷兰的佛兰德斯画派，特别擅长用细腻的油画技巧描绘生活的现实。范·艾克是最具代表性的人之一。他通常被认为是西方油画技法的最早创始人。
北方画派的博斯是20世纪超现实先锋派运动的鼻祖。他以悲悯之心，哀叹人性的变态和堕落，审视人心中的欺骗、残忍、欲望的沉沦和贪婪，提供了一个完全不同的视角来看待人性。
勃鲁盖尔的部分画作与博斯的相似，同样以《失乐园》或《天使的坠落》为题材，画出人性多变的超现实噩梦。但他对世间普通人生活的描写更多，比如“农民的婚礼”，农村百姓的庆典和杯盘，从厨房端出来的热汤，充满了民间生活朴实真实的一面。
西方艺术的传统，就意大利文艺复兴而言，侧重于讴歌希腊诸神和基督教圣贤，普通人很少成为绘画的主题。勃鲁盖尔不仅以“人”为主题，而且避开了贵族商人的形象，选择了土地上生活最少的普通人作为主题。他为普通人的传统树立了榜样，也为19世纪后兴起的现实主义奠定了基础。
15世纪前后，欧洲艺术的中心仍在意大利，文艺复兴的伟大成就让北方艺术家充满向往。丢勒是第一个画自画像的画家，丢勒是第一个融合南北画派的画家，丢勒是第一个直接在自然景物上写生的画家，丢勒是第一个制作版画集的画家。
他以北方画派严谨的科学精神，融合了意大利文艺复兴时期的美学和崇高的古典美学，使原本支离破碎的地域画派融合在一起，这也预示了下一阶段欧洲国际风格艺术的出现。
假装，代表人物有格列柯和卡拉瓦乔。
格列柯的许多作品都与宗教有关，用拉长和倾斜的线条处理人体。宗教圣人在黑云流云的映衬下，仿佛无限惆怅，以悲悯之心看待人间疾苦。格列柯打破了文艺复兴时期的古典平衡对称，吸收了威尼斯画派的对角线构图，加强了明暗对比，使画面散发出神秘的光芒。人体不再像真正的身体，而是漂浮在天空，更像虚空中的灵魂。
格列柯把运动从文艺复兴改到了世俗，回到了古老的中世纪宗教，试图从内心最深处寻找信仰的纯粹虔诚的力量。
卡拉瓦乔只活了39岁。他一生混迹于平民之中，见过赌博和贪婪，见过生活的滥交和残酷，见过普通人为了一点鸡毛蒜皮的小事大打出手和争吵。卡巴乔沉思:什么是“人”？
他依恋美人，美丽而青春的少年，把他们打扮成古希腊的神，拥抱丰富的果实，或者头上戴着花和叶的皇冠，手里拿着乐器和葡萄。卡拉马乔沉迷于这个世界上的美少年的青春肉体，同时也看到了肉体的退化和腐朽。他用极其娴熟的笔触描绘了青春背后的空虚，就像那些丰硕果实上的斑点，被虫蛀后开始腐败。(注意下图烂果)
卡拉瓦乔依恋青春，却看到了腐败，依恋物质，依恋美好，却暴露了丑恶，渴望重生，却看到了死亡。他沉溺于情欲，犯罪，杀人，逃亡，带着隐藏的孤独，看到了自己生活的堕落，贫穷，精神的失意。
他看到文艺复兴的大师们，都在歌颂成功和崇高，歌颂传统中的大卫。卡拉瓦乔的大卫是一个英俊的少年，另一只手握着刚刚被砍下的失败者的血淋淋的头颅，而重伤孤独头颅的正是卡拉瓦乔本人。他颠覆了美，让自己尴尬，让自己丑陋。他绝望地出现在每个人面前，毫不掩饰自己的失败和悲惨的受伤。
卡拉瓦乔背叛了崇高、庄严和美丽。如果每个人都认为自己是一个成功的，英俊的，聪明的，正义的大卫，卡拉瓦乔苦笑，那么谁是被大家打败的，丑陋的，侮辱的，唾弃的巨魔歌利亚？
卡拉瓦乔把自己画成歌利亚。这是西方艺术史上第一幅以叛徒身份出现的自画像。他为现代西方艺术找到了新的起点，走向自我解剖、自我暴露、自我救赎。
他以丧失道德的傲慢姿态站在了历史的巅峰，与人们习以为常的伦理道德发生碰撞。它颠覆了传统，让生活回到了被拆解的状态。他只能看到自己的脆弱、欲望、贪婪、堕落和绝望。他写下了自己无法挽回的罪行，他没有去大家向往的天堂。他流着泪，独自走向燃烧的地狱。
巴洛克运动，在16世纪，全欧洲的教会都怀疑原始基督教贫穷朴素的精神已经被扭曲，以梵蒂冈为中心的教会掌权，成为争夺权力和财富的利益集团。不同形式的宗教改革在各地发生，与此同时，人民的理性知识上升。伽利略、哥白尼等科学家研究宇宙天体，使《创世纪》中教会的神学体系松动瓦解。新航线的发现使冒险家们能够通过航海证明地球是一个球体，这也导致了地理大发现。
在整个17世纪，旧教会势力试图维护和巩固自己的利益，发动反宗教改革。另一方面，人们的理性思考和质疑精神开始确立新的审美思维方向。多元价值观共存于新旧交替冲突的时代，在建筑、雕塑、城市景观规划、绘画等方面都发生了全面的质变。这场贯穿17世纪，甚至延续到18世纪的欧洲艺术运动，被称为“巴洛克”。
巴洛克这个名字在整个欧洲都在使用，但它在每个地区都产生了不同的巴洛克形式。代表人物有意大利的贝尔尼尼、鲁本斯、西班牙的贝拉斯克斯、荷兰的伦勃朗和维米尔。
贝拉斯克斯最著名的《宫娥》，以他一贯的方式，利用镜子反射的空间，一方面记录了他为国王和王后画像的场景，另一方面描述了年轻的公主和她的护卫突然闯入画面的偶然事件。
贝拉斯克斯利用多层次的空间视觉产生极其丰富的效果。画家自己在画。他拿着调色盘和笔，国王、王后和公主都成了他的模特。画家意识到自己才是创作界真正的王者。他不再是顺从世俗权力的皇家画家。他为创造者找到了独立的存在意义。《宫娥》是西方艺术史上不朽的杰作，不断激励着后来的创作者，比如20世纪的毕加索，在这部经典中寻找现代前卫创作的一切先进元素。
17世纪，经过长期的西班牙殖民统治，荷兰终于在长达80年的独立战争中获得成功，成为一个独立的国家。在这种背景下，荷兰的巴洛克并不在于上帝和宗教的主题，而是他们相信人自身的劳动力。绘画不再依附于宗教，也不依附于宫廷，画的是回归他乡的人们的心，歌颂生活。画家描绘自然风景、市民肖像和人物拥有的材料。山水画、肖像画、静物画兴起，取代传统的宗教或历史画，成为荷兰画派对西方艺术的最大贡献。
伦勃朗是17世纪荷兰画派最典型的巴洛克画家，也是近300年来西方艺术最具影响力的绘画大师。他最重要的作品《夜间巡逻》曾经描绘了阿姆斯特丹的民兵游行，画面巨大，人物众多。但伦勃朗打破了当时荷兰集体肖像画的刻板方法，使画面中人物众多分散，视觉景深丰富。画面中央的科克船长左手向前伸，前缩后画，使平面画出空间，产生前进的动力。
伦勃朗继承了北方画派画自画像的传统。他从23岁开始记录自己的样子，通过冷静客观的方法，仿佛是镜中的另一个自己，看着自己从青春走向成熟，从成熟走向没落，从青春旺盛走向老年。伦勃朗一生创作了近百幅自画像，成为西方艺术中对自己最严格的肖像解剖。
伦勃朗的巴洛克绝不是宗教和宫廷的虚荣，而是用最厚重的方式描绘了生活的现象。它在凝练的冷静中蕴含着饱满的热情，从绝对精准的写实技巧发展到丰富酣畅。他让绘画得到创新和颠覆，也让绘画成为他悲剧人生的最后救赎。
弗米尔一生作品不多。目前流传下来的30多幅作品，篇幅不大，题材多为女性——她们或在读书、缝纫、日复一日准备早餐，或在读信。他们在平凡的生活中没有强烈的情绪，只是过着平凡而真实的生活。
巴洛克其实是一个价值观多元的时代。伦勃朗和维米尔各自以自己的方式完成了自我，提供了不同方向的美学思考。西班牙、比利时和荷兰的巴洛克风格也因其特殊的环境而产生了不同的审美风格。巴洛克是一个大的主流方向，但不影响本土文化独特的、自我形成的风格。
17世纪巴洛克时代，法国出现了杰出的平民精神画家拉图尔。拉图尔用极其写实的笔触描写了平民百姓的生活，描写了平民百姓的戏谑、赌博、诈骗或盗窃。他用略带嘲讽的眼光看着人性的小欺骗和坏欺骗，或开始盗窃别人的财物，或在卡牌游戏中作弊，以冷静写实的笔法处理，却突出了人物的伪装表情，充满了戏剧性。
洛可可艺术，法国大革命前的宫廷主流艺术，崇尚丰富、华丽、繁复的装饰风格。代表画家是华佗，他有许多宫廷装饰的地方，以古希腊女神的身体为题材，色彩鲜艳艳俗，男女都爱纵情享乐。
洛可可的情欲之美和快感之美最典型的表现应该是鲍彻。他画了很多以宫女为题材的画，主要是想象中的东宫后宫嫔妃，她们赤身裸体地为男人服务，淫荡、俯卧，还有一些东方的丝绸首饰，在虚幻的异国情调中吹嘘女人的情欲。他的绘画技法精湛，色彩明快，情感煽动，是典型的洛可可风格。
在洛可可艺术的同时，夏尔丹发展了一种完全不同于洛可可时尚的绘画风格。他以平民生活为主题，描写了地窖作坊里辛勤劳作的仆人，用平静的笔触写出了他们的劳动生活，使人想起了17世纪西班牙现实主义的平民传统。那些装满水的木桶，那些等待清洗的陶罐瓦罐，都呈现出生活简单真实的一面。夏尔丹将注意力转向了厨房，画了一些日常用品的主题，比如一块熏肉、一瓶橄榄油和一些糖罐，这些都凸显了平民生活的真实性。
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