芭蕾舞服装历史发展概论
15-16世纪，早期的芭蕾服饰崇尚奢华。17世纪，男主角穿的“Tonelli”带钢丝箍的短裙，女主角穿的鲸骨裙，都显得笨重。为了充分展示芭蕾舞的舞姿和技巧，芭蕾舞服装在历史上经历了数次革新，并逐渐完善。其中，舞鞋和舞裙的改革更为重要。
①芭蕾舞鞋:18世纪初，卡迈勒·葛发明了用柔软材料制成的鞋跟鞋。1790无跟鞋的鞋头加了一个特殊的垫，让演员踮着脚跳舞。
②芭蕾裙:1832年，M. Taglioni开始使用E. Lamy设计的露肩连衣裙，被称为“浪漫芭蕾裙”。这种舞裙有贴身的上衣身，下有膝盖的钟形百褶裙。裙子上裁了几层白色薄纱，搭配浅红色连裤袜，方便演员们展示跳踢等舞蹈。1880年，芭蕾舞裙被缩短，露出大腿，称为芭蕾舞裙，成为标准的芭蕾舞裙。其裙摆由4 ~ 5层丝褶组成，与相应大小的背心相连。
20世纪以来，现代芭蕾大多采用了艺术化的生命装。
利派多芭蕾舞鞋创意海报
Repetto是法国芭蕾舞鞋的顶级品牌。Lippetto成立于1947，现在巴黎总公司的地址是品牌创始人Ross Repetto女士主持的芭蕾舞教室。为了给她的儿子，法国著名芭蕾舞演员罗兰·佩蒂制作最好的专业芭蕾舞鞋，罗斯·利佩托女士创办了利佩托鞋店。
从此，利派多成为众多芭蕾舞演员和芭蕾舞团的指定鞋履品牌。真正让它出名的是，1956年，法国性感女星布里吉特·巴铎在她的电影中穿上了带有利派多标志的红色灰姑娘舞鞋。从此，这种Repetto灰姑娘舞鞋正式成为代表法国风格之一的经典产品。今天，Repetto灰姑娘芭蕾舞鞋仍然是巴黎妇女的最爱。
芭蕾舞表演的服装要求
芭蕾舞表演的服装。包括演员的紧身衣和裤子，芭蕾舞演员的芭蕾舞鞋，裤袜和芭蕾舞鞋。15-16世纪，早期的芭蕾服饰崇尚奢华。17世纪，男主角穿的“Tonelli”带钢丝箍的短裙，女主角穿的鲸骨裙，都显得笨重。为了充分展现芭蕾舞的舞姿和技巧，芭蕾舞服装在历史上经过了数次革新，并逐渐完善。20世纪以来，现代芭蕾大多采用了艺术化的生命装。
现在的男式芭蕾舞衣主要是芭蕾舞艺术形式的标准化产物，是慢慢演变出来的，是一种普遍的东西，所以并不代表现在的衣就绝对合理(现代舞者经常批评芭蕾舞的服装和舞蹈不合理，完全违背自然规律，不是美的舞蹈)，它的目的是最大程度地展现人体的轮廓，展现人体的形体美，同时也方便做大幅度的身体动作。
芭蕾舞的历史发展
早在文艺复兴时期，人文主义影响下的人们就开始关注人体本身的价值和功能，从而推动了社会经济、科学和文化的快速发展。在文艺复兴的摇篮意大利，王公贵族竞相将艺术视为炫耀权力、扩大政治影响力的工具和手段。他们不惜花费巨资互相攀比，互相竞争，因此这一时期的文化艺术得到了空前的发展。在这样的历史背景下，芭蕾舞在简单的民间舞的基础上，从一种游戏舞逐渐在意大利宫廷中形成了一种具有明确风格、舞步和技巧的艺术形式。在当时，芭蕾舞作为一种简单的娱乐形式，由王公贵族在各种宫廷庆典和宴会上表演，因此也被称为“宴会芭蕾”。1489年米兰公爵婚礼上表演的宴会芭蕾就是他的代表。与此同时，宫廷中出现了一个新职业——舞蹈大师。
15年底，法国国王理查德八世率军到意大利时，惊喜地发现了这支美丽奢华的“宴会芭蕾”，于是法国人和意大利艺术家一起将芭蕾艺术“引进”了法国。《皇后喜剧芭蕾》于1581年在法国皇后路易丝的妹妹的婚礼上演出，是历史上第一部大型芭蕾舞剧。这部剧由意大利音乐人、舞蹈老师贝尔吉奥索(15—1587)编剧并执导，后改名为《波洛耶》。在公元17世纪，芭蕾成为法国宫廷生活的重要组成部分。路易十三世和路易十四都热爱芭蕾，并亲自参加演出，尤其是“太阳之王”路易十四，他对芭蕾如痴如醉。他曾在26部大型芭蕾舞剧中担任主角，并组织了卢里、莫里哀、波尚三位大师负责芭蕾艺术的创作和表演，形成了一种新的芭蕾形式“幕间芭蕾”。1661年，他成立了芭蕾舞史上第一所舞蹈学校——皇家舞蹈学院，开始规范舞蹈训练的研究和安排。芭蕾舞的五英尺和他们的手的位置是在那时确定的，并一直沿用至今。17世纪下半叶，芭蕾艺术走出宫廷，走上舞台，开始成为剧场艺术，于是第一批职业芭蕾舞演员产生了。但是那时候女主角都是男演员演的。直到1681李露的《爱的胜利》在巴黎歌剧院上演，芭蕾舞演员才首次登台，饰演女主角的拉封丹成为历史上第一位芭蕾舞演员。然后，女演员穿的尖头鞋慢慢出现了。
法国芭蕾的起源
芭蕾(Ballet)，一个法语单词，源于古拉丁语bal-lo，最初仅指在公共场合跳舞或表演舞蹈，并没有剧院表演的意思。作为一种舞台艺术，芭蕾诞生于文艺复兴时期的意大利，形成于公元17世纪的法国宫廷。芭蕾舞史上称之为宫廷芭蕾。实际上是在统一的主题下，结构松散的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵、戏剧的综合表演。由专职宫廷舞蹈演员设计，以国王和贵族大臣为演员，女性角色也由男性扮演。演员们戴着皮革面具，所以它也被称为假面芭蕾。161年，法国国王路易十四下令成立了巴黎皇家舞蹈学院，极大地促进了芭蕾的发展。此前，宫廷芭蕾在皇宫中央大厅演出，周围都是宫廷权贵和贵妇。从65438年到70年代，黎塞留主教宫剧院被用于芭蕾舞表演，这改变了场地和观众的视角，以及舞蹈技巧和美学观点。因为演员要面对观众，站姿越来越开放，所以确定了脚的五种基本形态和位置，这也成为芭蕾技术发展的基础。职业演员在此时应运而生，并逐渐取代了王公贵族的业余演员，职业女演员开始出现。芭蕾从一种自娱自乐的社会活动变成了一种戏剧表演艺术，直到18世纪中叶，芭蕾的表演一般都是在歌剧上加一个场景，是一种比较简单的表演，被历史学家称为唱芭蕾。J-G小说在1760出版的《舞蹈与舞蹈信札》中首次提出了“剧情芭蕾”的观点，强调芭蕾不仅仅是一种身体技能，更是一种戏剧表演和思想情感交流的手段。这一理论推动了芭蕾舞的全面改革，使芭蕾舞在内容、主题、音乐、结构形式、服装等方面都发生了巨大的变化，成为以舞蹈为主要表现手段的独立舞台艺术。这使得芭蕾能够充分表现戏剧作品，塑造人物形象。19世纪后期，芭蕾有了交响乐发展的趋势。20世纪现代舞发展后，受其影响，芭蕾中涌现出大量表达情感、哲理或阐释音乐的作品。
芭蕾-纯舞蹈
在芭蕾发展史上，有两种主要的美学观点在起作用。一种观点认为，芭蕾是一种“纯粹的‘舞蹈’”。它完全专注于芭蕾的形式美，几乎完全忽略了它的内容，这就导致了对高超技巧和华丽场景的追求。18世纪中叶之前，这种观点占主导地位。另一种观点强调芭蕾是一种“戏剧舞蹈”，始于小说。这种观点认为“应统一剧情和舞蹈设计，以逻辑清晰、通俗易懂的故事为中心主题，取消与剧情无关的独舞和舞蹈片段”，舞剧“不仅要在舞蹈技术上出彩，还需要通过戏剧表演在情感上打动观众”。这种观点今天仍然起着主导作用。20世纪以来，在出现优秀的戏剧芭蕾的同时，也出现了许多注重形式美的非剧情芭蕾。随着人们审美情趣的提高和多样化，这两类作品都受到观众的欢迎。在现代各种文学思潮的影响下，芭蕾的风格日益多样化，各种作品日益丰富多彩。
一部芭蕾作品首先需要导演根据剧本(或者一首诗或者一部音乐作品)构思芭蕾或者舞蹈的结构，然后通过演员的表演来体现。导演的构思和演员的表演要深刻地反映剧本(诗、音乐)的思想感情。导演和演员都必须掌握芭蕾词汇——芭蕾的技术技巧，以及运用它们表达具体内容的能力。编辑应该清楚自己擅长什么，不能表现什么。另一方面，演员应该训练有素，能够适应并创造性地体现导演的想法和意图。此外，编导和演员还要与作曲和美术设计人员配合，使舞蹈、音乐和艺术有机融合，达到整体艺术效果。芭蕾舞包括独舞、双人舞、三人舞、集体舞等。编导可以将上述舞蹈以古典舞、个性舞(舞台民族舞)、现代舞的形式编排成多幕芭蕾、单幕芭蕾或芭蕾小品。
ballet一词来源于意大利语Ballet，意为跳舞，尤其是“脚尖舞”，是欧洲古典舞的一种形式。在其发展过程中，这种舞蹈常被用来讲述表演故事，并逐渐形成了一种特殊的表演形式。1772年，CharlesDidelot在《法国百科全书》中说“芭蕾是通过舞蹈来解释动作的一个部门...尤其需要戏剧般的快感……”
芭蕾艺术孕育于意大利，诞生于17世纪后期法国路易十四的宫廷，18世纪在法国日趋完善，19世纪后期进入俄国最繁荣的时期。在近400年的长期历史发展中，芭蕾对世界各国都产生了巨大的影响，成为世界各国都在努力发展的艺术形式。
19世纪，巴黎出现了“浪漫芭蕾”，这是芭蕾史上的黄金时代。介绍了仙女(1832)、吉赛尔(1841)、加布里埃拉(1870)。留下了《睡美人》(1890)、《胡桃夹子》(1892)、《天鹅湖》(1895)等一大批经典剧目，促使人们形成了“舞剧是舞蹈的最高形式”的观念。
间接判断质量的四个角度。
1.芭蕾舞演员的表演是否引人入胜，让观众只能坐在前半个椅子上，伸直脖子，睁开眼睛，目不转睛地盯着看；
2.芭蕾舞者的表演是否达到了随心所欲的境界，或者至少给观众留下了悠闲的印象；
3.在表演中，芭蕾舞者是否达到了忘记细节，只是遵循动作本身逻辑的状态；
4.在表演过程中，芭蕾舞者是否给人留下了她只是用身体在太空中奔跑，忘记了一切世俗烦恼的印象？
欣赏芭蕾是有学问的。
传统的欣赏观念要求观众提前半个小时左右到达剧场，这样就可以把日常生活中的琐事和烦恼都抛在剧场大门之外，然后静下心来，全心全意地投入到剧场这样一个非常特殊的审美领域。现代鉴赏思维认为，情节如何“写”并不重要。归根结底，芭蕾还是以舞蹈为主，戏剧为辅。否则，我们如何解释芭蕾舞中的主要演员在跳完二重奏后，甚至在跳完变奏曲后频繁向观众致敬的现象？
在欣赏芭蕾的过程中，“第六感”——动觉应该是观众最重要的工具。如果你真的不懂欣赏芭蕾，那就什么都不要想，走进剧场，从“感受”芭蕾开始。因此，芭蕾舞观众最好是轻装上阵，空手而归，以便随时对芭蕾舞者的动作做出自己的、自由的、轻松的、即时的动觉反应和理解。