文人画的历史发展
苏轼第一个全面阐述文人画理论，对文人画体系的形成起了决定性作用。首先，他提出了“文人画”的概念。“看文人画，如阅天下之马，取其所感。但如果你是画家，往往只是在皮草槽里打个盹，看几脚就累了。韩杰真的画了。”(《东坡题跋·宋·韩杰画》)其次，他提高了画家王维的历史地位，表现出将文人画家与职业画家(画师)分开的愿望:“虽吴生妙，犹视画为画者。像仙女一样感谢龙帆。(《王凤祥·魏吴道子画八论》)第三，他提倡文人画的诗情画意，反对画家完全追求形似的画风诗中有画。看图，画中有诗。
从绘画实践的角度来看，苏轼的《枯木怪石》更能显示出他的审美实践。此外，文同的水墨画和苏轼的* * *为文人画创造了“枯木竹石”的题材。在人物画方面，李在鉴赏高、书法、古物方面都有很高的造诣，创造性地将唐代的“白描”发展为简笔画。这种出彩的线条更强调书法技巧和抽象的审美趣味，更符合文人的审美标准。南宋米芾、米友仁创作的《云山墨》和《米颠团》，标志着山水画由简到密的转变，并在元初被高继承和发展，对元明清文人画产生了重大影响。元代文人处境相当卑微，文人放弃仕途，疏于人事。到了宋代，主要作为官方文人业余文化生活的文人画开始转移到反对派文人手中，成为他们超越苦闷生活、回归自然的善良航程。画家心中的风景，体现了画家远离尘世的理想，融入了画家淡泊自然的自由心境，也渗透着无奈的压抑和冷漠。
随着元统治者吸收宋遗民参与政权和文化建设，赵孟頫出现在南北艺术交流中，影响了转型中一代人的绘画风气。如果说苏轼是文人画的积极倡导者，那么赵孟頫就是元代文人画的领军人物。作为艺术理论家，赵孟頫在《宋雪斋集》中倡导"以云山为师"、"画贵古意"、"书画同源"，为文人画的创作奠定了理论基础。董其昌解释说:“赵(赵孟頫)问钱舜举(钱选)怎么能叫士气呢？钱说:“能把画史和画身区分开，就可以不着墨飞，否则就会误入歧途，越干越远。”“又引申为:“文人作画，应以草书之法为依据，树如弯铁，山如画沙，绝不能走甜俗之路，这是为了士气。大家都重视把书法的笔墨趣味引入绘画，素描线条也有文人的飘逸之风。
在元代绘画实践中，赵孟頫和高是元初士大夫画家的代表。崇尚复古，回归唐、北宋传统，提倡用书法的笔法作画，因此，确立了重视神韵、忽视韵律、注重主观抒情的元画风气。元中后期，黄、王蒙、倪瓒、吴镇、朱德润等画家发扬文人画风气，以依托写意为宗旨，推动画坛发展，反映被动隐逸的幽僻山水，以梅、兰、竹、菊、松、石等题材流行，象征崇高、忠信的人格精神。其代表人物倪云林有一套文人画的代表理论:“余谈写胸中逸气，无非是他的悖论，树叶之繁疏，树枝之斜直！”或涂抹久了，别人视麻为苇，仆不能辩竹。真的没人看。”(倪瓒:《中国张仪画竹》)典型的文人山水画风格就这样形成了。明初画家分为两派:一派忠于宋元文人画传统；另一派是复古派，即明初复兴的皇家画院中继承南宋“马霞”庭院山水画传统的戴进、吴伟等人。但以“吴门画派”为代表的明代文人画，一扫“复古风”的院体画，将元人确立的文人水墨画风格推向了一个更高的阶段，主要人物有沈周、文徵明、唐寅、仇英等。五派画家的主要成员大多属于诗书画三绝的文人。他们对险恶的职业敏感或亲身经历，所以对文人无动于衷，在森林里旅行，以诗书画自娱。他们仍然对绘画感兴趣，继承“士气”的传统，表达自己的性格和感情。
晚明张虹的出现，拓展了文人山水画的新境界。至此，文人画在实践和理论上都已经成熟，张虹对其进行了总结和创新，从而使以文人画为主要特征的中国传统山水画走向了完全成熟。张宏志对绘画的最大影响在于他重视继承古代的笔墨传统，把追求风格作为艺术的重要目的，而且由于他深厚的文化修养和自己的审美追求，他还具有创造性。张虹的笔墨技巧和表现手法对后来的画坛影响很大。涌现出一批师法自然、重视写生的优秀画家。
从万历到崇祯(1628 ~ 1644)，绘画领域出现了新的转折。徐渭进一步完善了花鸟画的写意性。陈洪绶、崔自忠、丁等。开创了画变形图形的方法。以张虹为代表的苏州画家在文人山水画中找到了一条新路，创作出了富有生活气息的作品。他们在继承吴派画风和特色的基础上创新，回归自然，在山野写生，师法自然，领悟绘画的真谛。在画中体现出超然的精神境界，让山水画活了起来。
张虹的写生理论和自然绘画实践，孕育了明清时期一大批山水画家，其中比较杰出的是以石涛、八大山人、扬州八怪为代表的革新者，以及四王、吴允等。王思与石涛、八大山人等人的绘画虽有差异，但都是为了表达自己的笔墨趣味和独特个性。因此，王思和石涛都是文人画的内在方式。一是总结提炼他们的创作实践，使中国绘画走向程式化的道路；另一条路是继续笔墨的艺术实验和大胆创新，以求进一步发展。两者都有显著的历史成就，体现了变革与继承的辩证关系。莫寒丹青自古被称为“雅”，“雅”的尺度是风格。这和画家的性格有关系，但不是全部。更重要的是画家接受的教育和环境。风格的鉴赏与鉴赏家的品味有很大的关系，也就是俗话说的“好画需要被认识者看到。”
文人画是一门综合艺术，集文学、书法、绘画、篆刻于一体。是画家各种文化素养的集中体现，尤其是用书法。书法中点、线、笔的组合不仅是艺术形象的基本要素，也是具有独立审美价值的重要欣赏对象。笔触的轻重和点线的疏密所形成的独特的节奏和韵律，要反映出画家在创作过程中独特的心态、气质和个性，并把这些与所表现的事物的形式和精神有机地结合起来，做到心手对应、力度一致、痕迹残破均匀、用笔不深思。
在色彩和水墨画中，文人画更注重水墨画的运用，讲究墨的五色。王维之所以受到苏轼、董其昌的推崇，最重要的原因是他在后期创作中开创了水墨画。文人画家之所以重水墨画轻色彩，与中国传统绘画的艺术观念和审美观念有直接关系，即传统绘画从来不以真实再现事物为创作目的，而以揭示事物的内在魅力为最高艺术追求。基于这一宗旨，形成了本民族独特的美学思想，即摒弃艳俗，只取真朴，注重事后绘画，返朴归真，拙朴拙朴等等，成为文人画家在艺术上的自觉追求。
文人画的特点和体系的形成，也与文人把绘画作为一种精神调节的手段有关。对于这些画家来说，创作只是起到了一个通络的作用。这样，最简单的工具(笔、墨、纸)和最一般化的语言(黑、白、灰)传达了最深刻的感情，变得有创造性，而不是为事物服务，受法律约束。