历史上最美丽的画
历史上最美的画，每天都有几百万幅，但只有几幅画会打动我们的灵魂，但有些画是震撼世界的。比如大家应该都听说过帕梅拉·丽莎的微笑。以下是史上最美的画。
史上最美的画1 10，惠斯勒的母亲。
它最初被称为灰色和黑色的排列:艺术家的母亲。这是美国出生的画家詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒在1871的一幅油画。它被认为是世界上由美国以外的美国人画的最著名的画之一。
9.戴珍珠耳环的女孩
被很多人称为“荷兰的蒙娜丽莎”、“北方的蒙娜丽莎”。它是荷兰艺术家约翰内斯·弗米尔在1665年画的。这是一幅油画，画的是一个戴着头巾和珍珠耳环的女孩。这幅画中的女孩被认为是弗米尔的大女儿玛丽亚。她成立时大约十二三岁。
8.三个音乐家
三位音乐家乍一看像是拼贴画，其实我就是一幅油画。它是西班牙艺术家巴勃罗·毕加索在1921年画的。巴勃罗·毕加索实际上画了两幅相似的画，他们都称对方为三位音乐家。
7.记忆的持久性
这是西班牙艺术家萨尔瓦多·达利在1931年画的。它被认为是最好的艺术品之一，或者你可以说它是世界上最著名的画之一。这幅画的基本思想是让人们思考他们的生活方式和他们度过时间的方式。
6.大喊大叫
这是爱德华·蒙克在1893年画的。他是当时最著名的画家之一。他只用油和蜡笔在硬纸板上画出了他最著名的作品。它基本上描绘了大自然的尖叫声。这幅画表现了风景和痛苦的表情。背景中可以看到橙色的天空。
5、亚当的创造
亚当的创作是米开朗基罗从1508画到1512。它被放置在梵蒂冈城西斯廷教堂的天花板上。这幅画基本描绘了《创世纪》中圣经创世的叙事。它展示了上帝是如何赋予人类始祖亚当生命的。
4.格尔尼卡
这幅画的灵感来自格尔尼卡的轰炸。西班牙内战期间，巴勃罗·毕加索于1937年完成了世界上最著名的画作之一《格尔尼卡》。西班牙政府委托这幅画作为战争的苦难，但后来它成为和平的象征。
3.最后的晚餐
它是15世纪最著名的画作之一，由达芬奇所画。它没有被放置在任何博物馆，而是覆盖了米兰圣玛丽亚戴尔格拉齐埃餐厅的后墙。这幅画主要描绘了耶稣最后的晚餐和他的门徒。
2.星空
《星夜》也是世界上最著名的画作之一。这是文森特·梵高画的。虽然他画了许多画，但这幅画被认为是杰作。这幅画自1941以来一直被放置在纽约现代艺术博物馆，并被莉莉艾P和布利斯遗赠公司收购。
1，蒙娜丽莎的微笑
《蒙娜丽莎》是世界上最著名的画之一。这是意大利艺术家莱昂纳多·达·芬奇画的一个女人的肖像。它是最著名的艺术作品之一。《蒙娜丽莎》是世界上写得最多、参观人数最多、最受欢迎的名画。
历史上最美的画2世界上最美的肖像油画
1，达芬奇的《帕梅拉·丽莎》。
经典油画《丽莎·帕梅拉》举世闻名，现在被天才艺术家达芬奇收藏在卢浮宫。画像中的女子是一个皮货商的妻子，年仅24岁。作者成功地塑造了一个淑女形象。画中，《帕梅拉》中的丽莎嘴角挂着看似不在的微笑，眉间透露着喜悦。但这种微笑很微妙，可能会在不经意间被忽略，所以后人也称之为最神秘的微笑。
2.约翰内斯·弗米尔，《戴珍珠耳环的女孩》的作者
《戴珍珠耳环的女孩》是荷兰画家约翰内斯·弗米尔的作品。画中的女孩是他的大女儿玛丽亚。这幅画是传世的经典画作。画中的女孩戴着黄色和蓝色的头巾，穿着棕色的裙子。她的气质脱俗，给人一种安静平和的感觉，但也让人觉得有些伤感。画家生动地描绘了细腻的感情，令人钦佩。
3.乔尔乔内，《沉睡的维纳斯》的作者。
《沉睡的维纳斯》是意大利画家乔尔纳尔最成功的油画。说是肖像画可能不准确，但画中的维纳斯在自然景观中睡着了，看的人都不敢大声说话，怕打扰到睡觉的人。金星的身体线条优雅柔和，与自然融为一体。当人们看到这幅画的时候，没有任何物理上的冲击，只有一种宁静和美好。
4.《海伦娜·费尔曼》的作者鲁本斯。
《海伦娜·费尔曼》由鲁本斯创作，现收藏于伦敦国家美术馆。油画中的色彩绚烂美丽，衬托出画中人的美。这幅肖像画的线条非常流畅，淑女形象近在咫尺。丰满的身材，白皙的脸庞，将淑女形象展现的淋漓尽致。如果鲁本斯为世界上最性感的女人作画，那一定很美。
历史上最美的画3世界上最经典的画欣赏
蒙娜丽莎-达芬奇
这幅肖像画花了达芬奇四年时间。当他完成这幅画像时，他不想把它给乔康多(富商，蒙娜丽莎的丈夫)或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，他带着这幅画像离开意大利去了法国。列奥纳多·达·芬奇在法国去世，这就是为什么《蒙娜丽莎》这幅画在法国的原因。几个世纪以来，人们一直在谈论她神秘的微笑。她的笑容真的很神秘:好像在变。不同的观众或者在不同的时间看起来感觉不一样。我觉得她有时候笑得很舒服很温柔，有时候看起来很严肃，有时候看起来略显悲伤，有时候甚至流露出嘲笑和调侃。在一幅画中，光线的变化不可能像在雕塑中那样与众不同。但在蒙娜丽莎的脸上，有时会出现暗淡的阴影，用面纱遮住她的眼睛和嘴唇。
然而，人的微笑主要表现在眼角和嘴角。但达芬奇把这些部分画得很淡，没有明确的界限，所以才会有这种难以捉摸的“神秘微笑”。这幅画有一个故事。当达芬奇为蒙娜丽莎作画时，他邀请了一位音乐家在她身边演奏，这样她就可以像模特一样耐心而平静地坐着。她的眼神告诉我们她在听。现在，如果我们看着她那双漂亮的手，把它们和她的脸放在一起考虑，我们会觉得那种眼神更真诚。她的右手轻轻地放在左手上，中指完全没有支撑。我们感觉它在随着音乐的节奏轻轻跳动。当我们看着如此逼真的人像背后的风景时，我们会对不真实的背景感到惊讶。山峰、道路、小桥、流水都在梦幻飘忽的氛围中出现，仿佛在证明蒙娜丽莎沉浸在一个梦幻的世界里。
最后的晚餐-达芬奇
在庆祝逾越节的前夕，耶稣和他的十二个门徒坐在桌前，吃晚餐庆祝逾越节。桌子旁边有十三个人。这是他们最后一次共进晚餐。饭桌上，耶稣突然觉得很烦。他告诉他的门徒，其中一个会出卖他。但是耶稣没有说自己是犹大，门徒也不知道谁会背叛耶稣。伟大的意大利艺术家列奥纳多·达·芬奇的《最后的晚餐》是所有关于这个主题的作品中最著名的一部。他把这幅画直接画在米兰一座修道院的用餐墙上？十二个门徒坐在餐桌旁，分成四组。耶稣坐在餐桌中间。
他摊开双手做了一个悲伤的手势，表示他的一些弟子背叛了他。大多数门徒都兴奋地跳了起来，但耶稣的形象却是如此平静。在背景墙的窗户映衬下，我们可以看到他清晰的轮廓。透过窗户，我们可以看到宁静的风景。蓝天就像耶稣头上的光轮。在耶稣右边的那一组，我们看到一张黝黑的脸，向后仰着，好像在躲避耶稣。他的胳膊肘搁在餐桌上，手里拿着一个钱包。我们知道他是叛徒犹大和加略人。犹大手中的钱袋是他的象征，提醒我们他是为耶稣和其他门徒保管钱财的人。钱包里装着卖耶稣获得的三十个银币的报酬。即使他没有钱包，我们也可以通过达芬奇的画来辨认出邪恶的敌人犹大。犹大的影子旁边是圣彼得，我们还可以看到他银白色的头和白色的手。他倾向于年轻的圣约翰。彼得右手拿着一把挂在臀部的刀，好像不小心，刀尖对着犹大的背。圣约翰的头垂向彼得。
在所有的门徒中，他是耶稣最喜欢的。约翰像耶稣一样冷静。他理解了主人的话。在他的左边是小詹姆斯。他试图理解他听到的可怕的话。他张开双手，大声说道。从雅各布的肩膀上看过去，我们看到了圣托马斯，困惑的托马斯，他的怀疑的目光通过他直立的手指表达出来。雅各的另一边，圣斐理伯俯身向耶稣，双手放在胸前，仿佛在说:“你知道我的心，你也知道我绝不会背叛你。””他的脸因爱和忠诚而痛苦。耶稣身边的六个门徒是故事的中心。巴塞洛缪和老雅各布向他们靠过来，旁边的老安德鲁没有站起来，但他想听，于是举起了手，似乎要求安静。右边还剩三个徒弟。他们正在讨论耶稣所说的话，他们的手指指向桌子的中央。他们看到的一切都发生在这部巨著中，但我们每一次欣赏，都会从弟子们的感受和品格中获得新的意义。
向日葵-梵高
梵高的艺术是伟大的，但在他生前并没有得到社会的认可。他的作品蕴含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和形式上的独特追求都远远领先于他那一代人，实在难以为当时的人们所接受。他用环境来把握对象，他再次改变现实以达到真正的真实，这促成了表现主义的诞生。人们对他误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。这就是为什么他留下了永久的艺术作品。他直接影响了法国的动物主义，德国的表现主义，甚至20世纪初出现的抒情抽象肖像。向日葵产于阳光明媚的法国南部。画家就像一团燃烧的火焰，充满火热的激情，让运动感十足、看似不断旋转的笔触显得那么厚重有力，色彩对比简单强烈。但是，在这份厚重和朴实中，却充满了智慧和灵气。观看这幅画时，观者都感受到了激动人心的画面效果，内心颤抖，激情迸发，个个跃跃欲试，* * *融入了梵高丰富的主观感受。总之，梵高作品中的向日葵不仅仅是一种植物，而是一种具有原始冲动和热情的生命。
第一步——梵高
这幅作品是梵高从米勒的同名作品中临摹的。图为一片农村耕地，背面是农民的房子。在图片的右边，一个农妇抱着她的小女儿帮助她学习走路。左边女婴的农民父亲蹲在地上，张开双手鼓励她往前走。虽然这是梵高对米勒作品的临摹，但整幅画透露出梵高的个人风格。这幅画色彩明亮，多为蓝色、黄色和绿色。这些绚丽的色彩和属于大自然的色彩让人感受到活跃的活力。他让画中的人和物用粗黑线框起来，明显是受日本艺术的影响，也给画面增添了真实的感觉。此外，他还用弯曲和旋转的笔触画树木、灌木和庄稼。这是他成熟画作中常见的手法，也为这幅画增添了生气的气氛。整个农村场景让人感受到农民的真实生活，平凡却饱含深情。
创造亚当-米开朗基罗
米开朗基罗代表性壁画的重要组成部分。因为他在佛罗伦萨的名气，当时的教皇朱利叶斯二世邀请他参与教皇陵墓的制作，后来就中断了。1508年，他被迫接受西斯廷教堂屋顶壁画的任务。他当时心情悲伤，但这幅壁画后来成为他一生中最伟大的杰作。西斯廷屋顶壁画面积约500平方米，是艺术史上最大的壁画之一，米开朗基罗根据建筑框架在大厅中央连续画了9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中世界之初直到洪水方舟的故事，并分别命名为“上帝分光”、“创造日、月、草木”， 《上帝的水之地》《亚当的创造》《夏娃的创造》《诱惑与流放天堂》《诺亚》这幅巨型壁画耗时四年多才完成。 由于长期在背上硬画，他的脖子僵硬了，他的字母不得不被查找。其中，创造亚当是最好的。画中的亚当形象健壮、宏伟，具有坚强的意志和力量，显示了艺术家在现实主义基础上的不同寻常的理想处理，给同时代人以深刻的启示。
梦-毕加索
1927年，47岁的毕加索第一次遇到了一个17岁的金发女郎，身材丰满。从那以后，这个女孩一直是毕加索绘画和雕塑的典范。17之后，64岁的毕加索给她发来了生日贺信，信中说:“对我来说，今天是你的17生日，虽然你用了两倍的岁月。遇见你，是我在这个世界上生活的开始。”& gt这幅画画于1932，可以说是毕加索对精神和肉体的热爱的最完美体现。
大宫女天使
在等待去罗马学习的时候，安吉尔接到了来自列日(现在的比利时)的命令，要他为那里的第一位统治者波拿巴画像。此时正是1803的重要时期，即路易十六被处死后，拿破仑在雾月十八日发动了旨在推翻督政府的政变。第一执政官要在全国实行军事独裁，人民都很讨厌。安吉尔答应完成这样一幅肖像。1806年，他在王座上画了拿破仑一世，是庆祝这一军事独裁的悼词。安吉尔没有过问政治，而是在这两幅画中宣示了自己的立场。同年作品在巴黎沙龙展出时，遭到媒体嘲讽。安吉尔得知这幅画在罗马的反应后，心情非常沉重，愤慨地说:“人们总以为沙龙是鼓励绘画的地方，但实际上，它为绘画提供了一条悲伤的道路。”
1813年，他娶了玛德琳·夏佩尔小姐，这总算给了他一些安慰。他说:“夏佩尔是自我牺牲的典范，她成了我生命中的安慰。”这时，他除了画神话，还画了几幅裸体题材的大画，准备送到巴黎重新露面。这幅画《大侍女》(此时法国贵族的上层阶级对土耳其内宫的生活很感兴趣，有东方情调浓厚，有些画家刻意描绘土耳其闺房中的猥琐生活，以满足贵族的视觉需求。安吉尔画了几幅土耳其宫女的画像。《宫女》的题名是为了区别他的另一幅油画《宫女》，这是他这一时期描绘裸体题材的代表作之一。这幅画在巴黎展出时，引来了观众更多的批评。人们都说作为达威特的学生，安吉尔太过分了。他们讽刺地说:“安格尔先生画一个活生生的人，就像几何学家画一个立体一样。他尽一切努力用他的预算线给素描一种立体感！他放大和缩小人体的所有部分，就像普罗克罗斯特斯床上的囚犯一样。传说中的古希腊强盗将他们的俘虏绑在铁床上。如果它们太长，就会把脚弄断。如果太短，它们会随意伸缩。
有时候他会觉得压抑，于是不再强化这种被诅咒的立体感，开始完善轮廓。这叫舍根求末，用剑鞘代替剑决斗。评论家德·克拉特里说得更中肯。他曾对安吉尔的学生说:“他的宫女背上至少多了三块椎骨。”然而，安吉尔的学生之一、他的老师的传记作者阿毛里·杜瓦尔说得更中肯:“他可能是对的，但那又怎样？也许正是因为这种纤长的腰肢，她才如此柔软，能一下子制服全场。如果她的身材比例绝对准确，大概就没那么吸引人了。”这个“宫女”要求严格的古典风格，确实有很多“离经叛道”的地方。第一，色彩的“范围”被严重破坏，背景上强烈的蓝色和裸露皮肤的黄色，以及人体的明暗和粉色调极不协调。其次，上面提到的夸张身材，这种女性裸体几乎成了畸形美的实验品，完全背叛了老师的法庭指令。安吉尔的学生杜瓦尔试图为此为他辩护。他说:“我不想说安吉尔先生是个浪漫主义者。但我也想确定，他从来都不是他当时所理解的那种意义上的‘古典主义者’。”
安格尔在这幅画中似乎表现了他在自然面前的独立性，但由于安格尔美学信仰的坚定性，这里的表现让人对他的观点模棱两可，攻击和批判在所难免。从历史的角度来看，我们认为安吉尔有他探索的勇气，虽然他画的这个人物很虚构。这幅画大约完成于1814，是91×162 cm。现在在巴黎的卢浮宫。
圣子拉斐尔
画中我们看到圣母坐在凳子上，身后是温柔和风景。在这个阳光明媚的日子里，我们可以看到远处的群山融入浅蓝色的天空。右边的灌木丛把我们的注意力吸引到了山上的小教堂。这提醒我们，年轻的母亲和她的婴儿属于宗教世界。围绕在母亲和孩子头上的两个光环是他们神圣的象征。拉斐尔不需要这个标志来表示他想表达的东西。他把他年轻的母亲画得如此甜美，把他梦幻般的脸画得如此温柔，以至于当我们看着她时，我们只能想到圣母。她的大眼睛根本没有看到任何东西，因为它们跟着她的想法走。她陷入沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她的膝盖上。她的另一只手抱着婴儿。当我们把她的手和脸放在一起理解时，我们感觉她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在思考耶稣和他的未来。与他的母亲相比，小耶稣比他同龄的男孩大是很自然的。拉斐尔创作孩子肖像的方式确立了耶稣在画中的重要地位。看圣母玛利亚的脸，可以发现柔和的轮廓，大大的眼睛，挺拔的鼻子，小小的嘴巴，与杰出的希腊雕塑家普拉西·托雷斯所创作的维纳斯的头像惊人的相似。这是因为拉斐尔是文艺复兴时期的艺术家，他一直在研究古代艺术。但也有不同之处。拉斐尔更温和地画圣母的脸。他把古代女神的表情画得更加细腻柔和，赋予了一件古老的异教艺术作品以基督的新含义。拉斐尔赋予了古代美人新的生命。在他的绘画中，古老的艺术获得了新生，并发展成一种新的和不同的完美形式。拉斐尔的成就代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
吹笛者男孩-马奈
马奈早年接受了六年的学术教育，之后研究了历代多位大师的作品。他的画既有传统绘画的立体造型，又有印象派明亮、明快、感光的色彩。可以说，他是一位承上启下的重要画家，他的作品(尤其是肖像画)自然反映了人物的性格和心理。《吹笛者男孩》几乎没有阴影地展现了人物的真实，从中可以看出马奈的才华和自负。这幅画明显受到日本浮世绘版画的影响。注:马奈这个名字用拉丁文题字“马奈·马奈比特”来题写，意思是:“他活着，而且会活下去。”
打着阳伞的女人——莫奈
这幅作品是莫奈早期的印象派绘画。在照片的中间，右边站着一个拿着阳伞的女人，而最左边是她的儿子。这是一个阳光明媚的早晨，两个母亲和孩子走在草地上。整幅画只用了蓝、绿、棕等简单的自然色彩，给人一种安静舒适的感觉。画中的女官占据了画面的大部分空间，成为画中有趣的中心。而左边的小儿子也和阳伞、小姐形成了一个三角形，得到了平衡的效果。这幅画虽然是莫奈的早期作品，但也可以看出他很好地捕捉到了画中的光影和瞬间印象。画中女子的脸部和上半身使用了深色，表示她在遮阳伞的阴影下。整个遮阳伞、脸、衣裙、草的阴影面积与贵妇人衣裙浅色面的光影形成对比(小儿子也是如此)，就像现实中看到的一样。此外，摇曳的头巾和长裙上的褶皱也增强了画面的动感。
衣架的家——塞尚
1872结束时，塞尚穿过蓬图瓦兹离开酒店，前往奥维尔村。通过与蓬图瓦兹的毕沙罗和基约曼的人事创作，塞尚在绘画中充分运用了他所学到的印象派技法，他的色彩比以前更加明亮，画面充满活力，笔触更加细腻。但是，它仍然保留了原有的坚固和粗糙的特点。在这幅作品中，在右边高高的屋顶和左边的房子之间，有一个陡峭的斜坡。中景，只能看到村里房子的屋顶。这一幕是奥维尔村明亮的旱地和天空。前景的屋顶、建筑、道路都很坚固，给人一种沉重的感觉。在这里你看不到印象派作品中常见的扁扁的元叶。前景中巨大的物体阻碍了远景，这就像在和平稳定的风景中撞上了一个大楔子。用这样的构图，选择“衣架的家”这个主题，不能不让人想起塞尚的内心活动和他的精神状态。
喷泉天使
年轻的裸体者拿着锅碗瓢盆让水倒掉，他们的肌肉因为天使美丽温柔的曲线而更加迷人。色彩的运用非常柔和，变化多端。展现崇高、独特、庄重之美。这幅《春天》早在安吉尔入住佛罗伦萨时就开始酝酿，历经30多年终于完成。
日出印象-莫奈
《日出印象》描绘了勒阿弗尔港一个雾蒙蒙的早晨。晨光覆盖下的海水呈橙色或淡紫色，天空被各种色块渲染，再现了强烈的大气反射形成的地表颜色。这种对绘画语言本身的探索，被后世很多画家所接受，从而形成了以印象主义为原点的大趋势，艺术走上了走向现代性的旅程。
伏尔加河追踪者-列宾
列宾(1844-1930)是俄罗斯19世纪后期俄罗斯批判现实主义绘画的主要代表人物之一，《伏尔加河上的纤夫》是他的代表作。学生时代，彼得堡涅瓦河上的繁重劳动引起了列宾的同情。从此，他想画一幅纤夫的作品，借以提醒下层劳动人民的悲惨生活和社会不公。1870年夏天，列宾和同学华士利耶夫一起去伏尔加河写生(他后来也画过关于追踪者的画)。典型的俄罗斯风光和纤夫的生活给他留下了难忘的印象。在这幅画中，列宾画了11个饱经风霜的劳动者，在河边炎热的沙滩上吃力地拉着绳子。追踪者有不同的经历和个性。他们生活在社会的最底层，但这是一个通过苦难被训练得坚韧不拔、相互依存的团队。背景的颜色暗淡而朦胧，空间空旷而诡异，给人一种忧郁、孤独、无助的感觉，深入到追踪者的内心。也是画家心境的真实写照，对绘画目的的体现和情感的烘托起着很大的作用。所以这幅画的构图、线条、笔触等绘画技法都是相当成功的。
阿维尼翁的女孩-毕加索
以前的画家总是从一个角度看人或事物，只画立体的一面。立体主义是用一种全新的方式来表现事物。他们从几个角度观察，从正面看不到的几个角度观察，以平行或重叠的方式展现正面看不到的几个侧面。《阿维尼翁的姑娘》中，五种裸色色调以蓝色为背景，背景任意分割，没有距离感，人物由几何图形构成。