描述早期意大利歌剧创作

由于前几部歌剧的成功，歌剧很快从佛罗伦萨传播到罗马、威尼斯、那不勒斯、意大利，并逐渐流入欧洲各国。自诞生以来，就成为王公贵族的宠物，发展迅速。到了17世纪，几乎所有的音乐家都非常重视歌剧创作。黎明时期的戏曲多为白式的戏曲，旋律单一，表演基本局限于宫廷，在文化娱乐和享受方面成为王公贵族的特权。

罗马歌剧:

在达芙妮和欧律狄刻之后的30年里，只有少数歌剧在佛罗伦萨上演。歌剧的中心开始转移到罗马。

罗马歌剧的主题以神话寓言为主，宗教色彩浓厚，舞台艺术追求奢华丰富的效果。罗马歌剧早期的主要作曲家是佛罗伦萨艺术集团的卡瓦里·埃利(1550-1602)。

他是卡梅拉塔协会的成员，是一名多才多艺的舞蹈设计师和外交官，也痴迷于歌剧创作。1600年创作了歌剧《灵与肉的表达》，在罗马上演。这是一部道德剧，用寓言的方式宣扬宗教思想。以抽象的“灵魂”与“肉体”的斗争和寓言宣扬宗教道德为主线，这部剧篇幅最长，配乐最全，是适合演唱特点的宣叙调。这首介于白朗朗诵和演唱之间的曲子，展现了罗马早期新单音音乐的独特风格。

1623年，罗马教皇乌尔班八世在罗马登基，他的上台对确立罗马歌剧在意大利的领导地位产生了巨大的影响。城市家庭支持歌剧的发展。巴·贝里尼王子，厄本八世的侄子，在皇宫1633左右修建了一座可容纳3000名观众的歌剧院，并为歌剧舞台开发了一套管风琴。由于罗马是教廷和皇室的所在地，罗马歌剧崇尚奢侈浮华的场面，可以迎合贵族的利益，满足他们的虚荣心。

这一时期的戏曲多以神与圣人的史诗剧为蓝本。1634年，克莱门特九世(后来的罗马教皇)的Julio Rosspiriosi写剧本，斯特凡诺·温岚作曲《圣阿莱西奥》，在新建的罗马歌剧院的开幕式上演出。该剧描述了中世纪一位罗马“圣人”的故事，主题是宣扬宗教道德。

1662年，多梅尼科·马佐基(domenico Mazzocchi)所写的《阿东之链》(The Chains of Adone)在罗马上演。这是一部典型的“罗马式”歌剧，不仅摒弃了朗诵中过于枯燥的成分，而且使其歌剧前奏成为后来被广泛采用的早期歌剧前奏形式。这既迎合了教会，也取悦了贵族，舞台效果豪华而丰富。晚期罗马歌剧的主要作曲家是路易吉·罗西。1647，他用时尚怪诞的流行素材填充了老题材“奥Flo”。在罗马歌剧舞台上引起了轰动。但由于罗马歌剧题材的局限和贵族化倾向，逐渐切断了与普通大众的联系，在奢华中挤压了自身的生命力，最终慢慢淡出歌剧舞台。到了教皇英诺森十世时期，罗马歌剧日渐衰落，而威尼斯音乐学派却显示出极高的声望。

威尼斯歌剧热:

1637之前，戏曲还是贵族的私有财产。直到1637年，威尼斯建立了世界上第一座歌剧院——圣卡西诺剧院。历史上第一次确定公开演出的形式是在剧院向公众出售多余的票。随着贵族们纷纷效仿，到了17世纪末，人口只有12.5万的威尼斯已经有了十几个专门表演歌剧的剧院，歌剧数量接近400部，演出季节也从狂欢节期间的一个增加到了三个。

从此，戏曲不再仅仅是属于宫廷的戏曲，更是面向大众的戏曲。每当上演一部歌剧，一方面有剧场大厅的主人，歌剧院的经理，音乐诗人，音乐家，歌手，乐器演奏家，舞蹈家，布景师，服装设计师和许多杂工，另一方面有观众:一些已经付钱的人和将要付钱的人，非常热闹。据说现代的歌剧院就是这样诞生的。剧院已经成为一个公共和企业场所。它不再被设想为一个稀有而巨大的奖励场所，而是一个商业运作或娱乐场所，一个盈利的商业场所，一个可以满足自身乐趣的场所。

歌剧的成熟:

17世纪，在歌剧史上，威尼斯乐派的杰出代表蒙特威尔第是一位承上启下的重要人物。蒙特威尔第出生于1567年，比莎士比亚晚三年，父亲是小提琴制造城市克雷莫纳的一名医生。他很小的时候就开始写牧歌，然后去了曼图亚的冈萨加宫，在那里他成为了一名当地的教堂乐师1601。蒙特威尔第早年主要从事田园写作，因而享有很高的声誉。1590年至1612年担任曼图亚公爵的乐师、乐师。在此期间，他创作了《奥flo》(1607)和《阿里安娜》(1608)两部歌剧，是早期歌剧的典型。尤其是奥Flo，他用音乐渲染了气氛和人物的情绪，他的独唱充满技巧，他的二重唱作品具有田园风格。剧中也有很多副歌，听起来非常引人入胜。而《阿里安娜》中生动感人的艺术形象也让成千上万的观众落泪。1612年，蒙特威尔第在威尼斯开始了他的艺术生涯，他在那里生活了30年，直到他76岁去世。在此期间，阿东，埃涅阿斯和拉维尼娅的婚姻，尤利西斯的回归，波皮亚的加冕等。都是他的创新作品。他的最后两部歌剧《尤利西斯的归来》(1641)和《波皮亚的加冕》(16448)其中，《波皮亚的加冕》是最早的历史歌剧之一，讲述了一个妓女嫁给罗马皇帝尼洛的故事。这出戏充满了心理洞察和讽刺。在他的歌剧中，独唱(朗诵、咏叹调)、二重唱、管弦乐队和舞蹈融为一体，为剧情服务。蒙特威尔第认为歌剧的音乐应该表达人类的深刻感情，并与歌词的含义相一致。鉴于他在歌剧体裁中的基础性作用，蒙特威尔第被誉为“现代歌剧之父”。

威尼斯歌剧的主要作曲家是蒙特威尔第的学生皮埃尔·弗朗切斯科·卡瓦利(1602-1676)和安东尼奥·塞斯蒂(1623-1669)。

卡瓦利创作了42部歌剧，这也反映了威尼斯对歌剧作品的需求。卡瓦利的代表作有《泰蒂与佩雷奥的婚姻》(1639)、《狄多女王》(1641年)、《埃格兹·托托》(1643)、《情人埃尔科蒂》(1662)。1649年，他创作了最著名的歌剧之一《吉亚松》，其中

咏叹调和宣叙调在每一场交替出现，充满戏剧感染力。

与卡瓦利的风格不同，塞斯蒂的歌剧更致力于抒情性和装饰性。他努力恢复和发展意大利原有的纯音乐因素，注重优美流畅的旋律，精心雕琢作品。因此，歌剧中的咏叹调得到了发展。塞斯提的主要作品《奥隆泰亚》(1649)长期在威尼斯、罗马、佛罗伦萨、米兰、那不勒斯等地演出，是17世纪演出次数最多的歌剧之一。1667年，他创作了《金苹果》，这是一部具有典型巴洛克风格的宫廷歌剧，是专门为皇室婚礼创作的。它以豪华的场景、抒情的咏叹调和对唱、精湛的笔触、大规模的乐队和合唱团等而闻名。是切斯蒂的代表作。

威尼斯歌剧后期的主要作曲家有彼得罗·西蒙·阿戈斯蒂尼(约1635-1680)和安东尼奥·萨托里奥(1630-1680)。他们试图创造一种流行风格的新咏叹调，并采用了具有表达功能的花腔段落。前者的代表作是《萨宾女人的侮辱》，后者是《阿德莱德》。

17世纪威尼斯歌剧的特征:

蒙特威尔第等人在歌剧创作上的发展和创新，使歌剧从单纯的叙事形式转变为戏剧形式，主题也从以田园生活为故事背景逐渐转变为悲喜剧，加入了更多的日常生活场景。他们将歌剧向前推进了一大步。

17世纪中叶，意大利歌剧在威尼斯基本成型。这些歌剧作品代表了威尼斯歌剧的艺术风格，它们有一些特点:历史剧成为最成功的歌剧；独唱已成为歌剧的主要演唱形式；咏叹调和朗诵是分开的，咏叹调越来越受到作者的重视和听众的欢迎；新美声唱法在歌剧演唱中占据了绝对的主导地位。剧情发展趋于复杂；剧本结构逐渐严谨，一般三幕，每一幕又分几个场景。特别值得一提的是，舞台布景装置基本都是机械化的，可以在移动中模拟海战、风暴、神灵、大象、狮子，还可以升降。威尼斯舞台艺术的一些杰出成就一直沿用到19世纪。

那不勒斯歌剧(正统歌剧):

20世纪80年代，意大利歌剧的中心从威尼斯转移到了那不勒斯。那不勒斯音乐学派的代表人物叫亚历山德罗·斯卡拉蒂。他对所谓“回到最初的咏叹调”的推广是无与伦比的。“回到开头的咏叹调”指的是一首歌唱完前两部分，然后回到开头再唱第一部分——就好像第一遍没唱好，重新开始一样。歌手很喜欢这个套路，因为这是一个固定的重返舞台的机会。有些观众愿意接受，以便再听一遍歌词，加深理解。

斯卡拉蒂(1660-1725)在卡瓦利声乐抒情曲的基础上创造了自由发展的咏叹调，使美声唱法有了广阔的施展空间。声乐独唱水平得到了前所未有的提高，强化了歌剧的主旋律风格(即与复调、多旋律特征形成对比的单一旋律风格)。当时，咏叹调已经固定在A-B的形式——一个重复的三声部体。当第一段音乐素材在第三段重复时，演唱者可以随意添加装饰物和花腔，以显示自己的演唱声音和技巧。斯卡拉蒂的歌剧旋律优美亲切，他选择不同的唱段来表达不同的情感。他在重视人声的同时，重视器乐的独立演奏，采用高度程序化的作曲手法，使情节相似的剧目可以使用同一配乐；它是歌剧《序曲》(也叫《辛福尼亚》)开幕前的第一个器乐合奏，由快-慢-快三个部分组成。他创立的这种典型的歌剧形式被称为意大利歌剧。歌剧中注重人声的特点导致了阉割歌手(幼年被阉割的男歌手，嗓音高亢、华丽、富有弹性)在欧洲的广泛使用，但后来观众并没有认真对待。贵族在包厢里下棋打牌，或者装作什么都不知道。演员也一味地通过技巧来炫耀自己的声音，存在单纯追求“美声”形式而忽视内容的倾向。因此，歌剧失去了作为艺术的价值，最终走向衰落。后来因为剧情千篇一律，单调乏味，观众只听了卖弄技巧的咏叹调，没有听朗诵。

早期作品有罗马写的《无知的错误》(1679)，瑞典克里斯蒂娜女王写的《真挚的爱》(1680)，庞贝将军(1683)。1684年至1702年，斯卡拉蒂担任那不勒斯总督卡皮奥宫的音乐总监，创作了40多部歌剧，包括《皮罗与德米特里厄斯》(1694)、《十之秋》(1697)，后来经罗马和威尼斯回到那不勒斯。他一生写了115部歌剧，大部分是根据历史传说和世俗喜剧改编的。