西方艺术理论简史——第六章19世纪的艺术理论
第一节，学院派的危机。
现代主义的本质是对社会、政治和经济变革的回应，也是一种批判性的创新活动。安吉尔是继大卫之后新古典主义的代表画家，但他已经开启了艺术现代化的进程。以德拉克洛瓦为核心的法国浪漫主义是在与学院派和古典主义的斗争中成长起来的。他们强调艺术幻想和激情，情感和个性的表达，以及颜色和色调之间的对比。在库尔贝看来，现实主义的最高原则是描绘生活的真实，真正的艺术家是属于自己时代的人，是准确捕捉自己特征的人。另一方面，马奈意识到对传统原因更深刻的嘲讽。
一，天使
向自然学习。安吉尔对真实自然的依赖使他推翻了大卫的告诫，为现实主义的诞生培养了潜在的因素。既强调师法自然的重要性和必要性，又认为真正的艺术家在自然面前应该有相当的独立性和判断力。
艺术的美来自于典型性的集合，艺术的真实来自于赋予典型性真正的表现力和艺术家思想的洞察力，使作品源于自然，高于自然。
向传统学习。绘画灵感也是不可或缺的。
素描和色彩。素描学校。
第二，德拉克洛瓦
绘画题材的来源。从古希腊罗马的圈子里找绘画题材是最愚蠢的事情。聪明的是在书的世界里徜徉并汲取灵感，然后在想象和灵感的引导下画出画作。
关于想象力。他把绘画作为文学主题，把浪漫主义作为想象的运动。他突出了绘画中的精神价值，从而降低了对绘画本身的关注。他把构成艺术作品的现实放入一个象征性的价值体系中，以近乎狂热的态度高度重视自己的想象。想象实际上是一种精神，是艺术家对自然和生命的探索，这种探索与绘画有关，并在绘画中形式化，是一种最终将属于哲学体系的思维的物化。只有把思想凝固在画布上的绘画表达才是最有价值的。至于纯形式元素，无非是过眼云烟。
素描和色彩。想象总是借助于它的色彩来完成的。如果说德拉克洛瓦在素描上遵循的是本能和冲动，那么在色彩上遵循的就是严谨的科学。
第三，库尔贝
生活艺术在与古典主义的虚假性和浪漫主义的幻想性的对抗中，现实主义者强调艺术的真实性，要求艺术必须反映生活的本来面貌和特征，主张绘画只能表现眼睛直接看到的东西。真正的艺术家是用自己的时代准确捕捉到自己特征的人。
体积和颜色。他那厚厚的层层叠叠的技法，让色彩相互辉映，接近现代的新感觉方式，预示着艺术新时代的到来。
个性和自由对艺术的意义他在绘画时力求思想自由。他认为绘画评价的唯一评判者是艺术家本人。艺术家在绘画时不会为了艺术而考虑艺术的信条。他只是一个画家，一个为了表现思想而画画的画家。
四，马奈
颠覆传统。他用主题和传统打破了公认的形式。他是真正意义上的创新者，这种创新是基于传统和反传统的。
对自然的批判。没有自然就画不出来，也编不出来。从自然中获得，在自然的基础上深化和提高，最终展现出自然背后的艺术秘密和自然本质。
第二节，印象主义。
首先，印象派之父莫奈
是外部光线表达和色彩革命在艺术上最完美的体现。
对光的研究。光色交融，雾蒙蒙的画面更大胆，更有突破性。忘记你面前的物体。它们只是颜色块。
真实的幻觉。莫奈的绘画体现了两种意图，即视觉的真实性和事物内在美的装饰性。色块和笔触再次有了自己的逻辑，暗示了一些个性化的技术表达。在绘画中，自然不仅是被研究的对象，也是对对象本身的背离。
主客观身份的转换。印象派画家的天赋在于不断转换自己的主客观身份证。他不是一个完全客观的事物表象，而是主客观紧张关系的产物。它是一种原始的、纯粹的、真实的“无意识的东西”。自然界没有颜色，一切都是光的产物。
二、塞尚——现代绘画之父
实践先于理论。我决定静静地工作，直到我认为我可以在理论上捍卫我的探索的那一天。
绘画与自然的关系。他绘画的立足点是自然而不是理论。他并不主张像印象派画家那样捕捉自然瞬间的光线和色彩变化，而是希望展现自然的结构，对自然进行主观的分析和总结。用圆锥体、球体和柱体加工物体。他把传统绘画中的空间感视为一种伪空间感，主张用色彩本身来代替空间感来表现深度感。同时，表达空间感的外界光线也不复存在，画面中的光线也要通过色彩的相互反射来实现。
第三部分，象征主义
首先，波德莱尔，象征主义的灵魂。
象征主义理论。
象征主义的诞生是为了反对现实主义，尤其是左拉的自然主义。它最初只是一场起源于巴黎的文学运动。后来渗透到其他国家和其他艺术领域。
象征主义是为了表达梦想。他们并不否认客观世界，而是认为客观世界之外还有一个精神世界。而这个精神世界也是人类生存所需要的。
论艺术的现代性。他认为艺术具有现代性，不存在绝对永恒的美。更恰当地说，绝对永恒的美只是从美的不同一般表达中提炼出来的抽象概念。那些优秀的人像之所以流传至今，是因为他们用当时的服饰打扮了自己，他们的体态、眼神、笑容也属于那个时代，所以整个画面完美和谐。
第二，保罗·高更
整合理论。博纳综合艺术理论的基本思想是:想象维持着事物的基本形式，而这种基本形式就是感性意象的简化。记忆只能保留有意义的东西，某种意义上是象征性的。高更说印象派画的是眼皮底下的东西，而不是灵魂深处的神秘事物。不要画太多，艺术是一种抽象。我们只是在想象不完善的心灵之船上航行，无限的时空可以被更多的琢磨。树要尽可能的绿、荫、蓝，不要被现实主义所限制。
论原始艺术我想摆脱文明的影响。我只想从事非常简单的艺术。
三。凡·高
绘画表达灵魂和情感。梵高认为，学院派，画人体和比例无可挑剔却死气沉沉，绘画最重要的是表现灵魂。画家应该画出他们所感动的东西。
画画要写实。但梵高所说的真理，并不是左拉所提倡的自然主义方法。他用形状和颜色来表达他对所画事物的真实感受。这符合他的目的，他夸大了事物的表象。
第四，奥瑞尔
他认为艺术中有两种对立的趋势，现实主义和理想主义。现实主义的目的是呈现事物的外观和感官外观。唯心主义更纯粹，更高超，最高的艺术只能是唯心主义。把想法变成一种特殊的语言来表达。
观念艺术是真实的，绝对的艺术。
他将象征主义的美学观概括为五点。
它是意识形态的，因为它的唯一理想是表达思想和概念。
它是象征性的，因为它通过各种形式和符号表达思想。
它是全面的，因为它通过普遍可理解的技术来显示这些形式和标记。
它是主观的，因为被描述的东西不能被视为客体，而是主观上看到的意识形态的存在。
它是装饰性的。严格来说，它就像是埃及人、希腊人和原始人构思的装饰画。一种主观性、综合性、象征性、思想性的艺术表现。
第四部分，罗斯金的美学。
一、罗斯金的《现代画家》
英国艺术评论家。
画画要写实。好的艺术很少模仿。一是观察事实，二是通过讲事实来显示人的设计和威信。艺术只能存在于这两种统一中。
反对艺术模式化。印象主义想要表现自然光影的变化，罗金斯的印象是建立在综合知识的基础上的。思考自然理性，艺术家需要通过艺术作品来揭示自然的奥秘，这个过程也像是一个科学论证的过程。
罗金斯美学哲学的矛盾，一方面是区分美与现实，根据科学观察的结果揭示历史和自然的驱动力。另一方面，美被定义为一个纯粹的概念，是人类灵魂对上帝的反映。他是艺术对于经济和政治，以及精神和环境的产物。
第二，威廉·莫里斯
罗金斯的观点也影响了英国的设计，威廉·莫里斯最有能力将罗金斯的艺术观点——源于愉悦的作品——与美和功能相结合。莫里斯认同罗金斯的观点，反对工业革命带来的机械化生产和为艺术而艺术的流行倾向。
莫里斯认为艺术的范围不仅限于绘画和雕塑，其主要部分应该是实用艺术，并试图在商业领域实践罗杰斯关于手工艺品的观点。
艺术和工业。罗金斯认为没有工业的生活是邪恶的，没有艺术的工业是野蛮的。莫里斯讨厌缺乏艺术性和机械化的批量生产。他看到工业将设计师和生产者分开，这使得设计师无法做出功能性的设计方案，工人无法在生产过程中充分发挥自己的创造力。
艺术的愉悦与美莫里斯认为，工业经济使人们的生活日益非人化，艺术实践的最高境界是愉悦而不是责任。完美的艺术是一种带来快乐的艺术。即使创造性活动对道德没有帮助，但它本身是好的，也能产生快感。
艺术和社会制度。莫里斯认为，艺术将带来激烈的社会变革，摧毁工业和资本主义制度。新时代将以个人的价值和尊严为基础。这个时代的劳动者都是艺术家。
三，惠斯勒
他明确赞同为艺术而艺术，是唯美主义运动的领袖。他认为艺术的目标与道德的提高无关，审美力才是人们生活中唯一认真对待的东西。艺术家的任务是追求美，而不是真理。
艺术与自然。在他看来，画家就像钢琴对于钢琴家一样重要。他在乐器上演奏，创造不同目的和风格的作品，以便使用。艺术家的任务是表现自然，而不是模仿自然。
属于音乐。他把绘画的表现力和音乐的表现力结合了起来。把音乐术语作为绘画的主题。
四，沃尔特·佩特
为艺术而艺术的英国唯美主义运动理论家的代表人物。
他认为艺术应该表达思想，但他也认为感觉是一切对人格的影响，只有持有这种人格的人才能成为成功表达各种感觉的艺术家。
他认为艺术的意义和目标就是艺术本身。艺术是美的表现和方法。
第五部分，多元化经营的探讨。
首先，文化历史学家巴克哈特研究欧洲艺术史和人文主义。
意大利文艺复兴文化奠定了巴克哈特的历史学家地位。按照他的标准，文艺复兴时期的意大利形成了一个可与佩里克莱斯的雅典相媲美的时期，它也是所有西方文明中的主要创造力量。他还总结了文艺复兴第一次发生的独特政治环境。杰出的意大利产生了一场文化革命，这场革命可以在习俗、教育和艺术中表现出来。他强调文艺复兴的独特性，这不仅是古代的复兴，而是意大利天才联合起来征服西方世界。
对历史的沉思最能说明巴克哈特与这一观点的联系。社会的真正价值必须用他们的艺术质量来衡量。他断言艺术是人类精神中最杰出、最神秘的创造。他思索了艺术生产在社会发展中平衡的原因，但排除了大教育所起的作用。他认为大学特殊化主要提倡夸张的、不相干的东西，教育对天才没有作用。与文艺复兴时期相比，现代人由于缺乏信仰，既不能创作也不能欣赏伟大的艺术。
第二，丹娜
影响艺术的因素《艺术哲学》提出种族、环境、时代三个因素影响着一切物质文明和精神文明的性质和面貌，艺术作品的产生也依赖于此。产生伟大艺术作品的需要有两个条件。第一，自发的、独特的情绪必须非常强烈，可以无所顾忌地表达出来，不怕批评，不怕引导。第二，你的身边要有同情，在外界要有类似的想法时时刻刻帮助你，让你心中一些模糊的想法得到滋养、鼓励、成熟和传播。艺术家和艺术依赖于社会习俗、法律和民族特征，就像农作物依赖于气候、土壤和天气一样。
艺术和模仿。艺术是模仿，不是复制。是为了表达其本质和主要特征，使占据核心地位的情感更加清晰、鲜明。他对艺术家个体的理解也表现出机制的特征，他认为人和其他动物一样进行创作。
但是，认为艺术作品不是孤立的是正确的，所以要理解艺术作品，就要把它放在它的环境中。这个环境包括统一艺术家的其他作品，艺术家所属的学院和团体。艺术家艺术兴趣形成的环境等。然后他夸大了环境的作用，忽略了艺术家的主动性。
三，佐拉
自然主义文学创作理论的代表受孔德的实证主义哲学和伯纳德的实验医学的影响。他声称这部实验小说是为了将伯纳德的思想从医学转移到文学上。伯纳德受人类行为不变法则的支配，情感和理性行为也是如此。小说家的任务不是评判一切，而是理解一切。
左拉拒绝在道德和艺术之间画出某种附件，要求艺术作品不具有任何内在或外在的目的。美不是抽象的，而是人类生活本身。在此基础上，左拉认为艺术可以是多样化的，没有绝对的美的标准。艺术家可以随意设定标准。因为艺术作品只不过是纯粹的事实。
第四，龚古尔兄弟
法国自然主义作家。我厌恶大众艺术，认为艺术本质上是高尚的，用一生谴责美的庸俗化。
学术选择自然，修正自然，从而达到比现有更完美的状态。巩古尔兄弟也应该选择自然而不是修正自然来表现自然，防止画家陷入“丑”和“自然本来面目”的表现。
强调观察和写实，艺术的生命在于真实，这个真实甚至是指生活中丑陋的一面。
动词 （verb的缩写）高蒂和尚·弗勒里
对艺术的讨论导致了对形式和纯粹美学的关注。为艺术而艺术，不必说形式是为了风格，但可以说形式是为了美。抽象可以用各种概念来解释，可以服务于各种理论，可以直接产生效益。
Gauthie认为，美来自自由，不受任何东西的限制。艺术是美的创造，所以美只有在自由自主的情况下才能被创造。
列夫·托尔斯泰
在《论艺术》中，他反对为艺术而艺术的观点和当时流行的唯美主义。他希望艺术的首要任务是传达道德。
他认为艺术不能被定义为精致的技术。生产假艺术品的四种方法。第一种是借用。借用前人作品的题材，做一些修改。其次是模仿，即堆砌现实的细节。再次是感动，对外界情绪的影响往往是纯生理的。最后是好玩。绘画表演和音乐被刻意安排得像猜灯谜一样。
托尔斯泰把艺术的感染力作为区分艺术真假的标志，如果一个人经历了这种情感，被作者的心境所感染，觉得自己与他人融为一体，唤起这种心境的作品就是艺术。
艺术是人类生活的必要条件之一，是人与人之间交流的方法，艺术感染力的程度取决于三个条件。情感有多独特，情感有多清晰，还有。艺术家的真诚。换句话说，艺术家体验他所传达的情感的能力有多大？
七。黑格尔
在黑格尔看来，艺术是一个动态的构成过程，是一个赋予艺术形式重要价值的思维过程。艺术不是简单意义上的对现实的模仿，而是意识本身在宗教和哲学思维中被认识和认同的过程。
定义:美是观念的感性显现。根据不同的观念和意识，黑格尔把艺术分为三种表现形式。按照艺术发展的三个阶段，形象压倒观念，客体压倒主体。比如古埃及和印度。思想和形象达到自由和完美的协调。比如古希腊。破坏古典艺术中现实与观念的完美统一，最后观念压倒了影像。如以音乐主体艺术和心灵艺术为代表的浪漫主义艺术。
八、费雪父子与立普斯的移情理论
疫情论美学是在18世纪后期欧洲浪漫主义运动的土壤中孕育和成长起来的。体现人与自然和谐相处的状态。
父亲和儿子。美应该只是在移情作用下通过线条和色彩来体现。只有移情才能使人体验和体会审美愉悦，主客体才能完美融合。客观审美对象成为第二自我。
立普斯。
九、纯视觉理论、形式主义美学
费德勒。从哲学和美学的角度定义形式理论。
基于他对艺术家视觉形式创作过程的研究。将康德以来的形式主义融入到视觉形式创造的心理分析中，形式的对象化与其内在的精神目标相调和。他对艺术本质的理解源于对艺术创作过程的探索。他尖锐地反对抽象的、观念的、观念性的艺术研究，尤其反对黑格尔的美学思想。他认为来自感官经验的艺术不是人们所说的概念之下的人类活动，而是一种独立的认识和把握世界的活动。通过艺术形式，我们也可以了解和探索世界，而这个探索过程也是借助于视觉形式创造过程本身来完成的。
通过对艺术家实践的观察，他发现艺术活动是人类思想的一种特殊表现。只有以艺术想象的方式去理解艺术本身，才是把握艺术本质的唯一途径，艺术家有视觉天赋，他们以视觉的方式去理解整个世界。他们绝不是自然的模仿者，而是有着敏锐的艺术感受力。形式创造者特殊的思想力量和理性分析能力创造了一种与自然的新关系。艺术的内容不是简单的东西，而是艺术家对这些东西的感受和把握。
希尔德布兰德，从艺术创作者的角度。