浮雕的起源和发展？

自人类社会存在以来，艺术一直是整个人类生活中不可或缺的一部分。由于原始先民不能正确解释自然现象，产生了原始宗教，他们以各种方式表达对自然和神灵的崇拜。随着原始宗教的发展，原始雕塑艺术也发展成为一种祭祀信仰和崇拜观念的表现或表达。洞穴中原始的岩画和雕塑最初揭示了浮雕作为一种艺术形式的原始特征。人类的物质生活往往影响精神表现。在古代，原始人类用颜色和线条来表现与狩猎和采集生活接触的自然物体，并把它们描绘成平面绘画，以表达人们对这些事物的关注。当人们发明了线刻术，并打算用岩石等坚硬的材料来固定和保存这些图像时，最初的浮雕就产生了。随着实践经验的积累，人们发现了阴影的表现方法，并逐渐从画平面形状走向注重形象体积。这种关注和利用各种材料实现体量表达的造型实践促进了圆雕的初步发展。原始时代的岩画和线雕，无论是模拟自然的写实图像，还是装饰图案，无论是描绘方法还是造型模式都大同小异。在尼罗河流域和地中海东部，洞穴中发现的线雕方法是先勾勒出外部的轮廓，然后描绘，再雕刻成线条。随着制作工具的发展，浅浮雕性质的石雕也相应得到了推广。中国北方的原始游牧民族在绵延数千里的阴山山脉留下了大量记录他们生活历史的石刻(或岩画)。这一带的岩画特点是写实性强，以牛、马、山羊、鹿、虎、豹等野生动物和家畜为题材；原始艺术家在致密光滑的黑色石头上绘制图形，然后用经过特殊研磨的锋利坚硬的石头雕刻图形，这成为了石头浮雕艺术的早期表现形式。在新石器时代，人类发明了陶器。与陶器相关的造型技术和装饰技术进一步促进了雕塑形式的发展。除了绘画线条，不断进步的陶器装饰还发展出了具有雕塑感的装饰形式，包括立体印刷、划线、雕刻和堆叠，甚至相对独立的陶瓷圆雕、浮雕或通雕。考古资料表明，包括泥塑在内的陶塑连同石雕，在尼罗河流域、两河流域、地中海、中欧和西欧、中国等广大文明地区都有不同程度的发展。原始社会解体后，浮雕艺术逐渐繁荣起来。在许多古代文明中，为祈求死后永生而建造的陵墓，为祭拜祖先神灵而建造的庙宇，为庆祝帝王成就而建造的纪念碑，都是宏伟壮丽的。浮雕这种兼具雕塑的实体性和绘画的叙事性的表现形式，在很大程度上适应了古代的社会生活和精神取向。它为表达人们想象中的神圣世界或伊甸园般的天堂理想，记录现实生活中的重要事件，提供了有力的途径和广阔的天地。公元前25世纪，埃及已经成为一个强大的中央集权的奴隶国家，大量的浮雕被用来装饰坟墓、寺庙和纪念碑。埃及人创造性地使用了三种典型的姿势(①全部正面；②绝对侧；(3)俯视顶部)塑造浮雕人物，力求营造宁静、神秘、凝重的氛围。“纳米尔石板”的浮雕风格标志着具有持久影响的埃及艺术项目的形成。其简洁明了的曲线造型和几何因素在埃及古王国时期已经日臻完善。强有力的线性造型使浮雕具有了与题款、铭文描述相同的意义。在这里，硬直的凹版线条强调了具有精神象征意义的“动势”，不再局限于再现一个现实的形象和场景。西亚两河流域孕育了古代美索不达米亚文明。浮雕艺术在两河流域的各个王国呈现出不同的风格，亚述王国的浮雕无疑达到了顶峰。亚述浮雕遵循叙事原则，构图宏大，描写细腻，铭记历代君王的丰功伟绩和王国的兴衰。《纳兰姆辛吉公碑》写实风格古朴庄重，构图巧妙，人物安排得当，对国王、侍从、敌人都做了出色的描写；对体量感的强调和肌肉的夸张表现赋予了浮雕一种有力而含蓄的张力。受伤的狮子也是亚述浮雕的杰作。以生动准确的线条，巧妙地把握了感人的瞬间动态，充分显示了亚述艺术家刻画形象、渲染气氛的高超能力。新巴比伦时期的釉陶浮雕也取得了很大的艺术成就。不同于亚述王国的平面处理，它以高浮雕的形式塑造形象，再进行釉彩装饰，使造型题材更加生动逼真。新巴比伦的釉陶浮雕在很大程度上丰富和发展了亚述的艺术传统。希腊古典雕塑是西方雕塑艺术的典范。古希腊是一个泛神论的国家。大规模的庙宇是出于对神灵的崇拜而建造的，这些庙宇成为浮雕的主要载体。公元前5世纪，进入鼎盛时期的古希腊开始大量使用浮雕装饰城市和建筑。帕台农神庙上的浮雕艺术，包括三角形过梁墙的雕塑、浮雕隔断和缎带浮雕，无疑是希腊古典雕塑遗迹中最伟大的作品。门楣墙上雕刻的高浮雕接近一个圆形雕塑；蕾丝的长方形空间被大量浮雕隔断占据，刻画了鳞翅目与康托尔、神与巨人、希腊人与亚马逊人的战斗场景。这些显然出自不同流派艺术家之手的浮雕隔断，虽然雕刻风格和技法各不相同，但却能在特定的平面空间内，巧妙而恰当地安排多样而丰富的内容，毫无吃力不讨好之嫌。带状浮雕和隔断浮雕一样，沿着建筑向四面八方延伸，规模很大。游行队伍中的骑手对透视缩短的理解更加完美，其表现手法也达到了新的深度，如适当缩小图像最远的部分，同时保持突出部分的高度一致；图像相互穿插、依偎、重叠，不断传达浮雕的深浅，从而造成人的错觉。这种表现幻觉深度的成熟技巧在佩加蒙的宙斯和雅典娜的祭坛浮雕缎带《诸神对抗巨人》中达到了极致。类似圆雕的高浮雕手法和后退的人物大小交错，最大限度地暗示了空间的深度，整个构图形式给观者以强烈的运动感和冲击力。希腊浮雕艺术以优秀的写实主义为基础，人物造型结构严谨，解剖精确，显示了希腊人在写实造型方面的高超技艺。希腊人有讲究“逻辑”和“求真”的传统，他们的艺术家也逐渐找到了通过观察自然来描述自然的方法。在早期的希腊雕塑中，衣服通常用凹线来表现。随着求真的发展，这些衣线变成了凸造型线，传统的二维空间被三维空间取代。古希腊浮雕为西方艺术创造了一个美好的典范，在西方艺术史上达到了一个不可企及的高度，中国社会进入奴隶社会后，浮雕艺术以装饰的形式在礼器上取得了突出的成就。特别值得一提的是，商周青铜器上的浮雕装饰图案“以奇形怪状的英雄线条和深深的铸刻，反映出一种无限的、原始的、原始的宗教感情、观念和理想，是无法用概念语言表达的。”(李泽厚)“饕餮”图案是中国古代青铜器上最具特色的浮雕装饰风格。作为平面的动物脸图案，以鼻子为中心向两侧展开，形象很有图案感。雕塑技术的运用使其在平面上呈现出一种雄浑凝重的立体效果。中国古代浮雕艺术的繁荣主要体现在汉代画像石、画像砖以及魏晋以后的佛教造像和陵墓建筑上。大量汉代画像砖是中国特有的浮雕艺术风格。它把叙事性和表现性统一起来，以生动的情节和传神的造型，生动地描绘了当时的社会风俗、生产生活场景和神话故事。其造型手法写实，但构图和空间处理采用了中国画的散点透视法，所以在对对象的把握上表现出高度的自由度。画像砖中最常用的技法和表现形式是“平面浅浮雕”。它的一般做法是在印象深刻的凸而细腻的平面画面上刻一条阴线，勾勒出人像的细节，并穿插面和线，使造型形象丰富生动。对于中国的浮雕艺术来说，大量使用“线”作为造型语言的特点是富有审美表现力和民族气质。除了汉代画像砖，西汉的石雕艺术，如陕西霍去病墓石雕，也呈现出线性表现的重要特征。在这里，线条比实体块更加灵活和流畅。通过刻线的运用，浮雕和圆雕融为一体，给人以很大的力量感、运动感和扩张感。东汉墓葬中的石雕艺术突出反映了这一时期中国浮雕艺术的基本特征。其内容虽无明显变化，但其雕刻手法或技法有多处变化，如削地平刻阴，或削地浮雕阳线，十分注重线条的凹凸处理，体现了中国人独特的审美和聪明才智。在古印度，雕塑是最重要和最有影响力的艺术形式。浮雕形式已成为寺庙雕刻的主要装饰手段。作为印度早期的佛教艺术，巴尔胡扎杜波的栅栏浮雕是这一时期的重要作品。以线刻为主的浅浮雕，内容丰富的图像中穿插画面，呈现出独特的饱满感和独特的构图处理。密集紧凑的填充构图，一图几景的连续构图，在一定程度上突破了现实中的时空限制，获得了艺术表现的自由。作为一种神圣的象征，理想的人体形状被印度和古希腊人所认可。不同的是，印度人强调人体的肉感，坦率地接受和赞美人体的存在。约克的西方形象以其优美的S形曲线体现了符合印度审美规范和艺术程序标准的女性身体美。像所有代表印度教或佛教信仰的神灵一样，作品也表现出吸引人的注意力和目的性的特点。这些构成并赋予了印度浮雕独特的艺术魅力。总的来说，柬埔寨浮雕艺术比它的印度原型更强调抽象。偏爱对称而非有机线条，而造型的主要特点几乎是几何对立，似乎暗示着不同于其他宗教体系的意识形态和信仰的神秘和玄妙。柬埔寨的浮雕艺术少了印度式的物理现实，似乎更注重超越世俗的神圣力量。在东南亚，吴哥的浮雕表现出高超的技艺和艺术倾向，可以说是独树一帜。以墨西哥为中心，遍布中美洲的玛雅文化早已闻名遐迩，那里的浮雕以其独特的形式装饰着巨大的神庙建筑。玛雅装饰浮雕在墙板、楼梯、过梁和方柱上展示了政治变革、宗教事件和日常生活的复杂场景。与世界其他地方的古典艺术不同，玛雅文化的这些浮雕作品有一种方形的厚重和庄重感，经过切割技术处理的造型使玛雅艺术非常独特。佛教艺术的传入为中国浮雕艺术注入了新鲜血液，石窟造像的兴起为中国浮雕艺术的发展提供了广阔的舞台。天妃形象的出现和演变显示了中国艺术家对外来文化的创造性接受。其优雅的气势和富有节奏的飘带，体现了中国浮雕以线为主的风格。三维空间中独特的体量感和重量感，显示了这一时期浮雕增强表现深度、营造凝重氛围的优势。魏晋时期的飞雕形式初步显示了对深度的探索。魏晋浮雕艺术最重要的突破是将过去近乎平面的线雕形式发展为突出主体的全浮雕。这里透露出来的对“量”的兴趣，出于显示统治者威严和佛的庄严的需要，使得天王、力士的造像大盛。多置于石窟外墙的火红色风格，始终处于光影的变化中，所以浅浮雕显然并不比近乎圆形的高浮雕装饰更合适。在欧洲，强大的罗马帝国与中国的秦汉王朝遥相呼应。凭借他们的政治和军事天赋，罗马人建立了一个庞大的帝国。作为希腊文明的传承者和传播者，他们讲求实际，从希腊文明中取其所好，然后随意使用。罗马浮雕艺术延续了东方和希腊的古典规则。他们建造凯旋门和纪念碑来庆祝胜利，并把它们散布在浮雕彩带上。对于罗马人来说，奥古斯都的和平祭坛、图拉真纪念柱等最具罗马特色的浮雕作品无疑充分满足了他们讲述帝国故事的爱好和热情。为纪念图拉真皇帝的功绩而建造的图拉真雕像，高27米，宽1米，周围环绕浮雕丝带23圈，完整讲述了图拉真征服达西人的故事。雕塑家在这些记录功勋的作品中使用了希腊艺术数百年的技术和成就，但罗马人强调清晰的叙述和所有细节的准确表达，以将他们的功绩留给后代。艺术的本质变了，它的主要目标不再是和谐、美和戏剧。和纪念柱一样出名的和平祭坛，在浮雕的手法上略有突破。罗马艺术家在处理空间和深度方面比希腊古典艺术家有所进步，比如祭坛浮雕。他们处理人物背景扁平化的柔和，技术上更到位。他们几乎把后面的人物都消失在背景中，使得前面人物的浮雕层次更高。从4世纪到14世纪，基督教的盛行使欧洲中世纪艺术具有了浓厚的宗教色彩。在法国，以建筑装饰为主的哥特式雕塑取得了相当大的成就。随着宗教观念从“神圣化”到“人性化”的转变，建筑雕刻也从浅浮雕发展到高浮雕，逐渐从墙体中独立出来，促成了一种新的雕塑风格的形成。这种风格在法国沙特尔的教堂正门的浮雕中得到了突出体现。其人像比例符合建筑立柱的造型要求，造型极度拉长，形成细长精致的风格。柱上缠绕着头像浮雕，头像伸出柱外，圆形，真实。它们不再是浅浮雕，而是几乎与柱头无关的高浮雕。这种摆脱建筑框架束缚的尝试，使得接下来两三百年的法国雕塑走向了真实的空间和真实的生活。同样的情况也发生在佛教盛行的中国隋唐时期。石窟造像的创作和布局为浮雕艺术的发展提供了重要契机，使这一时期成为继商周、秦汉之后浮雕艺术空前繁荣的时期。它最大的突破是把以前的浅线雕形式变成了立体的、饱满的高浮雕。中世纪热带非洲的浮雕艺术可以与世界各国的当代浮雕艺术相媲美。它们通常以雕花门窗、浅浮雕、铜装饰板的形式出现。他们对宗教生活保持一定的独立性，不属于崇拜观念的产物或注解。它们虽然没有建筑特色，但与建筑或者与宫殿、寺庙的建筑有一定的联系。在Panel中，中心的一个女人的形象被雕刻成一个近乎圆形的形状，并且突出了性的特征。背板上雕刻的几何图案可能代表了某种象征意义:三角形代表三位一体，棱柱代表女性特征。在这里，虽然意义是具体的，但它的象征形式是抽象的。贝宁的青铜牌匾“将军与士兵”严格按照对称原则构图，其变化因素在于装饰图案的不同。雕塑的主体部分采用了接近高浮雕的手法，突出了要强调的中心人物。点线面结合的装饰板上的细节装饰，充分发挥了青铜铸造的精致，其精美程度令人惊叹。文艺复兴时期，在新的时代精神——人文主义的指引下，一种新的艺术思潮产生了，它不同于中世纪的表现主义艺术。艺术家开始在作品中反映生活和社会生活，尝试科学与艺术的结合，雕塑家以理学的智慧认识世界，在肯定希腊罗马写实雕塑的基础上，注重透视、解剖等科学艺术研究，促进了浮雕艺术的日益发展和繁荣。佛罗伦萨洗礼堂青铜门吉贝尔蒂的《天堂之门》运用科学透视原理，巧妙地将绘画的透视与雕塑的主体空间效果结合起来，其中背景的建筑几乎都是由画家的透视构成的。浮雕下部的人物采用高浮雕的形式，有些人物的头部甚至被当作圆雕。这种从高浮雕到浅浮雕的表现形式，被艺术家运用得自然、得体、赏心悦目。这一时期，浮雕线性透视技法的发现，使西方浮雕写实技法进入了一个新的发展阶段。多那太罗在浮雕《希律王的宴会》中，利用绘画线性透视法对其背景做了一个引人注目的实验，即在二维空间的平面上，通过营造空间深度的错觉来代替中世纪绘画或浮雕中的平面装饰效果。这种背景处理方法成为文艺复兴时期西方艺术的一大特色。让·古戎是16世纪法国救济运动的杰出代表。他的浮雕《纯真之泉》深受意大利人文主义的影响，既有古典韵味，又有人情味。作品中青春活力的形象是对中世纪禁欲主义的冲击，是对人与自然的赞美。受过文艺复兴洗礼的艺术家，面对前辈创造的伟大成就，不得不以形式创新来试图超越他们。18世纪中期，欧洲工业革命的扩张和资本经济的发展，促进了西方城市文明的进一步繁荣，推动了建筑、园林、广场、街道上浮雕艺术的不断发展。1792的离去是雕塑家路德为巴黎明星广场凯旋门创作的高浮雕。与凯旋门上的其他三个主题浮雕相比，更加庄严雄伟。雕塑家们巧妙地运用了联想和关怀的手法，通过自由女神像和鬓角男子的动作，让人们自然地感受到跟随他们的人流，他们在前进，又在呼唤。由于通过看护的方式将人群分为上下两层，让人感觉其前进的动作是迅速的、有力的、真实的，就连雕像人物也仿佛要出墙了。《离别》是这一时期法国浪漫主义雕塑的经典作品，其他具有类似技法的作品还有路德的学生卡博的舞蹈。他们的共同特点是，不仅擅长处理雕塑的动态节奏和起伏，而且对整个建筑墙面的适应也很好。这些都突破了古典浮雕稳定死板的格式，使得浮雕在有限的空间里具有无限的生机和活力。从19年底开始，整个西方世界在工业文明的影响下发生了深刻的变化。不同的文化思潮风起云涌，传统的审美价值观和观念受到挑战。在不断变化的形势下，各种题材的浮雕从装饰主体中分离出来，趋于独立发展，风格和形式日益多样化。法国雕塑家罗丹以其卓越的创新意识和实践，启动了雕塑改革的引擎，使他成为西方雕塑艺术从古典向现代转型的里程碑。罗丹在浮雕领域的代表作是《鬼门关》，倾注了他一生的心血。他几乎是下意识地将自己的自我体验和对人物、社会的洞察反映在作品中，使其具有深刻的人性和巨大的魅力。鬼门关不同于以往的建筑装饰浮雕。以前类似的浮雕，大多是按照故事来构图的，划分和布局看似有序，符合剧情发展的逻辑。这部作品虽然只表现了一个主题，但是构图却是不规则的。当然包含了精心的构思和布局，但总体来说，一切似乎都是铺天盖地，在门的每一个缝隙里都刻着被火烧到地狱的人。由于平面上高浮雕和浅浮雕的起伏，形成了复杂而难以捉摸的阴影。整个大门看起来阴沉沉的，充满了动静，仿佛响起了地狱的喧嚣。该作品最初作为独立的石膏替代品竖立在巴黎的公共广场时，遭到了巴黎美术学院学生的攻击，甚至被砸成了上百块。在人们由衷欣赏罗丹作品的今天，很难想象作者在那些年受到了怎样的冷遇和批评。但历史最终选择了罗丹，这真的很讽刺。在浮雕领域，罗丹的学生布德尔表现出比何先生更具挑战性的形式探索和实践，他吸收了埃及、印度尤其是中世纪哥特式雕塑的装饰特点，强调对浮雕上建筑感的追求，注重建筑元素在浮雕上的运用。在他的浮雕作品中，背景始终是几何图形，他简洁、概括、直白的造型手法和风格形成了布德尔雕塑语言的独特性。20世纪的整个世纪中，浮雕得到了空前的发展。随着圆雕越来越独立的革命性变化，浮雕也开始以独立的姿态展现其独特的艺术魅力，传递着更加独立的精神内涵。与绘画和圆雕一样，这一时期的浮雕艺术受到了许多流派的影响，如象征主义、立体主义、未来主义、构成主义、超现实主义、达达主义和波普艺术等。，这些都表现在救济领域。总的来说，近百年来的浮雕艺术呈现出两大趋势。一个继续沿着罗丹的路线前进，一般属于现实主义的范畴。其中活跃着一批卓有成效和影响力的雕塑家，如布德尔、马约尔、科勒惠芝、梅尼埃勒、贾科莫曼集团、奥古斯塔斯丁基奇以及后来的乔治让克洛斯。在不同的历史时期和社会氛围下，他们始终坚持以体量和具象的形式作为雕塑的传统，同时根据自己的感受和新的理念，探索具有自己特色的现代风格形式。另一种是另辟蹊径，背道而驰。这是一个从现代主义到后现代主义的庞大团队，汇集了很多流派或者主线。他们以趋于多元化和极端化的各种形式进行探索，在反传统的道路上大步前进。高更、马蒂斯、阿尔普等雕塑家在20世纪初将绘画中的创新实验引入雕塑领域，迈出了现代浮雕突破传统体积观念的第一步。回顾世界浮雕艺术的演变，可以说浮雕艺术是在继承、借鉴、变化中不断发展的。所有文明地区、民族和历史时期的艺术家都对浮雕艺术的建设和探索做出了令人难忘的贡献。毫无疑问，全人类的所有历史成就和实践经验都为浮雕艺术的未来发展奠定了坚实的基础..20世纪80年代，现代雕塑运动进入多元化时代，也就是通常所说的后现代主义。在这个时期，很难像以前那样区分各种风格之间的关系。支撑人们做出准确判断的艺术规范，无论是传统的还是创新的，都已经不存在或者已经出现。事实上，多元化本身也无形中成为了反规范的“规范”——任何事物，无论多么极端地缺乏一种认同，只要被任何人视为“艺术”，就是艺术。在这种情况下，艺术只是“艺术”二字的形式，不足以界定其实质内涵。概念整合的浮雕也一直处于难以规范和界定的境地，并在后现代主义的多元化趋势中逐渐走向浮雕本身乃至艺术本身的彻底解体。

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